Son of a Lion (2007) nos cuenta la historia de un muchacho de once años que trabaja en la tienda-fábrica de su padre. Se trata de un niño que hace y vende armas de fuego en un poblado remoto entre las fronteras de Pakistán y Afganistán, y que un día siente que él no está hecho para eso, que en el mundo hay otras cosas y que lo que quiere hacer en verdad es ir a la escuela para aprender hacer algo que ignora por completo: leer y escribir. Por supuesto, no será fácil alcanzar su cometido. La sociedad en la que vive está estructurada para rechazar y hasta para aniquilar a aquel que se atreva a querer otros destinos. En un mundo donde sólo existe una voz, y esa voz además se supone sagrada, la diferencia se convierte en un defecto, en una insubordinación, en un drama que puede terminar en tragedia. La épica de Niz, el muchacho que arriesga mucho por mantener en alto su libertad individual, es muy parecida a la del realizador de la cinta, Benjamin Gilmour, un australiano que manejaba una ambulancia en Sidney y que terminó, a riesgo de su propia vida, en las áridas tierras fronterizas por donde se dice que se esconde Osama Bin Laden y donde también anduvo Alejandro Magno, quien partió de allí con el rabo entre las piernas y sin mayores logros. Gilmour, no obstante, sí obtuvo su victoria: una película filmada en los mismos lugares que la ficción nos cuenta, y con actores no profesionales que dieron lo mejor de ellos para realizar esta obra de guión sencillo pero cargado de un profundo respeto por el hombre y sus esperanzas. Hecha en video y bajo un costo de catorce mil dólares, Son of a Lion es una cinta que vale la pena ver y disfrutar: conmovedora, valiente y llena de heroísmo, frente a las cámaras y detrás de las cámaras.

            Son of a Lion, este martes 9 en la señal oeste, y el martes 16 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Somos lo que ves.

            (Y pronto, estaremos hablando de la semana especial de Cinemax).

            Retranmisiones: Cinemax-E 16:05 Vie 19/2/2010. Cinemax-O 19:05 Vie       19/2/2010. Cinemax-E 15:00 Lun 22/2/2010. Cinemax-O 18:05 Lun 22/2/2010. Cinemax-E      15:05 Mie 10/3/2010. Cinemax-O 18:05 Mie 10/3/2010. Cinemax-E 16:50 Jue 18/3/2010. Cinemax-O 19:50 Jue 18/3/2010. Cinemax-E 15:10 Dom 21/3/2010. Cinemax-O 18:10 Dom 21/3/2010. Cinemax-E 10:05 Sab 27/3/2010. Cinemax-O 12:55 Sab 27/3/2010.

            Repaso un viejo libro sobre el Tarot que tengo en la casa. El autor es A. Cousté. Lo reviso porque al ver Lluvia (2008) de la joven directora argentina Paula Hernández, de inmediato me vino a la memoria algo que leí en este libro. Al principio, en el capítulo titulado «Tarot esotérico», se lee que el camino a la iniciación conoce dos vías: la seca y la húmeda. La seca tiene que ver con lo solar, con lo racional, con lo masculino, con el orden. La húmeda se relaciona con lo lunar, con lo intuitivo, con la noche, con las pasiones humanas, con el sufrimiento incluso. No obstante, se trata de dos batallas absolutamente válidas e igual de importantes para el alma humana. Ninguna tiene privilegios sobre la otra. Nadie puede irse por una sola de las vías, nadie está completo si no realiza un tránsito por ambos mundos. Y acá la palabra «tránsito», junto con la idea de lo mojado, se vuelve fundamental para conectar con el film de Paula Hernández. La historia comienza con un gran aguacero y una chica atascada en el tráfico. El tránsito ha sido interrumpido. El de la calle, el vehicular, el de ella, el de su vida. Ella, Alma (Valeria Bertuccelli) acaba de terminar con el hombre que ha vivido durante diez años, y por tal motivo lleva tres días en la calle, viviendo en su auto, pues no quiere volver a su casa. El film de Paula Hernández captura a Alma allí, bajo la lluvia, en ese mundo acuoso que es una proyección de la situación espiritual por la que ella está pasando. Tal como leemos en el libro de Cousté, podríamos pensar que Alma (la iniciación, la evolución ocurre en el «alma») está atravesando un momento iniciático lunar, oscuro. No obstante, esa situación de atascamiento, se tiene que mover, tal como se mueve la vida dentro de las cartas del Tarot y hace posible la evolución. En el film, ese movimiento se realiza a un nivel más profundo que la acción de la llanta a través de la comunión Alma y un segundo personaje de nombre Roberto, interpretado por Ernesto Alteiro. Roberto se ha metido en el auto de alma de improviso, y se ha quedado allí; sólo espera que deje de llover para volver a salir. Es lo único que pide aquel hombre educado que inspira confianza y parece no tener otras intenciones. Roberto y Alma empiezan a conversar, a descubrirse, a moverse dentro de la vía húmeda del mundo. Él, aunque misterioso, le cuenta que ha regresado de Europa, donde estuvo viviendo por más de treinta años. Nada le dice aquel país al que ha regresado, le es extraño, no le pertenece; su único lazo es un apartamento en el que vivió su padre fallecido hace poco. Un padre con el que tampoco tuvo nexos.

            Lluvia resulta así el regreso al cine intimista y de drama con que se diera a conocer esta joven directora en su primer film Herencia (2001). Este nuevo trabajo resulta una cinta reposada, elegante, de preciosa fotografía que se acopla con delicadeza al drama de sus personajes, sin volver empalagoso aquello que ya de por sí viene cargado de las lágrimas que la lluvia aporta. Nuevo cine argentino, del mejor, pensado y realizado por gente joven y talentosa.

            Lluvia, el martes 9 de febrero en la señal este, y este martes 2 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, por Cinemax. Somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 15:10 Lun 15/2/2010. Cinemax-O 18:15 Lun 15/2/2010. Cinemax-E 11:25 Sab 20/2/2010. Cinemax-O 14:25 Sab 20/2/2010. Cinemax-E 14:25 Jue 25/2/2010. Cinemax-O 17:25 Jue    25/2/2010. Cinemax-E 14:15 Dom 28/2/2010. Cinemax-O 17:15 Dom 28/2/2010. Cinemax-E 11:50 Mie     3/3/2010.Cinemax-O             14:50 Mie 3/3/2010. Cinemax-E 09:00 Sab 20/3/2010. Cinemax-O 11:55 Sab 20/3/2010. Cinemax-E 07:45 Dom 21/3/2010. Cinemax-O 10:45 Dom 21/3/2010.

            Hay muchas historias de infidelidad, muchas de triángulos amorosos. Y muchas en el cine, claro está. A la hora de hacer otra más, no es fácil. No es fácil, claro, si tienes cultura cinematográfica, si has visto o leído lo que otros han contado ya. Por eso, Black Ice (Musta jää, 2007) se presentó y se presenta como un reto para el realizador de origen finlandés Petri Kotwica. En este film, Saara (Outi Mäenpää), una mujer con 40 años recién cumplidos, descubre que su esposo (Martti Suosalo) tiene una amante: una chica más joven que ella, experta en artes marciales de nombre Tuuli (Ria Kataja). Pero Saara, más allá de inflar el condón de su marido frente a él y a su hija como si fuera un globo, y pedirle el nombre de la aludida, decide tomar en secreto otro camino. Saara averigua quién es la mujer y el lugar dónde trabaja y vive. Así, en medio de aquella frialdad de mundo, entre nieves y paisajes desolados, en aquel lugar donde todo luce tan perfecto, comienza a gestarse una amistad muy íntima basada en la venganza. La trama, en su primera parte, resulta más pausada, pero llena de tensión, pues el espectador siempre está al tanto de las intenciones de Saara, y esa complicidad resulta fascinante y aterradora. La segunda parte transforma el film en una pieza más comercial, más cercana al thriller, muy original sin embargo en sus planteamientos y sus desarrollos. Petri Kotwica asume el reto de contar una historia de infidelidades diferente pero intenta también que sea atractiva para el gran público. Quizás lo haya logrado, el espectador decide.           

Black Ice, el próxima martes 2 de febrero en la señal este, y el martes 16 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, por Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:40   Lun 8/2/2010.

El año en Cinemax comienza con muchísimo vigor. En enero, el espacio Panorama estará dedicado al cine alemán con cuatro títulos muy cuidadosamente escogidos para la exigente audiencia de Cinemax.

            Veamos cuáles son:

            —Along Came The Tourists (Am Ende Kommen Touristen, 2007): Un film escrito y dirigido por Robert Thalheim, basado en su experiencia como guía turística en el tristemente célebre campo de concentración de Auschwitz. Para el film, Thalheim recrea al personaje Sven (Alexander Fehling), un joven alemán que obligado a escoger entre el servicio militar y el servicio civil, toma el camino del servicio civil como guía turístico en la ya mencionada instalación militar nazi. Allí, en aquel poblado polaco, Sve vivirá una profunda experiencia de vida proporcionada por un anciano misterioso (Ryszard Ronczewski) relacionado con el campo de concentración y por una muchacha (Barbara Wysocka) que le hará entrar en conflicto con su hermano, un disipado rockero que toca en las localidades de la zona. El film aborda el tema del holocausto nazi, pero desde nuevas perspectivas; en este caso, es interesante ver cómo en el presente los horrores de la Alemania nazi siguen latentes en muchas personas y lugares. Como colofón, quisiera señalar que justamente ayer murió a los 98 años de edad Freya Von Moltke, prominente activista de la resistencia antinazi en Alemania. Von Moltke fue esposa de otro destacado militante de la resistencia, Helmuth James Graf von Moltke, quien fuera ejecutado por el régimen nacionalsocialista por alta traición. Ambos fundaron el Círculo de Kreisau, un grupo de aristócratas, sacerdotes, políticos y diplomáticos que buscaban el derrocamiento de Adolf Hitler.

            Along Came The Tourists, este martes 5 de enero en la señal este, y el martes 12 en la señal oeste.

            —North Face (Nordwand, 2008): Un film del director Philipp Stölzl que recrea la tragedia de cuatro exploradores que perdieron la vida en 1936 escalando una de las montañas más retadoras del alpinismo: la cara norte del Eiger (del Ogro) en los Alpes suizos. El film nos aporta los detalles del lamentable acontecimiento pero al mismo tiempo nos muestra una época determinada, los años 30, pleno momento del nazismo y del orgullo nacional (la escalada obedecía a una intención de demostrar la supremacía alemana). No se trata, debo aclarar, de otra película de escaladores a lo Hollywood; North Face es un film dramático, muy centrado en sus personajes y las circunstancias trágicas que los rodearon. Pero también quiero recalcar que los efectos y la cinematografía son impresionantes, y nos harán preguntarnos en muchas ocasiones cómo carrizos hicieron determinadas tomas. Un dato extra: Toni Kurz, uno de los alpinistas, estuvo colgado en las alturas dos días seguidos, y de él, a su vez, colgaban sus compañeros muertos. Kurz falleció al cabo de estos dos días, solo, aterido, y con el equipo de rescate a escasa distancia.

            North Face, el martes 12 de enero en la señal este, y el martes 26 en la señal oeste.

            —Rabbit Without Ears (Keinohrhasen, 2007): Y del drama y la tragedia pasamos a la comedia. Rabbit Without Ears, del cineasta y actor Til Schweiger, es una comedia romántica que hace reír, llorar y te deja además con un delicioso sabor de la vida. El film toma la premisa de los personajes particulares en una gran ciudad, y es allí donde consigue a un personaje absolutamente desastroso, un bribón interpretado por el Schweiger que es sentenciado a hacer 600 horas de trabajo social en una casa de cuidado de niños. Es allí donde encuentra a Ana, una ex compañera de colegio a la que Ludo, el personaje de Schweiger, le hizo la vida insoportable en sus años de colegio. Por supuesto, se trata de una comedia romántica, y ya sabemos hacia donde va la cosa. El asunto con las comedias románticas es que lo del medio es lo que importa, y lo del medio, en esta peli, es muy emocionante.

            Rabbit Without Ears, el martes 19 en la señal este, y este martes 5 en la señal oeste.

            —Anatomie (2000): Un thriller de horror dirigido por Stefan Ruzowitzky y protagonizado por Franka Potente, la estrella de las películas taquilleras alemanas. Anatomie nos cuenta la historia de Ana, una estudiante que comienza a estudiar medicina en la universidad, y pronto descubre que una sangrienta sociedad secreta está detrás de la muerte de un chico que conoció recientemente. Se trata de uno de los filmes de suspenso más impactantes de principios de la década, y al mejor estilo alemán. Dato de trivia: los cuerpos que aparecen en el film estuvieron inspirados en la famosa exhibición del profesor Gunther von Hagens que se conoce como «Bodies». En el film se menciona el proceso de disecación y plastificación de tales cadáveres. Los de «Bodies» son cadáveres reales, pero ninguno de los que aparecen en la cinta lo son.

            Anatomie, el martes 26 de enero en la señal este, y el martes 19 en la señal oeste. Por Cinemax. Somos lo que ves.

Once (2007) es una fábula urbana sobre un músico callejero y una chica inmigrante que vende flores en las calles de Dublín, una ciudad rica en fantasías, literatura y arte. Se trata de una película digital que luego fue pasada al cine. Grabada en las calles y casas de los amigos, la película costó unos 130 mil euros. Glenn Hansard, cantante de The Frames, repite una vez más en el cine (antes lo tuvimos en The Commitments, de Alan Parker), haciendo, precisamente, de músico. Su director, John Carney, también músico y ex integrante de The Frames, nos regala su quinto trabajo como director, del cual On The Edge (2001) es el más conocido: un film sobre suicidas que vuelven a descubrir el valor de la vida. Carney es un director joven que gusta trabajar con música y con actores jóvenes, y sus películas siempre están envueltas de cierto halo de esperanza, tema particular y notable para estos tiempos. Carney, no obstante, se cuida bien de las cursilerías y de los lugares comunes, y aporta un equilibrio entre la forma y el fondo en este film que es mitad documental, mitad ficción, muy musical y muy historia de amor. Una pequeña joya llena de momentos conmovedores que obtuvo el Premio de la Audiencia en Sundance, y el Oscar a la Mejor Canción Original.

