http://www.cinemax-la.tv/blogdemax/Informacion y comentarios sobre la programacion de Cinemaxes   La sociedad es una máquina, una máquina edípica, ciega e ignorante en su poder (tal como Edipo), avasalladora, dominante y en ocasiones destructora del individuo. La familia es la base y máxima representación de esta máquina Edipo. Está allí para ejercer su poder, para anular al ser humano, quien a través de su inconsciente es otra máquina, una máquina de deseos que anhela libertad. Pero esa libertad, dentro de la máquina es peligro, peligro puro. Así, la familia debe anular al individuo, insertarlo dentro de la estructura. En ocasiones, esa estructura familiar se corrompe a los extremos y viola al individuo, lo maltrata a un nivel tal que entonces se produce la línea de fuga. El individuo huye de la familia, y al huir de ella huye de la máquina social. Para estos individuos revolucionarios, que anhelan desde el inconsciente maximizar la máquina deseante, ese su anhelo de libertad, la sociedad le tiene preparado un no-lugar, o más bien no les tiene lugar. Al salirse de la máquina, estos individuos abortan el sistema, y fuera del sistema sólo existe el caos. De este modo podemos entender Where the day takes you, film del cineasta Mark Rocco que nos presenta a un grupo de jóvenes que ha huido de sus hogares y que vive en los predios de Hollywood (máquina productora de sueños, de ideales, de vidas ejemplares y virtuales) intentando forjarse su propia familia en medio de la vorágine de la miseria, la prostitución y las drogas. Where the day takes you data de 1992 y fue muy aclamado en su momento por la crítica. Se trata de un film duro y real que sin embargo no alcanza la abyección, y donde queda reflejada la experiencia de la fuga hacia las afueras de la máquina social, allí donde no hay nada de qué apropiarse porque la máquina se ha apoderado de todo. Paradójicamente, en el film vemos cómo aquellos que se han puesto en fuga de la familia, sienten la profunda necesidad de la alianza y de instaurar otra familia, quizás con el fin de sobrevivir. Esta otra familia, por supuesto, se hermana dentro del caos errático, dentro de un mismo patrón delictivo. Porque si bien, este grupo de jóvenes, esta pequeña familia de fugitivos se alejan de la máquina, necesitan volver constantemente a ella para sustentarse. En ese contacto forajido con la máquina social, chocan constantemente con la ley, con ese guardián que exige la reintegración, no sin antes pasar por el castigo. Los para entonces muy jóvenes actores Sean Astin, Lara Flynn Boyle, Balthazar Getty y Ricki Lake (también aparece un muy joven Will Smith) son los miembros de esta familia de seres cargados de odio y dolor que bajo la tutela de Rey (Dermot Mulroey) se verán sometidos a una batida de deseos que van entre la salvación y la condena, produciendo así una tensión dramática que documenta la vida de aquellos que han sido dañados profundamente por la máquina. ¿Allí, en ese caos sin nombre al que la sociedad ha condenado a alguno de sus miembros, puede existir otra familia que te salve?   Where the day takes you, el miércoles 8 de septiembre en Max, tu nuevo canal.   Retransmisiones: sáb, 02/10/2010; mar, 12/10/2010 ; lun, 18/10/2010; vie, 22/10/2010; sáb, 30/10/2010.    Mon, 6 Sep 2010 08:21:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=713Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=713#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=713 Normal 0 21 false false false ES-VE X-NONE X-NONE /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Tabla normal"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-priority:99; mso-style-qformat:yes; mso-style-parent:""; mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; mso-para-margin-top:0cm; mso-para-margin-right:0cm; mso-para-margin-bottom:10.0pt; mso-para-margin-left:0cm; line-height:115%; mso-pagination:widow-orphan; font-size:11.0pt; font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-theme-font:minor-fareast; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin;}               La historia de un jardinero que vive en una casa, que nunca ha salido de ella. La historia de un jardinero que se encuentra ante la amenaza de quedar sin lugar en el mundo porque la casa está a punto de venderse. No, no es Desde el jardín de Jerzy Kosinski, protagonizada en el cine por Peter Sellers; se trata en realidad del film Parque vía (2008), escrito y dirigido por el joven mexicano Enrique Rivero, un film que ha obtenido mucho éxito en el circuito de los festivales, principalmente en Locarno, Suiza.             