            Once, el próximo martes 29 de diciembre en la señal dentro de espacio Panorama, cine sin fronteras.

            Retransmisión: Cinemax-O 22:10 Jue 31/12/2009.     

            El tiempo cíclico es una idea, un motivo literario que trae consigo una cantidad de tema relacionados con la condición humana: el castigo, el vacío existencial, la inutilidad de la existencia humana y la redención. Incluso, el tiempo cíclico se relaciona con cierta religiones, como la de los mayas y los aztecas, y también, conectando con ellos, con profecías apocalípticas. Es decir, el tiempo cíclico nos aporta una cantidad de significados muy ricos para explotar en la literatura y en el cine. Un día sin fin (E Gia Ieri, 2004) de Giulio Manfredonia, es una comedia romántica que juega con esa idea del tiempo circular a través del andamiaje de una historia que tiene como protagonista a Filippo (Antonio Albanese), el conductor de un programa de televisión sobre fauna que ha tenido éxito de audiencia, y que, como tal, se cree que es lo mejor que Dios ha arrojado sobre esta tierra. Con el fin de deshacerse de él, sus jefes lo mandan a Tenerife a grabar unas gaviotas en la cima del volcán Teide. Su enlace por aquellos lados es Rita (Goya Toledo), una joven bióloga con la que de inmediato entrará en problemas. Aquel primer día, un día 13, no resulta de lo mejor, y así, sin mayores razones para sentir que ha vivido una gran experiencia humana, Filippo se va a dormir. Al despertar, encuentra que todo es exactamente igual al día anterior, una y otra vez, una y otra vez, hasta el cansancio, hasta la redención, hasta el amor.

            La comedia, totalmente italiana en su humor, es un remake muy particular de El día de la mascota (Groundhog day, 1993), el gran film de Harold Ramis protagonizado por Bill Murray, basadas ambas en el cuento y en el guión de Danny Rubin.

            Un día sin fin, el próximo martes 22 de diciembre en la señal este, y el martes 29 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:30 Sab 26/12/2009. Cinemax-E 01:45 Sab 2/1/2010. Cinemax-O 04:55 Sab 2/1/2010. Cinemax-E 12:10 Dom 10/1/2010. Cinemax-O 15:10 Dom 10/1/2010. Cinemax-E 22:00 Vie 22/1/2010. Cinemax-E 08:45 Dom 24/1/2010. Cinemax-O 11:45 Dom 24/1/2010.

            Chow Ti es un padre abnegado, pobre pero con principios, obrero de la construcción que cuida solo a su hijo Dicky, pues su mujer murió hace un tiempo ya. El hombre trabaja duro y tiene al muchacho en una escuela privada y de calidad, llena de niños ricos que se burlan de los zapatos rotos de Dicky, quien sin embargo, es alegre y sigue los preceptos de honestidad y bondad de Chow Ti. Un día, uno de los niños ricos y amenazadores lleva un nuevo juguete a la escuela: se trata del CJ1, un perro robot de alta tecnología. Otro día, el padre y el niño están frente a una vitrina de una tienda mirando televisión. Los dibujos animados se interrumpen y entra una noticia sobre avistamientos de naves extraterrestres en la zona. Dicky se aburre y entra la tienda. Cuando Chow Ti se da cuenta, se va al interior del local y consigue a su hijo con un CJ1, juguete del que se ha prendado. El padre y el hijo tienen una discusión, pues el chico no quiere dejar el CJ1. Todo termina en llanto y carrera. Esa noche, Chow Ti, que acostumbra a buscar objetos en el basurero para llevar a casa, consigue un regalo especial para Dicky: una esfera verde que llamará CJ7, y que salió del interior de una nave espacial que él nunca llegó a notar por andar distraído en otras cosas. Chow Ti lleva el regalo a casa, y Dicky finalmente lo acepta. Lo que están a punto de descubrir con ese nuevo juguete es algo que está más allá de este mundo, y no sirve que te lo cuente.

            Se trata de CJ7 (2008), del aclamado director, actor, comediante y guionista chino Stephen Chow, quien con filmes como Shaolin Soccer (2001) y Kung Fu Hustle (2004) ha demostrado su capacidad para manejar el humor, el más ácido, el más negro y el más exquisito en lo que a parodia se refiere, en combinación perfecta con los efectos especiales, las artes marciales y la cultura china en general. CJ7, protagonizado por el mismo Stephen Chow y por la niña (sí, haciendo de niño) Jiao Xu, es uno de sus más recientes filmes, otro de sus viajes a la sátira, pero esta vez combinado con la ciencia ficción, la ternura y el drama. Se trata de una cinta que se adentra en los misterios de la infancia, en la dura vida de los colegios, y se detiene con espacial énfasis en el amor entre padres e hijos. Una cinta hermosa, divertida pero al mismo tiempo dura, cruel. Chow ha demostrado que puede ir más allá en esto de mezclar géneros, sensaciones, sentimientos y pasiones, y que todavía va a darnos muchas satisfacciones cinematográficas. CJ7, es una cinta que puedes disfrutar incluso con tus hijos, si los tienes… o con el niño que llevas dentro, ¡con éste también vale!

            CJ7,  este martes 8 de diciembre en la señal este de Cinemax, y el 22 en la señal oeste, dentro de espacio Panorama, todos los martes, cine sin fronteras, por Cinemax. Somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 07:25 Vie 25/12/2009. Cinemax-O 10:25 Vie 25/12/2009. 

            Cuando los romanos acabaron con Cartago, la sembraron de sal para que no volviera a nacer vida allí, para que, simbólicamente, no fuera posible el futuro. Bajo aquella sal, quedaron los cadáveres de los derrotados, de los débiles, de los que serán borrados de la historia. En la alquimia, la sal, no obstante, es símbolo de transmutación, sirve para mezclar el azufre con el mercurio; es un elemento unificador. La sal viene del mar, pero también, al caer en él, se disuelve, así como el alma, al morir el cuerpo, al librarse del cuerpo, se funde con el universo: la sal es, una vez más, unión, profundidad del ser. Quizás estos dos elementos, estas dos pulsiones vitales, se encuentran allí trabajando en Bajo la sal, film del mexicano Mario Muñoz, joven cineasta que viene de una amplia experiencia en video clips y que ahora se enfrenta a los resultados de su primer largometraje.

El film, una muy bien trabajada pieza de suspenso, toma lugar en Santa Rosa de la Sal, una población ficticia, vecina de una salina gigantesca donde comienzan a aparecer mujeres asesinadas. Con el fin de ayudar en la investigación, llega al poblado el comandante Trujillo (Humberto Zurita), un policía atormentado por su pasado que busca la redención. La sal como la muerte, la imagen de la sal como símbolo de vida. Allí están los dos elementos jugando, y así permanecerán a lo largo del este film, luchando por prevalecer como el significado mayor de la cinta. El triunfo de la muerte, el triunfo de la vida; uno sin el otro, no son posibles.

            Aunque el director, según sus propias palabras, no pretendió hacer un film de denuncia social donde se reflejara la macabra historia de los asesinatos de Ciudad Juárez, sí intentó no obstante adaptar el formato del thriller hollywoodense a la realidad mexicana. Todos los personajes, incluso el más oscuro, el más gótico de todos, son el resultado de una detallada atención a personalidades del México moderno. Así, el pequeño poblado donde se desarrolla la historia sirve además para hablar de la macro realidad, y para mostrar ciertos males del país, como son la violencia contra las mujeres, la corrupción policial, la impunidad, la violencia, la prostitución, entre otras tantas carencias de la sociedad mexicana y latinoamericana.

            Pero la cinta es sobre todo, entretenimiento, y está muy bien dirigida y fotografiada. Viniendo de un director de video clips, con gustos estéticos muy de vanguardia, no es de extrañar que la cinta se solace en los paisajes desérticos de la sal y nos regale imágenes casi surrealistas que llenan aún más de misterio la cinta; eso sin sumar la animación stop motion que sirve para mostrar el mundo interno de uno de los personajes.

            ¿Qué se oculta entonces bajo la sal? ¿La vida, la muerte? ¿La redención, la condena? ¿La justicia, o la corrupción infinita? Ya veremos.

            Bajo la sal, este martes 24 de noviembre en la señal oeste de Cinemax, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, celebramos 50 años, y somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:15 Jue 26/11/2009. Cinemax-E 16:15 Dom 29/11/2009. Cinemax-O 19:15 Dom 29/11/2009. Cinemax-E 21:50 Vie 4/12/2009. Cinemax-O 01:35 Dom 6/12/2009. Cinemax-E 22:10 Mar 8/12/2009.Cinemax-E 23:45 Mie 9/12/2009. Cinemax-O 21:30 Sab 12/12/2009. Cinemax-E 23:30 Dom 13/12/2009. Cinemax-O 17:45 Jue 17/12/2009. Cinemax-O 01:30 Lun 28/12/2009.

            ¿Dónde radica el mal? ¿Es una enfermedad mental? ¿Puede curarse? ¿Quién nos cura? ¿El infierno está en nosotros? Como en la Divina Comedia de Dante, ¿cuántos niveles del infierno tiene que recorrer el hombre para encontrar la esencia del mal para luchar con ella y deslastrarla?

Dante 01 (2008) es la vuelta al cine de Mark Caro, áquel que, junto a Jean-Pierre Jeunet, nos regaló filmes ya clásicos como Delicatessen (1991) y La ciudad de los niños perdidos (1995). Jeunet, como muchos sabrán, ha tenido éxito en Hollywood e incluso en Europa con filmes como Alien: Resurrection (1997) y Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2001). No obstante, Caro se ha mantenido al margen, y este es finalmente su regreso: un filme de ciencia ficción con muchos elementos filosóficos y hasta religiosos trabajando a fondo. El escenario: una estación espacial, Dante 01, donde seis criminales convictos, los seis más peligrosos que puedas pensar, son sometidos a drogas experimentales. Pero la verdadera historia comienza cuando un nuevo prisionero (Lambert Wilson) llega a la estación junto con una preciosa doctora (Linh Dan Pham). Hay una revuelta, y el recién llegado comienza a ocuparse de la situación utilizando poderes que van más allá de la comprensión humana. De alguna manera, este film de ciencia ficción no deja de ser un film neo-gótico, de encierros, de decadencias humanas y oscuras metáforas del alma humana.

            Por su parte, los efectos especiales son realmente notables. Se trata de una producción a todo lo grande; un gran esfuerzo sin duda de la industria francesa. Aun así, Caro hace un notable esfuerzo por no dejar que la parafernalia se trague la historia y el tema, y trabaja con ellos para ponerlos en primer plano. Para algunos, Caro exageró, y el film se les antoja pesado y pretencioso. Pero esto es sólo una opinión, porque para otros, el regreso de Caro demuestra su talla como director preocupado por hablar de grandes cosas y hacer cine de autor. Cada quien decide, el gusto es libre.

            Dante 01, el martes 17 de noviembre en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 00:15 Lun 30/11/2009. Cinemax-E 02:00 Sab 5/12/2009. Cinemax-O 05:00 Sab 5/12/2009. Cinemax-E 22:20 Lun 7/12/2009. Cinemax-E 02:15 Sab 12/12/2009. Cinemax-O 03:40 Lun 14/12/2009.           

            Bajo el auspicio (la producción ejecutiva) de Guillermo del Toro, el maestro de una nueva oleada de cine fantástico respetable y muy serio, tenemos El orfanato (2007), un film dirigido por el novato Juan Antonio Bayona. Bayona, nacido en 1975, es un destacado director de cortometrajes y video clips, que esta vez se enfrenta al gran reto de un largo. Al parecer, y por lo que demostró, está preparado para salir airoso. El orfanato, entroncado con una nueva corriente de filmes de terror españoles que están dando mucho de qué hablar, sigue la línea trazada por Alejandro Amenábar (Los otros) y Jaume Balagueró (Los sin nombre, Darkness, Frágiles), que a su vez van por la ruta de ese nuevo cine de terror asiático que ha visto que el género no es solamente hachas y sangre, sino que puede ser usado para expresar mayores dramas humanos, tal como lo hiciera el maestro Kubrick muchos años atrás, o Harry Kümel, a través de Jean Ray en la literatura.

            El orfanato nos presenta a una mujer con su esposo y su niño adoptado, quienes llegan a un solitario caserón donde ella, años atrás, fue abandonada por sus padres. Se trata de un antiguo orfanato envuelto en una misteriosa historia de desapariciones de niños. Nuestra protagonista Laura, interpretada por Belén Rueda, intenta traer el sitio de nuevo a la vida, instaurando una clínica de atención para niños especiales. El lugar, de alguna manera, pareciera ser una imagen de su alma, de su alma que actúa de manera misteriosa, buscando no sé sabe qué asuntos del pasado, no sé sabe qué redenciones.

Los problemas comienzan cuando el hijo adoptado desaparece, y la casa comienza a llenarse de imágenes de niños realmente escalofriantes, entre ellos, uno con una bolsa de tela en la cabeza. Decir más, sería pecado.

Se trata así de un film estilizado, con mucha estética del video clip desde la fotografía y la utilización del imaginario del surrealismo. Los momentos de tensión se conjugan muy bien a las imágenes más reposadas de los paisajes, que igual contribuyen a crear una atmósfera de extrañamiento fundamental. Un primer trabajo de un director que promete, pero sin duda, un magnífico primer trabajo.

El orfanato arrasó en los premios del Festival de Cine de Barcelona y en los Premios Goya, donde Bayona obtuvo el premio a Mejor Nuevo Director.

No te lo pierdas, el martes 17 de noviembre en la señal oeste, y el martes 24 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 21:40 Jue 26/11/2009. Cinemax-E 16:50 Sab 28/11/2009. Cinemax-O 19:50 Sab 28/11/2009. Cinemax-E 18:40 Lun 30/11/2009. Cinemax-E 22:30 Mie 2/12/2009. Cinemax-O 01:45 Sab 5/12/2009. Cinemax-E 20:45 Dom 6/12/2009. Cinemax-O 21:40 Mar 8/12/2009. Cinemax-E 18:40 Jue 10/12/2009. Cinemax-O 23:45 Dom 13/12/2009. Cinemax-E 22:25 Mar 15/12/2009. Cinemax-O 01:10 Vie 18/12/2009. Cinemax-E 22:50 Lun 28/12/2009.       

            ¿Nos podemos burlar de Hitler? O acaso, ¿burlarse de Hitler es banalizar el horror? En Alemania hubo todo un debate, no sé si interesante, en torno a Mi Führer (Mein Führer, 2007) del judío de origen suizo Dani Levy (Alles auf Zucker! y Stille Nacht, entre otros). La discusión giraba más o menos en torno a estas preguntas.

¿Está bien hacer humor con Hitler? Pues si me preguntan, y disculpen que no soy alemán y me meto en eso, yo no le veo nada de malo a hacer humor con Hitler. El humor, precisamente, es una manera de luchar contra el mal. Quien cree que no se puede hacer humor con este tipo de asuntos, no conoce en realidad los verdaderos usos del humor. El humor es la herramienta del desprotegido contra el poder, contra el mal. Así, cuando haces humor con Hitler no estás con Hitler, estás en contra de Hitler, lo estás ridiculizando, lo atacas, y lo señalas como un ser estúpido y maléfico; lo golpeas y duro. En Mi Führer, Hitler es impotente, se orina en la cama y sufre terriblemente por causa de los abusos infligidos por su padre cuando era un niño. ¿Da risa? Sí, claro que da risa, pero esta risa no simpatiza con Hitler, no lo humaniza para que lo amemos, sino que lo ataca, lo destruye, lo aplasta. En esta película Hitler está perdiendo la guerra, se siente derrotado, no da más. Goebbels, su jefe de propaganda, decide motivarlo, y para ello saca de un campo de concentración a un actor judío para que le enseñe mejores trucos de actuación con el fin de dar un gran discurso al pueblo. No sé si Levy se inspiró en la persona de Erik Jan Hanussen, el astrólogo judío de Hitler, quien murió, según se dice, asesinado bajo las órdenes de… Goebbels. Hanussen es todo un personaje rodeado de leyendas. Se dice que predijo el triunfo de Hitler, que era mago sexual y que hacía grandes orgías. Y se dice también que enseñó a Hitler sus trucos de hipnotismo y de teatralidad, que gracias a él Hitler se convirtió en un gran orador. Aunque esta comedia no habla de Hanussen, no quería dejar de hablar de él, pues la conexión entre Hanussen y el film me parece harto interesante. No obstante, Mi Führer, por sí sola ya trajo suficiente elemento de discusión. Lo que no se puede dudar, es que el film está bien hecho, que las actuaciones del comediante Helge Schneider y de Ulrich Mühe (¿recuerdas su magnífica interpretación de espía alemán en La vida de los otros) son realmente memorables. Imperdible, sin duda.

            Sin más, te invito a que veas Mi Führer, hoy martes 3 de noviembre en la señal este y el martes 10 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O 23:30 Mar 10/11/2009. Cinemax-O 21:50   Jue 12/11/2009. Cinemax-O 01:40 Lun 23/11/2009. Cinemax-E 19:00 Mie 25/11/2009. Cinemax-E 22:30 Dom 29/11/2009. Cinemax-O 01:40 Mie 2/12/2009. Cinemax-E 19:05 Vie 4/12/2009. Cinemax-O 21:45 Mie 9/12/2009. Cinemax-E 16:50 Sab 12/12/2009. Cinemax-O 19:50 Sab 12/12/2009. Cinemax-E 18:50 Mar 15/12/2009.Cinemax-E 20:45 Dom 20/12/2009. Cinemax-E 13:25 Mie 23/12/2009. Cinemax-O 16:25 Mie 23/12/2009. Cinemax-O 23:45 Dom 27/12/2009.

            Un testigo es alguien que queda para contarlo, alguien que suplanta ausencias, la voz de otro que no está, alguien que contará la tragedia vivida por él, y por otro. El testigo es un sobreviviente. Les témoins (2007), film del reconocido director francés André Techiné (Rendez-vous, Les roseaux sauvages, Les voleurs, entre otros) es una historia contada desde el testimonio, desde un voice over femenino que ha sobrevivido la tragedia de una nueva enfermedad que azotó el alma y la mente de las personas a principios de los ochenta: el SIDA. Pero esta voz no sólo encara la epidemia, también es testigo de un grupo de amigos que ya no existe, que fue abatido por los juegos del sexo y de la amistad, por el mal de la indolencia, por la enfermedad y por la muerte. Los ochenta y su mal de década (por no decirle de siglo), los ochenta y su decadencia libertaria: su hacer al antojo porque sí, porque así de modernos somos, porque tan cansados estamos de saberlo todo. El SIDA, de algún modo, vino para sacudir las bases de una torre de cartas que se antojaba muy segura de sí misma. Un joven gay y sexy venido del campo (Johan Libéreau) será el detonante de las tormentas, a través de un doctor ya maduro (Michel Blanc) que al principio intentará tenerlo como protegido pero que al final terminará enamorándose. No obstante, este joven preferirá a un policía de origen árabe (Sami Bouajila), quien tiene una relación muy abierta con su esposa (Emmanuelle Béart), una escritora de cuentos infantiles cansada de todo, incluso de su pequeño bebé. Toda una compleja variedad de personajes que permite al director jugar al melodrama y adentrarse en ellos con sensibilidad pero sin facilismos; una ruleta rusa sobre el escenario de los ochenta donde ninguno de ellos sabe quién terminará siendo el testigo de sus tragedias.

Les témoins, este martes 27 de octubre en la señal oeste de Cinemax, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-E 00:45   Vie 6/11/2009. Cinemax-E 02:00 Dom 15/11/2009. Cinemax-E 00:00 Lun 23/11/2009.

            ¿Cuáles son los límites de la realidad y de la ficción? Lo que vemos en la pantalla, ¿qué tan real es? David Letterman se confiesa ante las cámaras, acepta haber tenido sexo con colegas durante años. Lo hace como si estuviera haciendo una rutina cómica. Es chistoso y no es chistoso. La gente se ríe, él se enoja y no se enoja. La ficción disuelve la realidad. El horror se hace soportable. La catarsis de lo real. Lo real como representación, como arte. Letterman induce la catarsis en su público. ¿La catarsis lleva acaso al perdón? La purga, la purificación, entraña un sentimiento colectivo de paz y bienestar: la piedad. La piedad es colectiva, y nos habla directamente: el miserable que sufre se identifica de tal manera conmigo, que ese miserable puedo ser yo. Terror y piedad, igual a perdón. Así, si la realidad se convierte en ficción, y produce catarsis, entonces es cierto: la ficción aminora los efectos nocivos de la realidad. ¿Pero qué pasa cuando la ficción juega a despojarnos de la catarsis?

Sin catarsis, cierto tipo de ficción puede resultar en extremo horrífica. Y este quizás el caso de algunas películas de Michael Haneke, el controversial director de origen austriaco. Funny Games (2007) es la historia de un matrimonio burgués (Naomi Watts y Tim Roth) que llega a su casa de campo a pasar unas pequeñas vacaciones. Apenas llegan, reciben la visita de un par de jóvenes (Brady Corbet y Devon Gearhart) muy educados en guantes blancos (un homenaje quizás a «Los asesinos» de Hemingway), que luego de quebrar un par de huevos, van y le quiebran las piernas al esposo, y acto seguido los secuestran y les dicen muy amablemente que no pasarán de las nueve de la mañana del día siguiente. Acá el filme se vuelve muy fuerte, muy doloroso, no apto para corazones débiles.

Funny Games es la versión de Haneke para las audiencias norteamericanas del film que realizara en 1997 bajo el mismo título. En un trabajo arduo, casi de cuadro por cuadro, el cineasta repite la historia original sin dejar concesiones a los gustos de Hollywood. La historia es tan cruda como la original, y convierte a la audiencia en una víctima más, sometida a la presión y a los juegos de esta poderosa mente criminal que es el director. No sólo lo que el espectador está viendo es espeluznante, sino también el estilo de dirección, esa calma, esa tranquilidad con que transcurren las cosas más horrendas, nos hace sentir que somos víctimas del morbo y del sadismo extremo. Pero lo que realmente resulta una estocada maestra de Haneke, es la constante referencia a la ficción. Haneke quiere sacarnos de la historia, sacarnos de esa realidad falsa, y recordarnos que todo se trata de un juego, que todo es ficción, que estamos viendo una película. Lo que se supone debería ser una desilusión, se vuelve parte del film y contribuye a la angustia y al horror. Haneke busca arrebatarnos la catarsis, decirnos que todo lo que vemos no es más que mentira, pero de este modo, al hacerlo, paradójicamente, nos sumerge más en el dolor de lo que vemos. Nos enojamos, nos irritamos, porque en realidad necesitamos «creer» en una «falsa» realidad para poder ejecutar la catarsis. Sin esa idea «falsa», no es posible la catarsis. Es como si estuviéramos en una cama teniendo sexo, y alguien viniera y nos sacara a patadas. Eso hace Haneke, nos obliga al coitus interruptus, nos quita el orgasmo (la catarsis) y nos deja instaurados en el medio del limbo de una ficción tan desagradable como la realidad. Intriga, ficción, realidad, todo se funde, y se vuelve realmente perturbador, y genial.

            Si eres capaz de resistir, pues Funny Games es para ti. Una obra maestra, dos veces.

            Funny Games, el martes 20 de octubre en la señal oeste, y el martes 27 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 21:25 Mie 4/11/2009. Cinemax-E 19:30 Dom 8/11/2009. Cinemax-E 21:45 Sab 14/11/2009. Cinemax-O 01:20 Mie 18/11/2009. Cinemax-O 23:45 Dom 22/11/2009. Cinemax-O 01:45 Sab 28/11/2009. Cinemax-E 21:20 Lun 30/11/2009.                            

            Un día, un simple día puede decirnos tanto en la vida de alguien. Y si ese día es tratado bajo la mirada de la ficción, y además tiene como extra no una persona, sino cuatro, cuatro mujeres, pues la cosa se pone más interesante. Un ama de casa aburrida, una actriz famosa en decadencia, una psicoterapeuta y una chica en conflicto con su madre son el centro de Polaróides Urbanas (2008), el primer film del brasilero Miguel Falabella, basado en su propia pieza teatral, la muy exitosa Como Encher um Biquini Selvagem. Se trata de una comedia moderna, fresca y al mismo tiempo seria, que presenta la ciudad de Río de Janeiro como gran fondo, a manera de personaje que acoge aquel universo de mujeres de la clase media, sus dolencias y sus alegrías en medio de la violencia y el caos urbano, los antidepresivos, los hombres, el amor, las fiestas y el sexo. Un film muy recomendable, heredero de Eve Ensler, la autora de los monólogos vaginales, y de Almodóvar y sus mujeres al borde los ataques nerviosos.

            Polaróides Urbanas, hoy martes 13 de octubre en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 09:55 Mar 20/10/2009. Cinemax-O 12:55 Mar 20/10/2009. Cinemax-E 10:30 Lun 2/11/2009. Cinemax-O 14:30 Lun 2/11/2009. Cinemax-E 13:55 Mie 11/11/2009. Cinemax-E 02:30 Mie 18/11/2009. Cinemax-E 08:50 Vie 20/11/2009. Cinemax-O 12:50 Vie 20/11/2009. Cinemax-E 05:00 Jue 26/11/2009. Cinemax-O 09:00 Jue 26/11/2009. Cinemax-E 07:45 Lun 30/11/2009. Cinemax-O 11:45 Lun 30/11/2009.                

            A los italianos los conocemos por una serie de lugares comunes o clichés muy fuertes, y que no escapan de ser reales. A veces, un lugar común no refleja una realidad, como por ejemplo, el latin lover. No obstante, los lugares comunes de Italia o de los italianos sí tienen un gran porcentaje de realidad: la pizza, la pasta, el futbol, el vino, la Roma imperial… En Carnera: The Walking Mountain (2008), ninguno de estos elementos tiene protagonismo, y por lo contrario, se alza una actividad deportiva que se antoja totalmente ajena a la cultura italiana: el boxeo.

Carnera: The Walking Mountain es una magnífica biografía de Primo Carnera, héroe italiano y campeón mundial de los pesos pesados a mediados del siglo XX. El film de Renzo Martinelli nos lleva a la infancia de Carnera, donde conocemos las burlas que su tamaño y su tranquilidad provocaban, y de cómo éste tuvo que acudir a los puños para hacerse imponer. Luego conocemos sus años como fenómeno de circo y más tarde su búsqueda para convertirse en boxeador, precisamente en un país donde aquella profesión no era bien vista. La fama, el amor y la familia se abren camino más adelante. Pero no creamos que la felicidad viene con todo esto. Dificultades nunca le faltaron, y él, por supuesto, nunca las rechazó, nunca huyó de ellas.

Carnera fue un hombre tenaz, un luchador no sólo del cuadrilátero, sino también del espíritu. Era un hombre humilde, bonachón, con principios morales profundamente arraigados. Fue un esposo y un padre ejemplar. Para él la familia era de vital importancia (y en este punto quizás sí tengamos un reflejo más claro del alma italiana; no sé si tan lugar común). Su noviazgo no fue fácil. La familia de su enamorada lo rechazó por su origen y por su profesión, pero igual luchó para llevar a su enamorada al altar. Ya lo dije, la vida de Carnero fue una lucha constante, y el film se centra precisamente en el drama de su vida y no tanto en las peleas del cuadrilátero (nada de Rocky en su peor momento). Martinelli dijo en una entrevista: «Mi meta con esta película fue no sólo la de contar la historia de un campeón de boxeo, sino la de un hombre que creía profundamente en sus principios: su amor por la familia, que era inmenso, así como por su tierra y sus raíces.» Para Martinelli, estos son los valores del alma italiana. Así, la historia de Carnera, es la historia de una nación; de una nación que incluso llegó a ver en Carnera un héroe, alguien que los hiciera olvidar los horrores de la guerra y de las corrupciones del poder.