Se trata de un film pequeño, minimalista y que se da su tiempo, muy a la onda de nuevo cine mexicano, con bajo presupuesto, locaciones reales e incluso actores no profesionales. Un trabajo contemporáneo, desde el estilo hasta su estructuración argumental, que sin duda se hermana con un referente muy conocido, el film protagonizado por Sellers, o en todo caso la novela de Kosinski. Rivero ha dicho que su historia está basada en Beto (Nolberto Coria, protagonista del film, actor no profesional y velador solitario de oficio), y que incluso estuvo tentado a hacer un documental. No nos cabe duda de ello. Que un personaje real sea parecido a uno de ficción, nos lleva a pensar, por supuesto, que las relaciones entre la realidad y la literatura son muchos más estrechas de lo que uno piensa. Pero lo que sí es cierto es que aquello que algunos han llamado postmodernidad, pareciera presentarse acá (conscientemente o no) como un trabajo de comentario y creación sobre la similitud y la analogía, sobre el referente ficticio. Las películas hablan entre ellas, y se comentan y se versionan, y el espectador está allí, para gozar o para sufrir ese intercambio. El trabajo artístico de comentarios y analogías es una manera de crear que no es nueva, pero que sí está muy presente en estos tiempos, y que en ocasiones, si no se tiene cuidado, si no se interpreta correctamente, puede incluso ser entendida como mera repetición o incluso como plagio en el caso del basamento sobre otra obra. En el film de Rivero tenemos una base argumental que remite al espectador inevitablemente a otra historia ya conocida. No obstante, Rivero introduce variantes: el velador-jardinero, al contrario de Chance, tiene desde el principio un cuerpo donde desahogar el ansia sexual, y también hay una dueña de casa, vivita y coleando, con quien Beto mantiene una relación de subordinación de años con ciertos toques de oscuridad que desatará los hechos más cruentos. Ya se dijo: estos elementos nuevos introducen variantes sobre la personalidad del personaje principal y de allí, sobre la trama, lo que aporta como una especie de versión de la historia original y ya clásica. Versión en todo caso sin mayores estridencias cinematográficas, y mucho más oscura, eso sí. Lo que en el film de Sellers se convierte en una casi santificada inocencia nacida de la soledad que terminará enfrentando y ridiculizando a los poderes, acá, en el film de Rivero, se convierte en una lucha desesperada. La soledad segura en su cierro, pero muy humana, despojada de todo misticismo, enfrentada a los golpes de la realidad, a la necesidad de supervivencia, a la falta de dinero, a la falta de lugar en el mundo, a la falta de destino.             Parque vía, el martes 7 se septiembre, por Max.             Retransmisiones: lun, 20/09/2010; mié, 29/09/2010; dom, 10/10/2010; jue, 21/10/2010; vie, 29/10/2010. Thu, 2 Sep 2010 17:26:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=712Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=712#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=712 Normal 0 21 false false false ES-VE X-NONE X-NONE /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Tabla normal"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-priority:99; mso-style-qformat:yes; mso-style-parent:""; mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; mso-para-margin-top:0cm; mso-para-margin-right:0cm; mso-para-margin-bottom:10.0pt; mso-para-margin-left:0cm; line-height:115%; mso-pagination:widow-orphan; font-size:11.0pt; font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-theme-font:minor-fareast; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin;}               Para William Burroughs el lenguaje —la palabra— era un virus. Lo decía incluso desde el punto de vista biológico, lo sustentaba con estudios científicos. Pero más allá de que su idea estuviera basada en lo racional (lo cual resulta irónico, y veremos por qué), lo interesante estaba en las concepciones filosóficas y literarias que surgían de ella. Para Burroughs el lenguaje era un virus que llevaría al hombre al exterminio, porque le había limitado su visión de sí mismo y del mundo. Podríamos decir que el lenguaje, como estructura secuencial y organizada había dado predominio a la razón, a la razón que no es suficiente para explicar el mundo. La salvación para Burroughs estaba en el caos. Pero el caos como un lugar donde el hombre podía expandirse, ser pleno. Un lugar de libertad, eso era el caos para él, un espacio mítico, donde lo contrario y lo contradictorio se funden, se vuelven un todo. El caos daría cabida al hombre completo, al hombre en su totalidad. Esto no sólo se refleja en el autor desde el punto de vista literario, ya se dijo, sino que también marcó las pautas de su existencia. Burroughs buscó mil maneras de expandir su espíritu, se metió muy adentro, donde hay capas y capas oscuridad, y desde allí, intentó, precisamente con las palabras, hablar de ese mundo que construía a fuerza de drogas, locura, misticismo, sexualidad e incluso abandono y miseria. Paradójico: el hombre que veía al lenguaje como un virus, era escritor. Su vida, no obstante, era un reflejo de sus ideas. Se separó de su familia adinerada, y se adentró cada vez más en la búsqueda. Incluso llegó a matar a su esposa Joan Vollmer, una de las artistas prominentes de la generación Beat. Aquel día andaban por las nubes, quién sabe con cuántas cosas encima, y a William y Joan les dio por jugar a la manzana de Guillermo Tell. Burroughs era amante de las armas, en aquella ocasión usó una Colt 45. Él se consideraba excelente tirador, ella se puso la manzana en la cabeza; él disparó, y ella cayó herida de muerte.             Beat: Crónicas Malditas (2000) de Gary Walkow, nos muestra al William Burroughs (Kiefer Sutherland) de aquellos años, sumergido en sus tendencias homosexuales, dado al vicio y casado con la Vollmer (Courtney Love, cuyo famosísimo marido, Kurt Cobain, se pegó un tiro en la cabeza). Así como sus amigos lo visitarían durante su estadía en Tánger en 1955 y de allí rescatarían las páginas de Almuerzo desnudo, vemos acá una visita anterior a aquella con los mismos personajes, es decir con Kerouac y Gingsberg, quienes se aparecen por México y se encuentran con una situación matrimonial bastante compleja. Es el año de 1951, y allí los capta Gary Walkow, en ese momento, en ese encuentro de artistas, y luego, en esa muerte. Esa absurda y loquísima muerte que pareciera sacada de las mismas ideas de Burroughs, de su búsqueda, de su manera de vivir. Y no digo que haya sido premeditado, pero sí podemos dejar como nota final lo que se maceró en el espíritu del escritor luego del asesinato. Así declaró alguna vez: «Me vi forzado a extraer la horrenda conclusión de que nunca me habría convertido en escritor de no ser por la muerte de Joan, y así comprendí que tal evento motivó y generó mis escritos. Vivo con la amenaza de la posesión, y con una constante necesidad de escapar de la posesión, del Control. La muerte de Joan me puso en contacto con el invasor, el Espíritu Feo, y me llevó a una vida de lucha en la que no tuve otra elección que abrirme camino escribiendo».             Burroughs, a pesar de la opinión de muchos, hizo un gran aporte al universo literario. Su manejo del lenguaje (al que consideraba un virus), alcanzó alturas semejantes a las del mismo Joyce. Podríamos decir que Burroughs es como un Joyce repotenciado. Muchos artistas han sentido su influencia, y le han rendido tributo, o incluso trabajado con él, como lo hiciera Jim Morrison, hace algunos años. Pinchando acá: Normal 0 21 false false false ES-VE X-NONE X-NONE /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Tabla normal"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-priority:99; mso-style-qformat:yes; mso-style-parent:""; mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; mso-para-margin-top:0cm; mso-para-margin-right:0cm; mso-para-margin-bottom:10.0pt; mso-para-margin-left:0cm; line-height:115%; mso-pagination:widow-orphan; font-size:11.0pt; font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-theme-font:minor-fareast; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin;} Normal 0 21 false false false ES-VE X-NONE X-NONE /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Tabla normal"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-priority:99; mso-style-qformat:yes; mso-style-parent:""; mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; mso-para-margin-top:0cm; mso-para-margin-right:0cm; mso-para-margin-bottom:10.0pt; mso-para-margin-left:0cm; line-height:115%; mso-pagination:widow-orphan; font-size:11.0pt; font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-theme-font:minor-fareast; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin;} http://www.youtube.com/watch?v=6mmSw_HIJ1U puedes encontrar algo de esa maravilla de Morrison y Burroughs juntos.             Beat: Crónicas Malditas comenzando el mes de septiembre; no te la pierdas el lunes 6 de septiembre en Max.             