            Carnera: The Walking Mountain, el martes 29 de septiembre en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 13:00 Sab 26/9/2009. Cinemax-E 14:10 Lun 12/10/2009. Cinemax-O 16:10 Lun 12/10/2009. Cinemax-E 11:25 Mar 20/10/2009. Cinemax-O 14:25 Mar 20/10/2009. Cinemax-E 15:25 Jue 29/10/2009. Cinemax-O 19:25 Jue 29/10/2009.                    

            Hace algunos meses tuvimos el placer de ver en Cinemax Freedom’s Fury (2006), documental basado en el enfrentamiento que tuvieron los equipos de water polo húngaro y ruso durante la olimpiadas de Melbourne en 1956, al tiempo que en Hungría el pueblo intentaba alzarse con la bandera de la libertad contra el imperio soviético. Ahora, en septiembre, tendremos la oportunidad de disfrutar de una pieza de ficción inspirada también en aquellos heroicos momentos. Se trata Children of Glory (2006), un film dirigido por Krisztina Goda, y que cuenta con la curiosa participación intelectual de Joe Eszterhas, un guionista de origen húngaro que se hizo famoso en Hollywood por los libretos de filmes como F.I.S.T (1978), Flashdance (1983), Hearts of Fire (1987), Basic Instinct (1992), Sliver (1993) o Jade (1995). Esta vez, el reconocido guionista se vuelca sobre su país y, en colaboración con la también húngara Goda, nos entrega esta pieza fuerte, dramática y llena de tensión entre los personajes. Las explosiones (de carácter y de bombas) están a la orden del día; sin embargo, la directora se cuidó muy bien de no caer en sensacionalismos, y nos presenta una recreación histórica muy acertada que, junto a Eszterhas, hace un notable intento por mantener el equilibrio político y presentarnos una mirada desde el presente que nos lleva hacia alegatos más universales, y de donde surgen frases como: «Este hombre no murió por su país, sino porque fue asesinado por un arma de fuego.»

            Children of Glory, el martes 22 de septiembre en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.    

            Retransmisiones: Cinemax-E 11:45 Dom 20/9/2009. Cinemax-E 18:25 Vie 25/9/2009. Cinemax-E 16:10 Lun 28/9/2009. Cinemax-O 18:20 Lun 28/9/2009. Cinemax-E 18:45 Mie 30/9/2009.

            El film Persépolis (2007), dirigido por  Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi, es la historia de varias caídas. De las caídas políticas por un lado y espirituales por el otro. Caídas en la más profunda oscuridad humana, y quizás por ello fue dibujada en blanco y negro sobre el papel y también realizada en cine con los mismos colores. El texto original es una obra artística de la más alta calidad; una novela gráfica en cuatro libros escrita y dibujada por la iraní Marjane Satrapi (co directora del film), que se inicia con la caída del Sha de Irán en 1979 y continúa a la largo del proceso revolucionario y radicalmente islámico que se inició en el país luego de la caída del Sha. La protagonista es Marji, una niña de diez años de la clase media que cree que puede hablar con Dios (idéntico a Marx, este Dios), y que también piensa que será la última gran profeta después de Cristo y Mahoma. Esta niña hace comentarios muy agudos sobre el proceso de cambio: la reducción de la libertad de expresión, la vuelta al velo de las mujeres, la prohibición de colegios privados, de la enseñanza de otras leguas; otros tan duros como la quema de un cine con gente adentro, sólo porque estaban viendo una película extranjera, una película sin más, herramienta del demonio. Tal como dije al inicio, Persépolis nos va mostrando las caídas. Las caídas en la ignorancia, la alienación y la locura de una supuesta revolución para el bien de los hombres. No obstante, a pesar de estas caídas, el personaje de Marji evoluciona, y descubre a Iron Maiden, y al grupo ABBA, y también es enviada a estudiar afuera, donde podrá establecer increíbles puntos de comparación.

            Se trata así de una muy buena adaptación de la novela gráfica que nos lleva con muy fino humor a través de las insensateces de los hombres, una denuncia fílmica, una voz que ha recorrido un montón de festivales de cine y se ha llevado una buena cantidad de premios, entre ellos el premio del jurado en Cannes, el César al mejor primer trabajo, y el premio a la mejor animación de la sociedad de críticos de Los Ángeles y de Nueva York, entre otros.

            Persépolis, en total estreno, el martes 15 de septiembre en la señal oeste y el martes 29 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:45 Vie 2/10/2009. Cinemax-E 18:00 Dom 4/10/2009. Cinemax-O 20:45 Mar 6/10/2009. Cinemax-O 22:45 Dom 11/10/2009. Cinemax-E 19:00 Jue 15/10/2009. Cinemax-O 21:00 Sab 17/10/2009. Cinemax-O 00:45 Mar 20/10/2009. Cinemax-E 18:00 Vie 23/10/2009. Cinemax-E 17:4 Lun 26/10/2009. Cinemax-O 21:45 Jue 29/10/2009. Cinemax-E 17:55 Sab 31/10/2009.                     

            A este detective se le muere la esposa, y entra en tratamiento psiquiátrico. Seis meses después, una mujer al mejor estilo de una mujer fatal se aparece en su vida, y le empieza a ayudar a resolver el caso del asesinato del dueño del hotel Deauville. ¿Pero quién puede creerle a este detective considerado mentalmente inestable, que una mujer que idéntica a una actriz que murió hace 30 años atrás, es su guía a través del infierno del crimen?

            Un juego misterioso entre la vida y la muerte, entre la realidad y la fantasía es lo que nos plantea La disparue de Deauville (2007), el segundo largometraje de la hermosísima y muy talentosa Sophie Marceau (y que no es hija de Marcel Marceau). De ella fue la idea, de ella el guión (en colaboración con Gianguido Spinelli), y de ella la dirección. Un film noir francés que posee el mérito del equilibrio: ni es muy exquisito ni es muy comercial, tampoco absolutamente francés ni del todo hollywoodense; y esto ya es un mérito de la cinta.

Muy bien fotografiada y dirigida, La disparue de Deauville cuenta con las excelentes actuaciones de Christopher Lambert en el rol del atormentado detective, y con la misma Sophie Marceau haciendo dos enigmáticos personajes. Lambert, quien ha tenido una carrera irregular (por culpa de las películas malas donde ha elegido trabajar) es un actor muy respetable, de actuaciones mínimas que caben muy bien en su rostro desmañado y en sus ojos pequeños y locos. Sophie, por su parte, ha demostrado que no sólo es bella: en su cabeza hay inteligencia, y un conocimiento de los registros de la actuación.

            Una cinta que te recomiendo con las manos en el fuego. ¿Qué esperas para verla?

            La disparue de Deauville, el martes 8 de septiembre en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 12:15 Vie 16/10/2009. Cinemax-O 14:15 Vie 16/10/2009. Cinemax-E 11:30 Mar 27/10/2009. Cinemax-O 15:30 Mar 27/10/2009.               

            Santa Teresa de Jesús, o de Ávila, fue una mujer con una fuerza impresionante. Una heroína, una luchadora por el bien de la cosas humanas, que terminaron encausándola hacia lo divino. El film Teresa, el cuerpo de Cristo (2007), del director (y novelista) Ray Loriga, explora ese aspecto del alma de la santa Doctora de la Iglesia. En sus inicios nos muestra a una mujer que no se conforma con lo que las mujeres tienen en su época. Ella quiere leer, quiere aprender, quiere estar a la altura intelectual de los hombres. La sociedad la presiona y ella, a la búsqueda de una escapatoria, creyendo que en los conventos esta esa cultura que anhela, se recluye. Una vez adentro, se encuentra con los mismos prejuicios, incluso aumentados, y con un ambiente corrompido en lo material. No es que ella sea de principio una santa. Teresa en realidad es un mujer espiritual, profundamente humana, correcta, moral, que con el paso del tiempo, eso sí, evoluciona hasta llegar a los predios misteriosos del misticismos, del éxtasis religioso, tan cercano a veces al erotismo. No obstante, lo interesante de esta Teresa que nos plantea Loriga, es su doble carácter. Teresa fue santa pero no estúpida. No sé si me explico. Teresa no levitaba todo el día, no anduvo siempre con la mente en Dios. Era una mujer de cielo y de tierra que desafío lo malo de la iglesia, que fue perseguida por la Inquisición, que escribió una poesía maravillosa y muchas veces mal interpretada (o bien interpretada por las mentes que deseaban mal interpretar), y que fundó una nueva congregación, las Carmelitas descalzas, más acorde con sus ideas de lo religioso, más humana también. Teresa, la que tenía los pies sobre la tierra, luchó por su manera de entender la religión y a Dios de un modo tan fiero y tan inamovible que la Iglesia llegó a pensar en ella como su enemigo. Y eso, Ray Loriga, a través de una comedida, terrestre y poética actuación de Paz Vega, nos intenta mostrar. A mi juicio, lo logra, y el film resulta ser así una obra equilibrada, con una muy notable dirección de arte y con un argumento sólido cargado de diálogos profundos y poéticos. Se nota pues que detrás de Teresa, el cuerpo de Cristo hay un artista serio, un escritor que en su segunda película ha sabido encontrar la medida áurea de su cinematografía.

            Teresa, el cuerpo de Cristo, el martes primero de septiembre en la señal este, y el martes 15 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 13:20 Dom 27/9/2009. Cinemax-O 15:20 Dom 27/9/2009.

            Ladrón que roba a ladrón (2007) es una película de «robos», o «heist movie», muy al estilo de las películas de Danny Ocean. La diferencia acá es que las estrellas no son Clooney ni Pitt o Wahlberg, sino un grupo de actores latinos, mexicanos y colombianos, que quizás no son estrellas para ti o para mí, pero sí para un gran público que mira telenovelas en Latinoamérica y, sobre todo, en Estados Unidos de América. Porque ese es el punto de Ladrón que roba a ladrón, es una película que nos presenta a un grupo de actores de telenovela haciendo papeles de ladrones elegantes, viendo a ver cómo hacen un robo ingenioso y vengándose de algún tipo más malo que ellos (porque son ladrones y malos son). El asunto es ese: que esta película está pensada para los 40 millones de latinos que hay en Estados Unidos. 40 millones de latinos, de los cuales, una buena cantidad fue al cine a ver las estrellas de sus telenovelas (la películas obtuvo sus números). ¿Que si es buena? Pues resulta entretenida, con diálogos inteligentes, realmente buenos, y con vueltas de tuerca bien pensadas —con muy pocos momentos dejados al azar y al deux ex machina. Tiene además una muy buena fotografía, escenarios interesantes, y cuenta con las actuaciones, entre otros, de Fernando Colunga y de Miguel Varoni, de quien podemos dar fe como excelente actor (lo recordamos con contento en las telenovelas Las Juanas y haciendo de Pedro El Escamoso). 

Es interesante además ver el tema de cómo un latino explota a otro latino y cómo en este mundo cruel y vano, no importa de dónde seas y que idioma hables, porque el mal igual nos atacará y nos hará daño. Y así, para seres tan despreciables, la inteligencia de un ladrón de guante blanco es la mejor plaga que puede caerle. Por otro lado, y para terminar, podemos decir que su director, Joe Méndez, es un nuyorquino hijo de padres cubanos, que ha trabajado con HBO y Disney Channel, y quien cuenta con varios premios en su haber. Méndez resulta de este modo una especie de sello de calidad que nada entre dos aguas: las del gusto norteamericano y las del gusto latino. Se trata, eso sí, de la primera producción hablada en español con estrellas de telenovelas de Latinoamérica, que es estrenada en las grandes salas de cine de los Estados Unidos.

            Ladrón que roba a ladrón, el próximo martes 25 de agosto en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 21:50   Jue 27/8/2009. Cinemax-E 18:40 Lun 31/8/2009. Cinemax-O 20:40 Vie 4/9/2009. Cinemax-E 18:40 Jue 10/9/2009. Cinemax-E 16:30 Dom 13/9/2009. Cinemax-O 18:45 Dom 13/9/2009. Cinemax-O 20:45 Mie 16/9/2009. Cinemax-E 12:20 Sab 19/9/2009. Cinemax-O 14:20 Sab 19/9/2009. Cinemax-E 18:55 Mie 23/9/2009. Cinemax-E 22:20 Dom 27/9/2009. Cinemax-O 20:40 Mar 29/9/2009.

            La frase «la escafandra y la mariposa» es una metáfora. La escafandra es el cuerpo humano, la mariposa, el alma atrapada en la escafandra. El film La escafandra y la mariposa del artista plástico y cineasta Julian Schnabel (Bastquiat, Antes de que anochezca) ha llevado al cine esta frase que primero fue un libro, y antes de ser un libro, una idea en la mente de Jean-Dominique Bauby, redactor en jefe de la revista Elle. Bauby sufrió en 1985 un derrame cerebral que lo dejó inmovilizado, pero con todos los sentidos despiertos. No podía hablar, pero su vida cambiaría en un parpadeo, pues lo único que podía mover era su ojo izquierdo y su párpado. Gracias a un sistema alfabético que se ingenió junto con un especialista, Bauby pudo entonces dar rienda suelta a su imaginación, y así escribir el libro cuya película ahora lleva su nombre. Aquí, cada imagen de la frase se  potencia, y entonces la escafandra pasa a ser la tragedia de Bauby, quien, metido dentro de su cuerpo ya inútil, pero con el cerebro intacto, se imagina gritando de desesperación dentro de una escafandra; y la mariposa, se transforma en la escritura, esa escritura donde el hombre finalmente se libera de la pesada carga de la escafandra que lo condena.