Retransmisiones: Sáb, 11/09/2010, jue, 16/09/2010, sáb, 25/09/2010. Wed, 1 Sep 2010 16:01:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=711Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=711#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=711                          Harto es conocido lo acontecido con Roberto Saviano luego de publicar Gomorra en 2006. El libro se vendió como se regala un rumor hasta alcanzar la extraordinaria suma de dos millones de ejemplares. Pero también cuidado con lo que deseas, porque ya sabes lo que te viene. La Camorra napolitana, contra la que Saviano enfiló su libro, se molestó (cosa natural que se molestara), y las amenazas de muerte llegaron. El gobierno le puso escoltas a Saviano, y finalmente se supo planifica contra la vida de Saviano un atentado espectacular y aleccionador. El escritor-periodista tuvo que salir de Italia en 2008. Muchos le consideran un héroe nacional. El mismo Umberto Eco se encargó de ratificarlo.               Con todo este historial de fondo, nos llega a Max el film que porta el mismo nombre del libro. Gomorra (2008), dirigido por Matteo Garrone, recrea historias de ficción con un giro de cámara documental que busca precisamente recordarle al espectador que nos encontramos ante unos hechos basados en una terrible realidad. Un film dramático, duro, lleno de jóvenes desesperados, de violencia abyecta, de desesperanza y horror. Prebendas y daños, gloria y horror, la máscara y lo real, todo está allí en estas cinco historias: La pérdida de la inocencia, el falso sueño de jóvenes que juegan con el mal y juego al mal influenciados por filmes de mafia de Hollywood (los que les hace quedar en ridículo ante el espectador); los negocios francamente horríficos e inmorales (desechos tóxicos arrojados al sistema público); el dilema entre la traición y la vida; los trabajos de un modisto excelente que se relaciona con la mafia china, también en conexión con la terrible Camorra. Todo un muestrario del oprobio humano, un museo de horrores que expuso Saviano, y que a su vez expuso el cineasta Garrone en la pantalla grande.               Gamorra, ganó el premio del Gran Jurado en Cannes, mejor film, mejor fotografía (Marco Oronato) y mejor actor (Toni Servillo) en los Golden Globes italianos, y obtuvo otra gran cantidad de premios y nominaciones internacionales.               Disfruta de esta excelente película el lunes 16 de agosto en Max, el nuevo canal.               Retransmisiones: sáb, 21/08/2010 20:45; vie, 27/08/2010.    Mon, 2 Aug 2010 14:26:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=693Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=693#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=693                       Trece cositas cositas que podríamos saber de Iron Maiden: 1)    Iron Maiden significa «Dama de hierro». La Dama de hierro era un instrumento de tortura medieval usado por la Inquisición, y quién sabe si por otros locos tipo Erszebeth Báthory. Consistía en una especie de sarcófago cuya cara externa era la imagen de una mujer. Por dentro, estaba forrado de púas de acero. Al torturado se le metía adentro, y ya se sabe lo que le pasaba.   2)    En alguna parte de la portada de Poweslave dice «Indiana Jones was here» con la fecha 1941.   3)    Yo no sé nada de Iron Maiden, pero te cuento estas cosas porque las encontré por ahí. Su música, eso sí, me encanta.   4)    «Rime of the Anciente Mariner» es un tema basado en un poema de Coleridge. El poema narra la maldición de un marinero que mata a una gaviota.   5)    «Moonchild», el primer track de Seventh son of a seventh son, está basado en el ritual «El Liber de Samekh Hé» de Aleister Crowley. El ritual busca el logro de conocimiento y conservación del Sacro Angel Guardián. Richard  Canvendish en Las artes negras, escribió lo siguiente: «Conocer al ángel y tener sexo con el demonio… significa invocar y liberar las fuerzas del inconsciente del mago.» Es decir, los poderes más internos del mago son liberados.   6)    Aliester Crowley, llamado La Bestia, llamado El hombre más malo del mundo, llamado Mago negro sexual, vivió entre 1875 y 1947 como uno de los magos más enigmáticos, temerarios y oscuros (y serios) de la historia de la humanidad. Crowley decía haber recibido totalmente en trance su obra El Libro de la Ley de una entidad de nombre Aiwass. En el libro se proclama la ley de Thelema, que es una especie de Ley de la Voluntad. La Ley se resumía en la siguiente frase: «Haz lo que quieras». También decía que el amor era la Ley, amor bajo Voluntad. Crowley fue bisexual, drogadicto y satanista. Se dice que invocó demonios y que murió diciendo que se odiaba a sí mismo. Cabe destacar que aparece en la esquina superior izquierda de la portada de Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band de Los Beatles.   