            La escafandra y la mariposa va por la misma línea de filmes como Mar adentro de Alejandro Amenábar o Johnny cogió su fusil (2008), de Rowan Joseph, escrita por Dalton Trombo (el mismo Trombo del documental que tuvimos en Cinemax). Sin embargo, al film de Schnabel lo rodea una cierta ligereza equilibrada que logra alejarlo de la cursilería y los recursos fáciles, así como de una profundidad acartonada o de la abyección total. Sin duda, una gran lección para Amenábar, y me disculpan la digresión.

La cinta de Schnabel se antoja más bien una fábula llena de imaginación y poesía, un drama en su justa medida con una excelente fotografía de Janusz Kaminski y unas actuaciones supremas (muy bien Mathieu Amalric en el rol de Bauby), donde cada elemento está en su debido lugar. Excelente el recurso de ver el mundo, sobre todo en la primera parte del film, desde la subjetividad, desde el ojo de Bauby. Tal recurso, que podría llegar a ser aburridor, poco original o incluso artificial, en manos de Schnabel resulta una herramienta estética valiosa y muy adecuada para hacernos entender la tragedia del personaje. Ni hablar de los momentos magníficos en lo que las imágenes se agrandan y ocupan toda la pantalla con la plenitud magnífica de una obra de arte.

La escafandra y la mariposa obtuvo cuatro nominaciones al Oscar, ganó la Palma de Oro a Mejor director y la Palma de Oro del Jurado por Méritos Técnicos (para Kaminski), el César a Mejor Actor (Mathieu Amalric), Mejor Director y Mejor Película Extranjera en el Globo de Oro, el Premio de la Audiencia en San Sebastián, y para usted de contar otra enorme cantidad de premios y nominaciones en todo el mundo.

¿Te la vas a perder?

La escafandra y la mariposa, el martes 18 de agosto en la señal oeste, y el martes 25 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, sin lugar a dudas, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 20:30 Sab 22/8/2009. Cinemax-E 18:30 Dom 30/8/2009. Cinemax-O 20:30 Mar 1/9/2009. Cinemax-E 18:30 Jue 3/9/2009. Cinemax-E 18:30 Dom 6/9/2009. Cinemax-O 20:45 Mie 9/9/2009. Cinemax-E 18:30 Vie 11/9/2009. Cinemax-O 20:35 Dom 13/9/2009. Cinemax-E 18:45 Mie  16/9/2009.Cinemax-O 22:30 Sab 19/9/2009. Cinemax-E 22:20 Lun 21/9/2009. Cinemax-O 20:30 Jue 24/9/2009. Cinemax-E 20:30 Sab 26/9/2009. Cinemax-O 20:30 Lun 28/9/2009.

            Esta película está basada en una idea de Chorão, el vocalista del grupo Charlie Brown Jr., una de las bandas de rock más importantes de Brasil. Y eso, por supuesto, se nota, pues O Magnata (2007) nos cuenta un día en la vida de un cantante de una banda punk. Magnata, hijo de una pareja acomodada que nunca tuvo tiempo para él (la madre es alcohólica, el padre violento), es una estrella del punk rock, el centro del mundo, de sus fans. Pero Magnata vive un profundo vacío existencial y esto se refleja en su relación con el bajo mundo. Porque es así, Magnata es un joven que sabe el precio de todo, pero no conoce el valor de nada.

Lo que busca O Magnata es mostrar la complejidad urbana de un joven (¿de todos los jóvenes?), de un alma (¿de todas las almas?), que va de los más bajo —el robo de un Ferrari— al enamoramiento supremo, en un mismo día. Así es la humanidad, sublime y miserable al mismo tiempo, y O Magnata intenta mostrar eso, y cómo, un simple hecho, una simple «travesura» nos puede lanzar a la tragedia. La redención, podría ser una esperanza lejana. Su director, Johnny Araujo, reconocido como excelente realizador de videos musicales, se lanza con esta película cargada de mucho rock, mucho skate, mucho vértigo, mucha candileja deslumbrante y mucho paisaje urbano. Un film joven, agitado y lleno del vigor del nuevo cine brasilero.

O Magnata, el martes 11 de agosto en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. En Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 00:45 Mar 25/8/2009. Cinemax-E 03:25 Lun 7/9/2009. Cinemax-O 03:25 Jue 10/9/2009. Cinemax-O 04:40 Vie 18/9/2009. Cinemax-E 01:00 Jue 24/9/2009. Cinemax-E 02:25 Sab 26/9/2009. Cinemax-E 03:45 Mar 29/9/2009.

            Ploy (2007) es un film extraño. Un film de escenarios oníricos, de mundos que chocan en la duermevela, de realidades y fantasías. El director tailandés Pen-ek Ratanaruang (ya pudimos disfrutar en Cinemax de Invisible Waves) vuelve con otro film intenso y lleno de tensión, extrañamientos y silencios, que deleitará al público gustoso de un cine de alta calidad. Centrado en el inagotable tema de los cuartos de hotel, el cineasta nos presenta la historia de una pareja que llega a una lujosa pieza luego de un largo vuelo. Algo extraño parece haber entre ellos. Nos asalsta la sospecha que su matrimonio va en caída. Pero tampoco el espectador tiene muy claro qué cosas ocurren entre el mundo de los sueños, el insomnio y la realidad. Ese jet-lag del vuelo lo confunde todo. En escena entra un tercer personaje. Ploy, una muchacha de 19 años a quien Dang, el hombre, se encuentra en el bar del hotel. La muchacha está a la espera de una madre que no llega, y Dang la sube a la habitación. Allí, Wit, la mujer entra en un ataque de celos. La discusión comienza. Hay un asesinato. Pero una vez más, ¿qué ocurre en la realidad, qué en los sueños? El film se maneja entre ambos mundos con total indiferencia, no le interesa separarlos, la ausencia de fronteras forma parte de su encanto. Hay mucho erotismo, sexo tratado con un ojo artístico intachable, y unido a los temas existenciales más profundos: la muerte, el amor, la fidelidad.

            Se trata pues de un film de atmósferas, que se da su tiempo y que gusta jugar con la realidad, la fantasía y el erotismo, una pieza de vanguardia que nos dice por dónde van los tiros en cuanto al arte cinematográfico.

            Ploy, el martes 4 de agosto en la señal oeste y el martes 18 en la señal este, comenzado el mes de agosto dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. En Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisión: Cinemax-E 20:45 Mar 18/8/2009.               

            Sonètaula (2007) de Salvatore Mereu está dirigida con un marcado estilo realista, muy lacónico, muy pegado a la tierra y los personajes. No obstante, toda esa realidad que se nos presenta es ambigua, neblinosa. El silencio, ese silencio perenne y contemplativo, dice mucho, o pareciera estar diciendo mucho a los oídos de un alma universal. Se trata de la historia de una venganza que toma lugar en un mundo muy primitivo. Y cuando digo primitivo, debemos considerar que está todo allí para hacernos pensar tal cosa: Sonètaula (Francesco Falchetto) es un joven pastor de la isla de Cerdeña, un lugar con un enorme porcentaje de zonas rurales y muy apartado de las cosas de la civilización. Para dar aún más esta sensación lejana, el film está hablado en el dialecto de la región, uno de los más oscuros de Italia, según tengo entendido. En este mundo primitivo, en este mundo tan apartado del tiempo (la historia transcurre alrededor de 1930), nuestro joven pastor se ve obligado a crecer sin su padre, quien fuese acusado de asesinato por otro hombre. Sanètula queda al cuidado de su abuelo, un hombre parco, duro y nada inocente. Podemos decir acá que la relación entre las generaciones por irse y las actuales parece ser una constante en el director. En Notte rumena (1995), Mereu nos cuenta la historia de un anciano que decide pasar una gran noche con una joven prostituta. En este caso, la relación entre Sanètaula y el viejo es muy marcada, y es este último quien le cuenta al muchacho una terrible noticia que le cambiará la vida, y marcará su bajada a los infiernos. Sanètula decide tomar venganza contra el hombre que acusó a su padre, y pasa de ser un redomado pastor a un fugitivo, un delincuente, un asesino. Acá es donde la película se nos vuelve extraña, ambigua. Salvatore Mereu nos muestra cierta empatía con el personaje fugitivo. Pareciera incluso que el muchacho fuese una encarnación de la naturaleza, o de un estadio de la humanidad anhelado, donde las leyes del hombre eran otras, más justas, más duras, menos burocráticas. El joven Sanètaula, en su huida, experimenta un retroceso hacia lo telúrico, lo originario, lo natural. Podríamos, por lo contrario, también capitalizar una idea que resulta clara: quien toma la venganza con sus manos, quien elimina de un manotazo los estamentos de la civilización, sucumbe hacia los vórtices primitivos del alma. Una vez allí, la única salida es la cárcel, la locura o la muerte. No sé, parece que esas dos puertas quedan abiertas. Queda de parte del espectador, ponerse de un lado o del otro de la frontera, o de elevarse sobre estas suposiciones al garete.

            Sanètaula, el próximo martes 21 de julio en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que vez.

            Retransmisiones: Cinemax-E  01:10  Mar  11/8/2009.

            Este film ganó la Palma de Oro en Cannes, el Goya a Mejor Película Extranjera, el New York Film Critics Circle Awards, el FIPRESCI del film del año en San Sebastián, y otra cantidad de premios y nominaciones más. Cabe decir, que tanta alharaca, es merecida. 4 months, 3 weeks, & 2 days (4 luni, 3 saptamâni si 2 zile, 2007) del rumano Cristian Mungiu (el primero de ese país en ganarse una Palma de Oro) es realmente una obra maestra.

            Se trata de una película seria, dramática, y que se ciñe a un realismo profundamente duro y sin concesiones. La historia, casi teatral, se reduce a Gabita, (Laura Vasiliu), una muchacha embarazada que decide abortar, y a su amiga, Otilia (Anamaria Marinka) quien incondicionalmente la prestará su ayuda. La cinta no se detiene en consideraciones morales, sino que nos muestra la realidad, las cosas como son, y además nos presenta la vida íntima de la sociedad rumana en 1987, durante la férrea dictadura estalinista del criminal Nicolae Ceauşescu. Faltaban apenas dos años para que cayera el dictador, debo decir.

Este espectro, el del régimen dictatorial y sus furias de poder recorre el film y está presente con una fuerza poderosa. Recordemos que en los años 80 la policía secreta rumana (Securitate), intensificó el control sobre la sociedad con vigilancia y represión constante. Así, si comprar cigarrillos ya era razón suficiente para temer, imagínate como sería abortar. Y eso está allí, en toda la película.

            Así, 4 months, 3 weeks, & 2 days resulta una pieza de varias capas, donde nada se escapa ni nada se desequilibra. Por un lado, nos presenta el duro tema del aborto (que resulta toda una controversia en democracia o en dictadura); también tenemos el tema de la libertad humana, por otro, el de la amistad, y por otro el asunto político. Todo está allí, todo en un salón de espejos, donde ninguno de esos espejos resulta deforme.

            Nos encontramos pues, ante una cinta magnífica que se centra en sus personajes, en su drama, y que se deja llevar por la lógica de la verosimilitud, sin aspavientos moralistas. Es decir, se trata de un film moral y social, pero sin moralismos ni politiquerías baratas. Una pieza íntima pero dura, sencilla pero grande, teatral y magníficamente actuada. No te la pierdas.

            4 months, 3 weeks, & 2 days, el martes 14 de julio en la señal oeste, y el 28 de julio en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O 22:45 Mar 14/7/2009. Cinemax-E 23:45 Sab 18/7/2009. Cinemax-O 02:05 Dom 19/7/2009. Cinemax-O 00:15 Mar 21/7/2009. Cinemax-E 02:20 Vie 24/7/2009. Cinemax-O 04:20 Vie 24/7/2009. Cinemax-O 22:45 Dom 2/8/2009. Cinemax-E 00:10 Dom 9/8/2009. Cinemax-O 02:10 Dom 9/8/2009. Cinemax-E 22:40 Lun 10/8/2009. Cinemax-E 20:45 Dom 16/8/2009.Cinemax-O 00:25 Vie 21/8/2009. Cinemax-O 00:35 Mie 26/8/2009. Cinemax-E 22:15 Vie 28/8/2009.

            De la joven cineasta madrileña Icíar Bollaín, solamente había visto Te doy mis ojos (2003), y debo decir que fue suficiente para hacerme una muy buena opinión de ella. Aquel drama se había atrevido a tratar un tema delicado y que incluso podía resultar manido hasta el extremo de lo telenovelesco: la violencia matrimonial. No obstante, la Bollaín salió ilesa, triunfante, es decir, nos regaló una obra profundamente dramática, seria y equilibrada. Su filme de 2007, Mataharis, no me ha dejado desilusionado. Con Mataharis Icíar Bollaín vuelve ha centrarse en la mujer y sus dramas íntimos. En este caso, tenemos a tres mujeres, tres detectives de agencia privada que al tiempo que “espían” el fracaso de la vida de los otros también deben lidiar con sus propias circunstancias. De fondo, el gran tema de esta pieza excepcional: La soledad compartida, la soledad solitaria, la soledad del alma. Un guión bien centrado y siempre verosímil, una dirección pulida, certera y unas actuaciones extraordinarias de parte de actores como Nuria González, Tristán Ulloa, Najwa Nimri y María Vázquez hacen de Mataharis una pieza de valor, una obra de arte, un trabajo inolvidable.  No sin razón, obtuvo cinco nominaciones a los premios Goya, una en San Sebastián, y ocho nominaciones de los Críticos de Cine de España. Cabe decir que de éstas últimas se llevó el premio a Mejor Guión y al de Mejor Actriz de Reparto para María Vázquez.

Mataharis, un film de primera para empezar nuestros martes de Panorama en el mes de julio. Disfrútala el martes 7 en la señal oeste, y el martes 14 en la señal este, por Cinemax. Somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 20:50 Lun 20/7/2009. Cinemax-O 23:30 Jue 23/7/2009. Cinemax-E 19:05 Lun 27/7/2009. Cinemax-E 22:55 Jue 30/7/2009.

            Las películas de Panorama que podrás disfrutar este mes de julio son las siguientes:

            —Sweet Mud de Israel (2006) Un drama dirigido por Dror Shaul (esta sería su segunda película en gran formato). Sweet Mud se desarrolla a mediados de los setenta, y tiene la intención de mostrarnos el lado más oscuro, no sé si humano, de los idealizados kibutz que en parte ayudaron a forjar la nación de Israel bajo los parámetros de sionismo socialista o laborista de Moisés Hess y Dov Ber Borojov. Su director aborda aquel icono del kibutz tan alabado en el mundo entero como la proyección en concreto de la utopía y de las ideas socialitas, desde otra mirada, ya lo dije antes, mucho más oscura, y justamente en los setenta, años de esplendor del experimento. Un niño de 12 años, Dvir, y su madre, sufren el aislamiento social cuando ella comienza a dar muestras de degradación mental. Allí, en ese lugar donde todos deben ser iguales, la discriminación se abre paso y muestra cuánta estulticia y maldad reina entre los hombres que enarbolan grandes ideales. El sueño del mundo perfecto que aparto y abomina lo imperfecto. Suele ocurrir que los que sueñan con el bien de los hombres, no se dan cuenta de que ese «sueño», con esas características y métodos determinados que ellos anhelan, puede que no sea compartido o deseado por otros. No piensan o no quieren pensar ellos que en el camino siempre habrá «imperfecciones» que deben ser asumidas dentro de ese «sistema» de sueño. Al fin y al cabo, quienes luchan contra un «sistema» terminan instaurando otro, a fuerza de egoísmo y ambición. Todo esto se ve reflejado en menor o mayor medida en nuestro film desde una historia mínima, hermosa y dura.

            Este film ha obtenido una cantidad apreciable de premios nativos e internacionales. La academia israelí le dio cuatro premios, entre los que se encuentra el de Mejor Película. También obtuvo el Premio Especial de Jurado en Sundance, y el Oso de Cristal en Berlín.

            Sweet Mud, el martes 16 de junio en la señal este.

            —Getting Home de China (2007): Comedia negra dirigida por Yang Zhang, cuya premisa sencillísima se convierte en una excusa maravillosa para realizar una gran sátira de la China moderna que nos muestra lo peor, y cómo no, lo mejor del ser humano. Un hombre, un sencillo campesino que trabaja en la ciudad, intenta cargar a su amigo muerto y llevarlo de vuelta a su pueblo natal. Pero es de resaltar acá que el director se toma la premisa literalmente. Es decir, el campesino se monta al amigo en hombros y empieza a caminar y caminar con el muerto encima. Se trata así de una mezcla muy bien lograda entre historia de crecimiento (con bizarro peregrinaje incluido) y una road-movie divertida, que deja ver cómo la sociedad china ha ido cambiando con la modernidad, cómo los campesinos se ven cada vez más atraídos por el poderoso imán de las ciudades, y cómo el dinero pesa cada vez más sobre las almas, los cuerpos y las vidas de las personas. Eso sí, momentos conmovedores no faltan, a pesar de la intención humorística. Y para todo esto resulta fundamental la excelente la actuación del actor de comedias Zhao Benshan, protagonista de la cinta.

            Getting Home, el martes 23 de junio en la señal este y el martes 30 en la señal oeste.

            —Padre nuestro de E.E.U.U (2007): Drama escrito y dirigido por Christopher Zalla. Esta es la historia de otro viaje, el viaje de Juan, un joven criminal que logra escaparse de una prisión en México y se va a la búsqueda de su padre en los Estados Unidos, pasando, claro está, por todas las dificultades de rigor. En el camino, Juan (Armando Hernández) conoce a otro joven (Jorge Adrián Espíndola), que también dice estar viajando para conocer a su padre en el gran país del norte. Al llegar a Nueva York las cosas se complican, y Juan pierde sus papeles y todo su dinero. Cuando por fin encuentra a su padre, un impostor ya está en su lugar. Así, Padre nuestro tiene una buena cantidad de elementos interesantes: se trata de una historia de suspenso sobre identidad robada, pero también toca el tema de la inmigración ilegal, y más allá de eso, nos habla de la familia, el doble, y la ambigüedad moral. La dirección oscura y claustrofóbica de Zalla le agregan a este amasijo ya interesante mayor tono de originalidad.

Padre nuestro, el martes 30 de junio en la señal este, y el martes 16 en la señal oeste.

—Gloss de Rusia (2007): Drama-comedia del director Andrei Konchalovsky, ex discípulo de Andréi Tarkovski, y veterano director de filmes tan respetables como Runaway Train (1985), The Inner Circle (1991) o Sibiriada (1979) y tan lamentables (disculpen, pero nada que sea con Sylvester Stallone es bueno) como Tango y Cash (1989). La historia es, en este caso, un viaje de la periferia hacia el centro (al contrario que en Getting Home).

Una joven muchacha de una pequeña ciudad rusa viaja a Moscú con la finalidad de hacerse modelo. En la capital, se lleva un gran desencanto: le dicen que no sirve para las pasarelas. Pero ella no se amilana, y acá comienza la caída, la búsqueda y la llegada al abismo de la corrupción y la maldad. Toda una sátira del mundo (y del bajo mundo) de la moda rusa. Al igual que en Getting Home, la cinta busca mostrar la evolución de la Rusia contemporánea, con sus mafias, su culto a la riqueza, al oropel. El triunfo del estilo sobre la materia; eso es Gloss. Y no, no es como El diablo viste de Padra. Dios nos libre.

            Gloss, el martes 23 de junio en la señal oeste.

            Nomad (2005) es un film épico, de guerra, que se desarrolla durante el siglo XVIII en una muy lejana Kazajistán. El film toma elementos de distintas sagas, de distintos argumentos mayores. Por un lado, tenemos la profecía al estilo Herodes sobre un niño que nacerá para derrocar a un tirano. Este tirano, preocupado por la creencia, manda a matar a todos los niños de su imperio. No obstante, el niño se salva, y es llevado a vivir lejos con un maestro muy a lo Merlín, quien le enseña todo lo que tiene que aprender sobre la guerra y sobre la tranquilidad interior. En Nomad también hay romance, y llegada la hora de las batallas, el filme llega a ser tan magnífico como Braveheart o Gladiator. Son maravillosas las escenas de cabalgatas y las batallas. Todo con un sentido muy cinematográfico y de grandiosidad que le da a la cinta un aspecto muy interesante. Lo mejor: Nomad no es norteamericana, sino que está dirigida por dos directores kazajos (naturales de Kazajistán o República de Kazajstán): Sergei Bodrov y Ivan Passer. Kazajistán, el noveno país más grande del planeta, formó parte de la Unión Soviética pero ahora es independiente y limita con Rusia. No obstante, a pesar de que tiene grandes extensiones, la mayoría son desérticas e inhabitables. En esos espacios se desarrolla el estilo de vida nómada, muy propio de esta cultura antes de la conquista rusa. En un mundo como éste, el pensamiento mágico está a la orden del día, abundan las leyendas, las supersticiones y el chamanismo. En este escenario ideal y fascinante, es donde se mueve la historia de Nomad. La música es también muy buena. De hecho, el filme obtuvo una nominación a Mejor Banda Sonora en los Globos de Oro.

            Nomad, en estreno el martes 2 de junio en la señal este, y el martes 9 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. En Cinemax.

            El film Estómago (2007) de Marcos Jorge (basado en un cuento de Lusa Silvestre) es un drama con muy buenos tintes de comedia que gira en torno a la comida, y las implicaciones culturales, sociales y económicas que podrían derivar en torno a la gastronomía como metáfora. El prestigio, el glamour, el amor, pero también el sexo como perdición, el hambre de la avaricia, el poder caníbal y el crimen voraz; todo está allí, girando dentro de ese signo elevado a la potencia mil, y contándose desde el personaje de Raimundo Nonato (el actor João Miguel), un joven humilde del sur de Brasil que llega a la ciudad de São Paulo y que de la noche a la mañana comienza a tener éxito como cocinero. El film está narrado en dos planos. En el primero, Raimundo está en la cárcel. En el segundo, lo vemos desde su llegada a la ciudad. De hecho, el cuento original que Lusa Silvestre le enviara a Marcos Jorge tenía solamente el segmento de la cárcel, donde Nonato se gana el respeto de sus peligrosos compañeros de encierro gracias a la calidad de su cocina (por ahí dicen que barriga llena, corazón contento). Marcos Jorge, quien mostró gran interés por el cuento, le pidió a Silvestre que le ayudará a ampliarlo con el fin de poder hacer un largometraje, y fue allí donde surgió la idea de presentar a Nonato también en la ciudad, en libertad, surgiendo en el mundo gracias a sus dotes culinarias. Esta segunda historia sirve sobre todo para contarnos por qué Raimundo Nonato llegó a la cárcel, explicación que se mantiene en suspenso hasta el final de la cinta. Así, se nos cuenta su llegada, su primer momento como lavaplatos y como cocinero de un restaurante mediocre que termina agarrando fama gracias a su nuevo cocinero, para luego pasar a los encuentros de Nonato con una prostituta de la que se enamora (Fabiula Nascimento) y con Giovanni (Carlo Briani), el próspero dueño de un restaurante de lujo que lo saca de la miseria. Todo esto, poco a poco, nos va llevando hacia el trágico punto de la trama en que Raimundo Nonato hace lo que hace para terminar en la cárcel.

            Estómago es una película muy bien dirigida, muy bien actuada, un drama fuerte pero al mismo tiempo con muy buenos toques de humor que nos demuestra las buenas condiciones en las que se encuentra el cine brasilero. La película fue considerada una de las diez mejores de Brasil en el año 2007 de acuerdo con la Asociación de Críticos de Cine de Río de Janeiro. También fue aplaudida por el público, que le concedió el Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, junto con los premios al Mejor Director y Mejor Actor, y Premio Especial del Jurado.

            Estómago, hoy martes 21 en la señal oeste y el martes 28 en la señal este dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque canales de películas, hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 15:30 Vie 1/5/2009. Cinemax-O 17:30 Vie 1/5/2009. Cinemax-E 18:40 Dom 3/5/2009. Cinemax-O 20:40 Mie 6/5/2009. Cinemax-E 16:20 Sab 9/5/2009. Cinemax-O 18:10 Sab 9/5/2009. Cinemax-E 22:40 Mar 12/5/2009. Cinemax-O 00:40 Vie 15/5/2009. Cinemax-E 14:15 Lun 18/5/2009. Cinemax-O 16:15 Lun 18/5/2009. Cinemax-E 18:25 Jue 21/5/2009. Cinemax-O 20:25 Sab 23/5/2009. Cinemax-E   15:20 Mie 27/5/2009. Cinemax-O 17:20 Mie 27/5/2009.          

            Digamos que Beaufort (2008) de Joseph Cedar es una película de guerra, así como La caída (Der Untergang, 2006) también es una película de “guerra”. Beaufort, de hecho, transcurre en su mayor parte entre los gruesos muros de Beaufort —una fortaleza medieval tomada por el ejército de Israel en el Líbano— durante los últimos meses de su desalojo en el año 2000. El film se centra en la vida de los pocos soldados que quedan hacia el final de la desocupación bajo el mando del oficial Liraz (Oshri Cohen). Sus vidas, sus sentimientos hacia el enemigo, el drama y el absurdo de la guerra, son las conversaciones que rondan a estos jóvenes soldados, inocentes y patriotas que sin embargo no pueden evitar sentir que en su vivencia algo está mal. Acá, desde la boca de estos jóvenes, todo el mundo recibe plomo: desde los altos militares hasta los mismos pacifistas, quienes con su presión por la salida rápida de la fortaleza podrían provocar una tragedia; pues Hezbollah, también desde sus propios intereses, quiere que esa última acción sea vista como una retirada bajo fuego. La amenaza de la muerte, siempre allí, a la vuelta de la esquina, enrarece el ambiente y provoca en los soldados una visión del mundo absolutamente diferente a la que podrían tener en una situación cotidiana (no es para menos). Por supuesto que hay acción, escenas de guerra, pero esto, digamos es parte del drama, no de una representación gratuita para satisfacer gustos. Cedar, veterano de conflictos bélicos, conoce a la perfección ese mundo, lo vivió, lo sufrió, lo conversó, y lo representa de un modo tan magistral que le mereció el Oso de Plata en Berlín y la nominación al Oscar a Mejor Película Extranjera.

            Beaufort, hoy martes 14 de abril en la señal este, y el martes 28 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. En Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:25 Mie 29/4/2009. Cinemax-O 20:15 Jue 30/4/2009. Cinemax-E 13:40 Sab 2/5/2009. Cinemax-O 15:50 Sab 2/5/2009. Cinemax-O 20:25 Lun 4/5/2009. Cinemax-E 23:05 Mie 6/5/2009. Cinemax-E 18:10 Lun 11/5/2009. Cinemax-E 22:45 Jue 14/5/2009. Cinemax-O 00:45 Lun 18/5/2009. Cinemax-E 16:15 Mar 19/5/2009. Cinemax-O 18:20 Mar 19/5/2009. Cinemax-O 01:00 Vie 22/5/2009. Cinemax E 17:40 Vie 29/5/2009. Cinemax-O 19:40 Vie 29/5/2009.

            En estos últimos años, la ciencia ficción ha venido tomado un espacio importante en el interés de los directores, productores y espectadores cinematográficos. La tecnología actual permite llevar a la gran pantalla mundos futuros con una gran calidad visual. La capacidad del cine para construir universos queda acá plasmada a la perfección. Incluso en Europa, donde el cine no es una gran fábrica multimillonaria, se está produciendo ciencia ficción. Tal es el caso de Chrysalis (2007) del novel director (en largometrajes) Julien Leclercq.