7)    Bruce Dickinson, actual cantante de Iron Maiden, escribió un guión cinematográfico sobre la vida de Crowley. El film se título The Chemichal Wedding y es de 2008. La historia: un profesor retraído mete dentro de una computadora el espíritu Aliester Crowley, pero éste se escapa y toma el cuerpo del profesor. Por supuesto, los muertos empiezan a aparecer por todos lados.   8)    Bruce Dickinson maneja el avión de los Iron Maiden, que los lleva de gira por todo el mundo. El avión es un Boeing 757 llamado Ed Force One. Yeaaaah!   9)    Bruce Dickicson se graduó de Historia antigua en la Universidad de Londres. También es experto en esgrima.   10)  Steve Harris, fundador, compositor, tirano y al mismo tiempo alma de Iron Maiden, es considerado uno de los mejores bajistas del género. Junto a Dave Murray es el único del grupo que ha permanecido durante más de 35 años.   11)  Steve Harris fue un excelente jugador de futbol. De hecho, es el dueño del futbol club Fullham.   12)  La más grande canción de Iro Maiden, para mí, es la del número de la bestia. ¡Qué gran canción!   13)  Se dice que durante la gira The number of the Beast (cuyo número es 666), Rod Smallwood, manager de Iron Maiden, tuvo un accidente de auto. La reparación tuvo un costo de que 666 libras.     Si quieres saber más de Iron Maiden, no te pierdas Iron Maiden: Flight  666, documental en torno a la gira de 45 días por todo el mundo Somewhere Back In Time. Estreno el miércoles 11 de agosto, por Max, el nuevo canal.   Retransmisiones: Lun, 23/08/2010 14:25; vie, 27/08/2010 15:25; dom, 29/08/2010 15:55.   Fri, 30 Jul 2010 17:00:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=692Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=692#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=692   Mi recordación más clara de Isabella Rosellini proviene gracias a Terciopelo Azul de David Lynch. ¿La recuerdas? Esa mujer extraña que cantaba «Blue Velvet» y que era sometida a vejaciones sexuales por parte de un desquiciado Dennis Hopper (que en paz descanse, y si no quiere descansar en paz que se divierta). Al ver las piezas de Green Porno, escritas, producidas y codirigidas por ella, no he podido dejar de pensar en esa filiación con Lynch. Green Porno es una serie de ocho cortometrajes de género documental que Isabella hizo para la red y que ha sido transmitida en varios canales importantes en el mundo. ¿De qué va la cosa? Pues estos micro-documentales exploran la vida sexual de distintos insectos y animales marinos. ¿Aburrido? Para nada. La Rossellini concibió un proyecto divertido (el humor siempre está presente), muy artístico (nunca vulgar, aunque se hable de porno) y realmente extraño, deliciosamente extraño: Nada más y nada menos que contarnos y mostrarnos cómo tienen sexo estos animales.   Así que ahí la tenemos, a Isabella, quiero decir, vestida como cada uno de esos animales con unos trajes que algunos son de magnífico diseño, hablándole a la cámara, todo con una tranquilidad minimalista y un decorado también minimalista. El resultado es maravilloso y realmente fuera de lo común, surrealista incluso. No me cabe duda, por lo menos a mí, que Lynch está por alguna parte. Y por su puesto, se agradece. Isabella pescó una gran idea (tal como suele decir David Lynch) y la realizó con mucho tino y delicadeza. El resultado es la pornografía absolutamente delirante y exquisita de Green Porno.   Green Porno, a partir del sábado 7 de agosto en Max, el nuevo canal.   Para revisar las retransmisiones haz clic aquí.    Thu, 29 Jul 2010 13:28:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=691Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=691#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=691   Los gorriones están en todas partes, menos en la Antártica, no les gusta el frío, la humanidad les da calor. Los gorriones están en las ciudades. Aman las grietas y la parte de abajo de los tejados; allí hacen sus nidos con hojas secas, ramitas y restos de papel. Papel de la ciudad, restos de civilización. En primavera, pero en la primavera del campo, se alimentan de flores y mariposas. En la ciudad sin estaciones, siempre gris, se alimentan de insectos y de los desperdicios del hombre. De basura, se alimentan de basura. Los gorriones