No siempre tenemos la oportunidad de disfrutar del cine europeo en nuestras salas de cine, ni tampoco en nuestros canales de televisión. Y si se trata de ciencia ficción europea, mucho menos. Inmortel (2004), por ejemplo, de Enki Bilal es una curiosidad que muy pocos han podido disfrutar. Digamos que los ojos de la gente están más puestos sobre el animé y el horror venido del lejano oriente que de lo que se está haciendo en Europa. Así que poder disfrutar de Chrysalis —en el sentido de poder sumar cultura a nuestra acervo— es todo un privilegio que nos ofrece Cinemax este mes.

Chrysalis es la historia de un futuro aséptico, grisáceo y frío donde la vida puede ser reconstruida y reformulada al antojo. Un futuro donde todo parece ir a la perfección a menos que se escarbe en la superficie y se hurgue en el fondo, allá donde laten los perversos mecanismos de control. Alienación, ambición, poder desmedido, y la realidad de las personas trastocadas por medio de una máquina que borra y modifica la memoria. Toda una propuesta en el más puro estilo ciberpunk, la rama más actual y mortífera de la ciencia ficción. Allí tenemos a David Hoffman (interpretado por Albert Dupontel), un agente policial cuya esposa y compañera de trabajo ha sido asesinada. Hoffman, luego de un receso obligado, vuelve a reincorporarse al servicio con el fin de atrapar a un criminal. Una intrincada y oscura investigación lo lleva una misteriosa clínica privada, dirigida por un tal Profesor Brügen (Marthe Keller). Allí, en medio de esa oquedad violenta, Hoffman termina descubriendo al posible asesino de su esposa y la existencia de una máquina que borra el pasado y que, incluso, lo modifica según los deseos de quien la posea.  Los recuerdos, así, se convertirán en el bien más preciado, y en la causa de muchas muertes.

Para algunos, la película pecará de “europea”. Por momentos se vuelve lenta, contemplativa, quizás a la búsqueda de un estilo noir francés, siempre más trabajador de sombras y silencios. Tales desaceleraciones argumentales se rompen no obstante con magníficas peleas al mejor estilo Bourne. Chrysalis resulta así una combinación de la narrativa europea, más filosófica y meditativa, más los planteamientos existenciales de la ciencia ficción y el thriller norteamericano.

Chrysalis, el martes 7 de abril en la señal este, y el martes 14 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 13:50 Vie 24/4/2009. Cinemax-O 15:50 Vie 24/4/2009. Cinemax-E 22:35 Mar 28/4/2009. Cinemax-E 00:05 Lun 4/5/2009. Cinemax-O 00:30 Jue 7/5/2009. Cinemax-E 19:00 Sab 9/5/2009. Cinemax-O 00:55 Mie 13/5/2009. Cinemax-E 16:25 Jue 14/5/2009. Cinemax-O 18:25 Jue 14/5/2009. Cinemax-E 23:15 Lun 18/5/2009. Cinemax-O 00:40 Mar 26/5/2009. Cinemax-E 00:50 Sab 30/5/2009.        

            Conozcan un colegio brasilero como otro cualquiera. Acá los muchachos, que están a punto de graduarse, ven clases de:

            —Historia: Una especialidad sobre todo de los varones, quienes gustan sacar todos sus conocimientos ideológicos y demostrar su capacidad para la cháchara con el fin seducir, o en el mejor de los casos marear, a las garotiñas.

—Educación física: Pues las muchachas de este colegio hacen tanta educación física, que sus cuerpos son realmente una belleza. Cuerpo de brasileras, caramba.

            —Química: Bueno, los muchachos cocinan algunos asuntos raros en el laboratorio que le vuelan la mente a más de uno.

            —Educación artística: La juventud, sin la música no es nada. Y una película, sin una excelente banda sonora, tampoco. (Y ya para ir adelantando, debo decirles que Puedo creer tiene una excelente).

            —Y biología, mucha biología: La biología que estudia los cuerpos, las partes íntimas, el acto sexual… ustedes saben, todas estas cosas.

            Este mes de marzo los invito a disfrutar dentro del espacio Panorama, del film brasilero, Puedo creer de Arthur Fontes, una comedia fresca, muy brasileña desde su concepción de vida. Eso sí, no crean que por tratar de gente joven, bonita y en una transición colegial, estamos ante una película tonta. Nada que ver. El film transcurre en los años ochenta y recrea esa época tan problemática, muy material y nihilista desde la más certera y profunda seriedad (seriedad de comedia, que es ataque, que es parodia, burla, sátira). Además, ya lo dije, es muy brasilera. Es decir, hay mucho sexo, muchos cuerpos calientes y muy buena música.

            Puedo creer, el martes 31 de marzo en la señal este de Cinemax dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:30 Jue 2/4/2009. Cinemax-E 09:30 Lun   6/4/2009. Cinemax-O 11:30 Lun 6/4/2009. Cinemax-O 00:30 Mie 8/4/2009. Cinemax-E 02:30 Mar 14/4/2009. Cinemax-E 10:05 Mar 14/4/2009. Cinemax-O 12:05 Mar 14/4/2009. Cinemax-E 10:35 Mie 22/4/2009. Cinemax-O 12:35 Mie 22/4/2009. Cinemax-E 07:20 Sab 25/4/2009. Cinemax-O 09:20 Sab 25/4/2009. Cinemax-E 09:40 Lun 27/4/2009. Cinemax-O 11:40 Lun 27/4/2009.

            —Volver a nacer, pero no pequeño; volver a nacer de inmediato en otro cuerpo. En otro cuerpo desconocido.

            —Transmigrar de cuerpo sin morir, es igual a carecer de futuro.

            —Vivir el día a día, una falacia de la felicidad. Quien carece de futuro, fracasa en la soledad. Está condenado al vacío. ¿De qué sirve pensar en el futuro si voy a cambiar de cuerpo cuando menos me lo espere, cuando me cruce con el otro en el camino, en la vuelta de la esquina? Vive el día a día, sí cómo no, vive sin esperanzas, vive sin futuro.

            —Vive la soledad, vive el aislamiento, la incomprensión. ¿Quién soy, por qué soy así? ¿Por qué debo cambiar de cuerpo y perder todo lo que soy para ser alguien que quizás no me guste ser? ¿Por qué soy un “trasmutante”?

            —¿Pero acaso no volvemos a nacer espiritualmente cada vez que superamos una etapa de vida? ¿Acaso cada vez que miramos al pasado, no sentimos que nuestra vida está hecha por etapa? ¿Hoy no somos alguien distinto a quien fuimos hace unos cuantos años atrás?

            —“¿Alguna vez has tenido la sensación de haber sido otra persona?”

            —La sangre iluminada, la segunda cinta del director de Zacatecas, Iván Ávila Dueñas, explora a través de un “drama-fantástico” (disculpen el término, pero no encuentro otro mejor) los abismos del hombre moderno, con una transmigración su generis como un concepto que maneja la trama que nos lleva hacia distintos personajes que tienen que resolver asuntos pendientes de su existencia.

            —Para trascender, hay que resolver.

            —Trascender igual a resolver.

            —Dentro del género de lo fantástico, Ávila Dueñas se hace de explicaciones, o intenta asomarnos algunas: Hay un cuaderno, hay algo que tiene que ver con la sangre, con esa sangre iluminada. Aunque esto, para la historia, creo que no tiene gran importancia.

—Iván Ávila Dueñas es uno de esos nuevos directores mexicanos que están luchando por imponer su nueva estética, por mostrar que el cine mexicano no es uno solo ni tiene una sola mirada. Nacido en 1965, es Licenciado en Comunicación por la Universidad del Valle de Atemajac y en Guión Cinematográfico por la Universidad de Guadalajara. Ha escrito y dirigido varios cortometrajes. Uno de ellos, Vocación de martirio (1999), obtuvo el primer premio en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Su primer largometraje, Adán y Eva (todavía) (2004) fue galardonado en los festivales de Los Ángeles y Guadalajara y obtuvo siete nominaciones a los premios Ariel.

—Un abre bocas de esta excelente pieza cinematográfica: Un hombre se mete, así como así, a una fuente de Ciudad de México y comienza a sangrar por la nariz. Acto seguido, muere. En Zacatecas, un niño también comienza a sangrar también de la nariz. Pero no muere, se desmaya. Al despertar, se descubre con un collar que contiene dos fotografías, y comienza a decir que se llama Mateo y que, siendo Mateo, murió en una fuente de la capital… Por ahí va la cosa, ¿qué tal?

            — La sangre iluminada, el martes 24 de marzo en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax. También puedes verla el lunes 30 de marzo en la señal este.

            Retransmisiones: Cinemax-O 03:30 Lun 30/3/2009. Cinemax-E 01:45 Sab 4/4/2009. Cinemax-O 04:45 Sab 4/4/2009.Cinemax-E 00:15 Jue 9/4/2009. Cinemax-E 02:15 Lun 13/4/2009. Cinemax-O 04:35 Lun 13/4/2009. Cinemax-E 03:45 Vie 17/4/2009. Cinemax-O 05:45 Vie 17/4/2009. Cinemax-E 01:15 Mar 21/4/2009. Cinemax-O 03:15 Mar 21/4/2009. Cinemax-E 03:30 Mie 29/4/2009. Cinemax-O 05:30 Mie 29/4/2009.

The Snake (2006) de Eric Barbier es uno de esos filmes franceses que intenta acercarse al formato comercial sin perder el sello de calidad francés. Una pieza de suspenso muy bien lograda, con excelentes actuaciones y mejor fotografía que se hermana a thrillers clásicos como Cape Fear (tanto la original como la de gran Scorsese).

El fotógrafo Vincent Mandel (Yvan Attal) vive un doloroso proceso de divorcio con hijos en el medio. Está en crisis, nada es fácil… Ni tampoco lo será, pues una noche, la calle le deparará un tropiezo nada afortunado con un tal Joseph Plender (un excelente Clovis Cornillac), un antiguo compañero de clases. A partir de esto momento, Plender ser convertirá en la peor pesadilla del fotógrafo en un juego abyecto que incluirá asesinato, secuestro, manipulaciones sicológicas y chantajes.

No puedo dejar de nombrar a la hermosa Olga Kurylenko en el film. Para aquellos que no la ubican, Olga es la última chica Bond de Quatum of Solace, aquella muchacha de tez morena con rasgos rusos que a muchos dejó de cabeza, incluso al mismo Bond.

The Snake, el próximo martes 19 de marzo en la señal oeste dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. En la señal, la próxima retransmisión es el el miércoles 18 de marzo.

Retransmisones: Cinemax-O 01:10 Vie 13/3/2009. Cinemax-O 01:50 Lun 16/3/2009. Cinemax-E 22:20 Mie 18/3/2009. Cinemax-E 18:20 Sab 21/3/2009. Cinemax-O 01:45 Mar 24/3/2009. Cinemax-E 21:35 Jue 26/3/2009. Cinemax-O 01:10 Jue 2/4/2009. Cinemax-E 22:15 Dom 5/4/2009. Cinemax-E 16:10 Mar 7/4/2009. Cinemax-O 18:10 Mar 7/4/2009. Cinemax-O 00:35 Sab 11/4/2009. Cinemax-O 01:00 Mar 14/4/2009. Cinemax-E 22:05 Mie 15/4/2009. Cinemax-E 23:15 Lun 20/4/2009. Cinemax-O 20:25 Jue 23/4/2009.           

            El tema de la violencia es largo, extenso y complejo. Tanto así que los directores Maryse Sistach y José Buil se propusieron hacer una trilogía al respecto. Y es que si el tema da para rato, en México y si se trata de mujeres, aún más.

Pero antes, hablemos de la pareja de directores.

Maryse Sistach estudió tiene las profesiones de antropología y cine en su haber. Es notable directora y guionista de sus propias películas. José Buil ha sido director ocasional, pues el mayor peso de su trabajo lo pone en la producción, la edición y la escritura de guiones. Con Maryse Sistach, su mujer, produjo “La Trilogía de la Maldad”, conformada por Perfume de violetas (Nadie te oye) del año 2000, Manos libres (Nadie te habla) del año 2003, y La Niña en la piedra (Nadie te ve) de 2006, tres películas de corte dramático y social que hacen la crónica de la violencia de una juventud mexicana alejada cada vez más de la ética, la moral, los principios básicos que rigen la convivencia de la humanidad.

El estilo de Sistach y Buil va en contracorriente al de directores como González Iñárritu, pues se caracteriza por su pulcritud y su insistencia en la fotografía y en la quietud de la cámara. Nada de movimientos acelerados, ni tampoco enrevesadas historias. No obstante, hay una preocupación social allí presente que los hermana a una cierta tendencia del cine mexicano, del que Iñárritu es su más visible representante.

            En este caso, el filme que nos ocupa es el que cierra la trilogía de la pareja: La Niña en la piedra. Una historia que se desarrolla en un México rural, campesino, profundo, y que se centra en dos personajes, Gabino (Gabino Rodríguez) y Mati (Marisa Espinoza). Gabino está enamorado de Mati, pero en su acercamiento amoroso resulta torpe y ella termina por rechazarlo. Además, ella ahora le coquetea al profesor de gimnasio. Gabino, un pajarraco grande que no termina de salir de la escuela y que tampoco tiene los mejores amigos, recibe de ellos los peores consejos. Del amor al odio hay tan solo un paso, y del odio por amor a la violencia hay nada más que un parpadeo.

Ahora, ¿por qué el título La niña en la piedra? Bueno, veo allí mucho de ese componente intelectual que viene de la antropología que le inyecta la directora. En el film, Gabino y su padre encuentran una antigua estatua de piedra (¿una diosa del maíz?) que terminan arrojando a un pantano para evitar que el pueblo donde se desarrolla la historia caiga en la razzia del contrabando. Esta pequeña historia al inicio del filme, es una especie de presagio de lo que después vendrá, de lo que hará Gabino y, al mismo tiempo, funciona como un tópico que recorre la cinta en silencio y que tendrá una vital importancia hacia el final. También tenemos ahí un guiño magnífico a Caperucita Roja, no se lo pierdan que es muy sabroso y fácil de captar.