creen en el hombre, viven cerca del hombre, rodean al hombre, sufren al hombre y sufren por el hombre. Los gorriones, tan cerca del cielo, tan unidos a la tierra, bajan al piso y dan saltitos, como si el piso los quemara, como si quisieran despegar del Infierno pero también como si quisieran quedarse en el Paraíso. Algo bueno deben tener los humanos. Algo malo también, eso ya lo sabemos. Algo malo debe tener la ciudad, algo bueno también, eso también lo sabemos. De sobra lo sabemos. Y los gorriones quizás no. O quizás sí, más que nosotros. Por algo están en la Biblia. Salmo 84:4. Abundan, son muchos, son poca cosa para algunos. Para Dios los poca cosa son importantes. Los poca cosa están más cerca del Cielo, más cerca de Dios. ¿Has escuchado a los gorriones cantar? Son pájaros cantores. Cantan cuando están contentos, cuando le quieren hablar a los humanos. Si te detienes a escucharlos, quizás los comprendas. Quizás te digan lo que necesitas que te digan. Lo que necesitas saber. Lo que necesitas conocer para volver a ti mismo, para encontrarte y resucitar. Los gorriones, escucha el canto de los gorriones. Y comienza agosto en Max con un film del magnífico Majid Majidi (único cineasta iraní nominado al Oscar), que tiene que ver con gorriones, el campo, la ciudad, la basura del hombre y la pureza del alma: Avaze gonjeshk-ha, o La canción de los gorriones (2008). Te invito a verla, el martes 3 de agosto, por Max. Retransmisiones: sáb, 07/08/2010 20:45; sáb, 21/08/2010 15:25. Wed, 28 Jul 2010 13:57:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=690Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=690#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=690                          Siempre he tenido la sensación de que los japoneses son gente distinta. Que su cerebro funciona de otra manera. Siempre he pensado que son personas para quienes el protocolo social es importante. Son, lo que podríamos decir, personas muy educadas y amables, muy unidas a su historia y a sus tradiciones. De alguna manera uno podría pensar que son personas que siguen en contacto con las cosas buenas del pasado. No obstante, el ser humano es el ser humano, y sea del Japón o de Ciudad de México, la modernidad y sus crisis ataca por igual  y produce en todos los mismos efectos. El film Tokyo Sonata (2008) del director Kiyoshi Kurosawa (conocido por sus excelentes filmes de horror) nos presenta esta vez una tragicomedia con marcados toques surrealistas y de absurdo que deja en evidencia la desintegración de una familia nipona en este mundo del que hablamos. Allí donde suponemos tradición y respeto, la pervivencia de un orden antiguo, nos encontramos con el caos, la disolución y la incomunicación. Incomunicación que además se acrecienta precisamente dentro de esa cerrazón, dentro de ese mutismo tan interior y tan reprimido de la sociedad japonesa. Como en el film El uso del tiempo (2001), de Laurent Cantet, el personaje masculino de esta cinta simula seguir yendo a su trabajo todos los días, a pesar de haber sido despedido de un trabajo de años. Este hombre le miente a su familia, por suprema vergüenza asiática, pero al mismo tiempo, su pequeño hijo le oculta a él sus estudios de piano. También está el hijo mayor, que desea enrolarse en la aventura de su vida uniéndose a una misión del ejército norteamericano. En el medio de tanto ocultamiento social masculino, se encuentra la mujer, la madre, símbolo de amalgama, de cohesión, de resignación en la tragedia. En torno a esa familia, hay desesperación, más desempleo, más hombres que mienten, gente que se divorcia, asesinatos familiares productos de la locura moderna. Kurosawa nos da a conocer la terrible realidad: las colas para obtener comida gratis, los trabajos miserables en la calle, los parques de desempleados… Y es entonces, cuando más metidos estamos en la narrativa del film, justo en ese momento, el cineasta le da una vuelta de tuerca a la historia, e introduce un secuestro muy particular. Mientras el mundo de los hombres vive sus secretos, en otras esferas, las de las mujeres, también hay ocultamientos, silencios que matan esperanzas, dolor y rebeldías. En ese ámbito, las cosas son más empáticas pero también más oscuras y extrañas. Todos en este film tienen sus historias que ocultar.               Tokyo Sonata no es una cinta fácil, no está pensadq para una tarde de palomitas de maíz. La historia se adentra en el alma de los personajes, y no mira hacia otro lado cuando encuentra pozos sucios y vergüenzas ocultas. Aún así, apunta hacia la redención dentro del caos, a la crisis como un instante necesario previo al crecimiento, al equilibrio. Si esperas un final feliz, quizás lo tengas, pero primero debes pasar una dura prueba. Tokyo Sonata obtuvo el Premio «Un Certain Regard» otorgado por el Jurado del Festival de Cannes, y el premio a la Mejor Cinematografía en el Festival de Cine de Yokohama.               Tokyo Sonata, el jueves 29 de julio, por Max, el nuevo canal.               Retransmisiones: dom, 01/08/2010 12:50; vie, 06/08/2010 18:40; vie, 13/08/2010 14:20; mié, 18/08/2010 15:05; mar, 31/08/2010 07:30.    Tue, 27 Jul 2010 15:42:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=688Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=688#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=688                           En el prefacio de Las palabras y las cosas, Michel Foucault dice que el hombre es una invención reciente, «un simple pliegue en nuestro saber y que desaparecerá en cuanto éste encuentre una forma nueva». Hablaba Foucault aquí quizás del hombre como figura epistémica, instaurada en la razón, el poder y el deseo. Una figura dominada por las concepciones del sicoanálisis y por sus representaciones delimitadoras. El hombre es lo que es dentro del conjunto de conocimientos que nos ha dado nuestro tiempo. Más allá de eso, la representación no existe. El inconsciente, apenas esquematizado y reducido, es una tierra baldía. Allí, en esa frontera, es donde ve Foucault el fin de hombre. Esther Díaz nos dice en La filosofía de Michel Foucault: «Bastaría con que se ahondara en el inconsciente y que se abandonara la representación para que el hombre desapareciera como desaparece, al borde del mar, un rostro de arena.» Bastaría sí que el hombre dejara de ser una máquina formada de conexiones que nos preestablecen en el trabajo, en el ocio, en los sentimientos, en las relaciones, para que surja otra cosa, no sabemos qué y que quizás deje de llamarse hombre. Cuando pensamos en Buda o en Cristo o en los caminos de Jung y de Nietszche (quien por cierto, en La voluntad de poder condena a la psicología y enumera sus crímenes en el apartado 294), cuando pensamos también en los asesinos en serie, y en la locura en general, avistamos esas otras posibilidades futuras. O eso por lo menos creo yo. Ya sabemos, meterse con Foucault es meterse en honduras. No obstante, el aclamado film de Elio Petri  Investigación de un ciudadano libre de sospecha, me lleva a pensar en este hombre que ya no es hombre, en este hombre que desconocemos, que la razón de nuestro tiempo no puede explicar. El inspector de la policía, ese hombre poderoso interpretado por Gian Maria Volanté, comete un crimen, asesina sin razón aparente a su amante Augusta (Florinda Bolkan), con quien mantenía unos juegos sexuales extremos, muy guiados por el sometimiento del poder. A partir de la muerte de la mujer, el inspector de policía, ya se dijo, un hombre poderoso, prestigioso, moralmente intachable, comienza un nuevo juego: pareciera querer demostrar que, gracias a su posición privilegiada, no va a ser descubierto. Petri quizás quiera decirnos que las conexiones de la máquina social son demasiado fuertes, están demasiado estructuradas y son en extremo encubridoras como para enjuiciar y castigar a sus miembros más empoderados. Para Petri la máquina social se ha corrompido, y es tan monstruosa en su aparataje que dentro de ella no tiene cabida una anomalía. Para la máquina social y moral, un representante del poder y de la razón no debe ni puede salir del conjunto de reglas antropológicas que lo sustentan, y si tal cosa ocurriera, la máquina acudiría la corrupción de los sentidos para ignorarlo. Es decir, no escucharía, no vería, no «olería nada», ni mucho menos «hablaría» (entiéndase acusaría, enjuiciaría y sentenciaría). El inspector asesina, sin razón aparente, ya se dijo, y también comienza a dejar pistas, no sabemos si para acrecentar su sensación de poder, de impunidad dentro de la máquina, o para reclamar su castigo desde el silencio de las huellas que va dejando. El inspector, al contrario que los personajes de Kafka, sí ha cometido un crimen, y busca el castigo en el mutismo, en la serenidad de sus actos. El inspector, desde uno u otro punto de vista, es un ser que se sale de la epistemología de su tiempo. Pero una vez más, él no pareciera ser el culpable absoluto de su falta, sino la misma maquinaria, el cómplice que ignora su crimen, y además lo premia. Petri, hombre de izquierdas, nos está diciendo por supuesto que la maquinaria (capitalista) está sobreestimada, corrupta y pervertida, y debe desaparecer para instaurar una sociedad diferente, con otro tipo de conexiones (otra máquina al fin y al cabo), donde surja un hombre nuevo, libre de toda malformación del pasado, sin corrupción, sin voluntad extrema de poder, sin deseos egoístas. Sin embargo, el director está haciendo arte, y se cuida de lo panfletario. De allí que la imagen de su inspector pueda alcanzar otras alturas, más allá de las políticas. El inspector de Petri es así también una muestra de ese ser extraño que surge como falla del sistema, pero que, sobre todo, al librarse de las conexiones, de las razones que lo conforman, demuestra que el hombre es más que el hombre, y que hay algo dentro de él, dañado por el exterior o puro en su grandeza, que entra en los parámetros de la máquina. Así, al salirse, delata la corrupción de la máquina, desde adentro, mostrando lo dañado que está, y hacia fuera, desnudando y desmontando los mecanismos que sustentan el poder. El inspector de Petri huye, maravillosamente, de sus intenciones originarias, va más allá gracias a la inteligencia y el talento del director, y nos abre un campo de interpretaciones nuevas y fascinantes.               Investigación de un ciudadano libre de sospecha ganó el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI en Cannes en 1970 y el Oscar a Mejor Película Extranjera en 1971.               Te invito a verla, el miércoles 28 de julio, en Max, el nuevo canal.Mon, 26 Jul 2010 11:00:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=686Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=686#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=686                         La pequeña tiendita del horror del año 1986 es de esos pocos filmes que se convierten en clásicos, a pesar de ser versiones de otro clásico. En este caso estamos hablando del film de serie B, filmado en 1960 por Roger Corman, y que tomó menos de un mes para realizarse. Una película que no costó más de treinta mil dólares y donde además aparece un muy joven Jack Nicholson, quien luego sería el actor estrella del gran director de los presupuestos bajos. El film no tuvo un gran éxito comercial en su momento, ninguno de la serie B lo tiene, pero con los años se convirtió en un clásico, y en 1982 se le hizo una obra de teatro en Broadway (musical, por supuesto) que hizo mucho dinero y estuvo abierta al público durante muchísimo tiempo. Alan Menken la compondría y Howard Ashman la escribiría. Cuatro años más tarde, se haría la versión de 1986 que nos ocupa. La dirigió Frank Oz, quien se hizo famoso precisamente en 1982 por la producción y dirección del film de fantasía El cristal oscuro, trabajo que realizó junto a Jim Henson, el creador de las marionetas conocidas como Muppets. Su selección para esta peli no fui gratuita. En el film de 1986, la planta gigante y caníbal Audrey II era una marioneta gigante.   En los roles protagónicos del film estuvo Rick Moranis, en aquel entonces un joven comediante surgido de las filas de Saturday Night Live que estaba en pleno momento creativo y de fama. Junto a él también estuvieron Ellen Greene, James Belushi, Steve Martin, John Candy, Christopher Guest y Bill Murray (en el papel de Nicholson), toda una generación de actores fundamentales en la historia del cine de comedia norteamericano, salidos en su mayoría de la filas del ínclito y ya nombrado programa de televisión, Saturday Night Live. Esta versión de 1986, cabe destacar, no está directamente inspirada en el film de Corman, sino que pasa por el tamiz del musical del Broadway. De hecho, se trata de una película musical, pero cargada, definitivamente, de un humor bastante particular, dado, en gran parte, por el trabuco de actores que se gastaba, todos ellos formados en esa comedia de los ochenta y los noventa caracterizada por su irreverencia. Estoy seguro de que mucho de lo que vemos en ese film, lo pusieron los actores, y gracias a ellos y a una dirección ligera y sin prohibiciones, tenemos para la historia un divertido clásico.   La pequeña tiendita del horror, versión 1986, el martes 27 de julio, por Max.   Retransmisiones: sáb, 31/07/2010 00:20; dom, 01/08/2010 18:40; jue, 05/08/2010 13:10; lun, 09/08/2010 17:00; sáb, 14/08/2010 19:00; mar, 17/08/2010 18:40; vie, 27/08/2010 13:45.                  Thu, 22 Jul 2010 13:45:00 GMThttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=684Maxhttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=684#comentshttp://www.cinemax-la.tv/blogdemax/comentarios.asp?id=684