            La niña en la piedra es un drama social fuerte, sin sentimentalismos, que nos muestra cómo un romance inocente puede llegar a ser una tragedia dentro de un ámbito cultural lleno de violencia latente donde el machismo aún impera y el sexo femenino es menos que cualquier cosa. Un film digno, sincero, sin aspavientos pero inteligente que forma parte de lo mejor que ofrece el menú del cine mexicano actual. Por cierto, la peli obtuvo el premio Nacional del Jurado en el Festival de Cine de Guadalajara y fue nominada a tres premios Ariel.

            La niña en la piedra, el martes 24 de febrero en la señal oeste y el jueves 27 en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 15:05 Vie 27/2/2009. Cinemax-E 21:50 Dom 1/3/2009. Cinemax-O 01:40 Mie 4/3/2009. Cinemax-E 13:45 Vie 6/3/2009. Cinemax-O 17:45 Vie 6/3/2009. Cinemax-E 11:40 Lun 9/3/2009. Cinemax-O 15:40 Lun 9/3/2009. Cinemax-E 11:55 Jue 12/3/2009. Cinemax-O 15:55 Jue 12/3/2009. Cinemax-E 22:45 Mar 17/3/2009. Cinemax-O 01:35 Jue    26/3/2009. Cinemax-E 06:45           Lun 30/3/2009. Cinemax-O 09:45 Lun 30/3/2009.          

Caixa Dois (2007) es un film basado en una obra de teatro de Juca de Oliviera, actor y escritor de Brasil de gran respeto en Brasil. La película, dirigida por Bruno Barreto (Gabriela, Cravo e Canela, View from the Top, O Casamento de Romeu e Julieta) es una excelente versión cinematográfica que logra sacarse de encima el género teatral (muy pocas películas logran esta trasposición), dejando no obstante lo que sí debería mantenerse de las tablas: el peso de las actuaciones. Caixa Dois refiere a un término bancario y tiene que ver con una entrada de dinero no registrada por el banco. Este dinero, una buena cantidad, genera todas las acciones de este film a mitad de camino entre la comedia y el drama. Todo comienza cuando un banquero fraudulento pretende transferir ese dinero “sobrante” a la cuenta de su amante (interpretada por Giovanna Antonelli, a quien muchos recuerdan por ser la protagonista de la telenovela brasilera El clon) y termina haciéndolo por error a la cuenta de una mujer de un empleado ejemplar que acaba de ser despedido de ese mismo banco. Pero la cosa no se termina acá, sino que la amante de este banquero es su secretaria, y también la novia del hijo del empleado despedido. Así que acá comenzará el enredo, y por encima de todo, el dilema: ¿deben las personas honestas y desamparadas restituir el dinero robado?

Caixa Dois, el martes 17 de febrero en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            La luna en botella es de esas películas hechas de imaginación pura, de personajes singulares que pretenden sobrevivirle al mundo con esperanza y ternura. Es de esas películas que creen en la vida, en el arte y en la bohemia. Si usted es un descreído de estas cosas, si le parece que el Lobo estepario de Hermann Hesse quedó ya demasiado lejos de su alma, pues mejor no la vea, porque ésta, es de esas obras que se la juegan todo por la fantasía de lo circense con esos aires de marihuana de los sesenta dándole vueltas a la idea principal. Se trata de una película bonita, así como lo es aquella Amélie que todavía vemos dando vueltas por el cable. Y al nombrar Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, no sólo lo hago por la referencia temática, sino también porque entre los referentes estéticos del director de La luna en botella, el cineasta español Grojo, se encuentra sin lugar a dudas la cinematografía de Jean-Pierre Jeunet (La cité des enfants perdus, Delicatessen), director de altísimos vuelos imaginativos y con una manera de hacer y fotografiar muy particular. La presencia de Dominique Pinon, actor fetiche de Jeunet, nos ayuda a confirmar esa influencia.

Dominique Pinon

También se siente en Grojo la batuta del gran ilustrador Dave McKean y del escritor Neil Gaiman, dupla que ha dado al mundo gratísimos momentos y fabulosas imágenes tanto en el cine como en el cómic; de hecho, el afiche del film es del británico McKean, quien con gran gusto colaboró con Grojo. Y no debemos dejar a un lado el cine de Emir Kusturica. El burro olvidado por una banda de músicos gitanos que hace sus días en el bar de la película, es un lamparazo que nos remite al director serbio. Por cierto, cuando hice referencia a lo circense, tampoco fue con gratuito tenor, pues es importante acotar que la banda sonora del film es de René Dupéré, compositor de los temas del Cirque du Soleil.  Grojo, joven director nacido en Madrid en 1971 es, como ya señalé, nuevo haciendo largometrajes, pero no pergeñando cine. El español es el director de tres cortometrajes muy premiados. La gotera de 1996 fue candidato al Goya y ganó el premio especial del jurado en el Festival de Fantasía en Bruselas;  El topo y el hada de 1998, estuvo la sección oficial del Festival de Berlín y fue premiado en otros tres festivales; y Esa habitación del demonio de 2001, una preciosa pieza de animación muy orgánica, estuvo en Sitges. La luna en botella es su primer intento de largo aliento.

Así que, como ven el film es todo un compendio de buenas razones para verlo y disfrutarlo desde la vista y la audición, un gran cuento coral, algo caótico, repleto de personajes extravagantes y transgresores que van tras lo imposible, y que no le tienen miedo a decirle no a lo cotidiano, al molde, al hastío, lanzados todos a una búsqueda tan difícil como intentar meter la luna en una botella. El film nos habla de segundas oportunidades, de segundas vidas, de intentarlo. Toda una fiesta de la esperanza, sin duda. Como Amélie, La luna en botella no tiene más profundidad que esa que cuento (recordemos que el film de Jeunet fue muy criticado por su inocente superficialidad). Su mensaje es sencillo, simple, bonito. Cabe decir que a veces uno se pregunta si esa sencillez no será la que hace falta para vivir mejor en este mundo cruel y vano. Sin exagerar, claro, sin exagerar lo de la sencillez y el la hierba, digo yo…

            La luna en botella, el martes 10 de febrero en la señal oeste y el martes 24 en la este de Cinemax, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas, hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 12:55 Vie 27/2/2009. Cinemax-O 16:55 Vie 27/2/2009. Cinemax-E 17:45 Lun 2/3/2009. Cinemax-O 22:00 Mie 4/3/2009. Cinemax-E 17:20 Vie 6/3/2009. Cinemax-O 21:20 Vie 6/3/2009. Cinemax-E 11:15 Dom 8/3/2009.Cinemax-O 15:15 Dom 8/3/2009. Cinemax-O 21:45 Mar 10/3/2009. Cinemax-E 17:45 Jue 12/3/2009. Cinemax-E 18:45 Mar 17/3/2009. Cinemax-O 21:45 Jue 19/3/2009. Cinemax-E 07:55 Sab 21/3/2009. Cinemax-O 10:55 Sab 21/3/2009.

           En estos años el cine alemán nos ha dado más de un buen gusto. Basta recordar La caída de 2004, o La vida de los otros (2006), film que obtuvo el Oscar a Mejor Película Extranjera en 2007 (y que tendremos pronto en Cinemax). También podríamos nombrar Los falsificadores (y sé que los austríacos me matarán), también ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera en 2008.

Vier Minuten es otro de esos filmes que dejan en alto al cine hecho en Alemania, y que nos hablan de su excelente salud. Vier Minuten, Cuatro Minutos, tuvo un éxito descomunal por aquellos lados y se llevó todos los premios del cine alemán. Creo, por cierto, encontrar alguna constante en estas últimas películas: se tratan de curiosas y profundamente humanas ocurridas en espacios cerrados, o prisiones. La caída, por ejemplo, trata sobre los últimos días de Hitler en aquel bunker subterráneo donde murió, y La vida de los otros nos remite constantemente al encierro, al secreto de las cuatro paredes. En el caso de la historia dirigida por Chris Kraus (Shattered Glass) se nos presenta a Traude Krüger (Mónica Blibtreu), una vieja profesora de piano que da clases a reclusas en una prisión. Cierto día, la maestra conoce a Jenny (Hannah Herzprung), una chica talentosa pero con poca energías para desarrollar el arte, y allí comienza una dialéctica interesante que girará en torno al encierro, a la alienación y el pasado. No es, debo decir, una trama que vaya por los caminos convencionales. Acá hay mucho de horror, de vacío, de oscuridad sexual y de vidas arruinadas. Hay sociedad vigilante, incomunicación y mundo perverso que nos aplasta y no nos deja crecer y convertirnos en algo mejor, quizás incluso en algo grande. Hay un gran silencio que mata y que nos encierra. Tanto la profesora como la aprendiz tienen mucho que contar, mucho que decir y mucho también que aprender una de la otra, pero esa escapada como posibilidad de libertad interior no será fácil.

Vier Minuten, el martes 3 de febrero en la señal oeste y el martes 17 de febrero en la señal este de Cinemax, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Volvemos con el tema de los niños y el mal. Esta vez con el film El niño de barro (2007), ópera prima de ficción y en el cine del argentino Jorge Algora, bajo la producción ejecutiva del gallego Julio Fernández (Darkeness, El maquinista, El perfume, la serie de Manolito Gafotas). Es decir, se trata de una peli con presupuesto, producida por un tipo que sabe hacer cine comercial que se vende, bajo la dirección de un no tan joven director, pero sí con poca experiencia en la narrativa del cine. No obstante, sí pudiéramos pensar que esta última parte nos traerá malos resultados, pues lamento desilusionar, pues El niño de barro es una película que se las trae, un thriller oscuro, lleno de una carga dura de realismo con una dosis muy fuerte de alucinación —o ¿surrealismo?— que nos harán que clavemos las uñas en el lugar que mejor tengamos a mano y que sirva para aguantar la tensión que esta peli produce. ¿Acaso no? La historia trata sobre un niño de diez años (el también debutante Juan Ciancio) que empieza a alucinar asesinatos de otros niños, todos dentro de lo que pareciera ser una especie de feria dominical. A la par, tales asesinatos están ocurriendo de verdad, y la policía no se le ocurre mejor idea que culpar de los asesinatos al niño que los “ve”. Esta historia, debo destacar, está inspirada en los hechos reales tristemente protagonizados por Cayetano Santos Godino, "Petiso orejudo". Y no digo más no vaya a ser yo el muerto. El film transcurre en el Buenos Aires de 1912 y la ambientación resulta excelente, sombría eso sí, sucia, putrefacta, sin duda una elección del director para mostrarnos un mundo marginal donde ocurren historias horrendas; un mundo donde en muchos casos reina la brutalidad, el caos, el odio y la violencia. Excelente la actuación de Maribel Verdú, artista española que bien acomoda este film argentino (o franco-argentino). Por ahí el productor ejecutivo gallego habrá tenido que ver en la elección, conciente absolutamente de que la actriz jala a su gente. Por cierto, como la producción va entre dos aguas, fue nominada al premio Goya y recibió también nominaciones de los críticos de cine de Argentina.

            El niño de barro es un film sólido, bien contando, lleno de tensión, realismo sucio y de un lirismo muy surrealista y muy atroz. Sin duda, una primera película que vale la pena para entretenerse un rato con el suspenso y el horror que intencionalmente nos arroja en la cara. Para eso está hecha, ¿no?

            El niño de barro, el martes 27 de enero en la señal este de Cinemax, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras.

            Retransmisiones: Cinemax-E 12:45 Sab  31/1/2009. Cinemax-O 16:45 Sab 31/1/2009. Cinemax-E 15:45 Lun 2/2/2009. Cinemax-O 19:45 Lun 2/2/2009. Cinemax-O 21:35 Mie 4/2/2009. Cinemax-E 14:45 Vie 6/2/2009. Cinemax-O 18:45 Vie 6/2/2009. Cinemax-E 17:35 Dom 8/2/2009. Cinemax-E 14:30 Mie 11/2/2009. Cinemax-O 18:30 Mie 11/2/2009. Cinemax-O 01:40 Jue 19/2/2009. Cinemax-E 14:50 Sab 21/2/2009. Cinemax-O 18:50 Sab 21/2/2009. Cinemax-E 21:35 Lun   23/2/2009.               

Dirigida por Erik Richter Strand, Sønner (Hijos, 2006) no es una película para tragársela como un caramelito. Su tema es la pedofilia, y debo advertir que dicho tema está tratado de un modo directo, sin trapos. Cuando se tratan de asuntos como éstos, pareciera que no se pueda andar con medias tintas. Recordemos, por ejemplo, Hard candy (2005) de David Slade, que tampoco se anduvo por las ramas. En este caso, estamos hablando de un film noruego igual de duro que agrega el elemento del suspenso, del thriller y un muy conciente tremendismo para darnos el pegamento necesario que nos hará quedarnos atrapados en el asiento. La historia: Lars, un joven de 25 años con un temperamento problemático, descubre que hay un “señor de edad” detrás de los más pequeños de su urbanización. Lars se enfurece (con un furia exagerada que más tarde comprenderemos) y toda esa cólera que lleva por dentro y que le ha traído inconvenientes, la enfoca hacia el supuesto pervertido. Por supuesto, esa misma cólera, ahora —dique— canalizada, puede salirse de su cauce y llevar todo hacia aguas muy turbias. El protector puede llegar a convertirse en el peor agresor, cuando el pasado excava hacia la superficie de las verdades.

Hay que destacar que Sønner está dirigida, actuada y trabajada en general por un equipo de gente joven (Erik Richter Strand contaba con 32 años en 2006), lo que le aporta al fin mucha fuerza, mucho movimiento de cámara, pero también una visión ruda, fuerte y radical de un tema tan delicado. No obstante, este film noruego no nos dejará insatisfechos, aunque el trago pueda ser, más que amargo, ácido. La peli, nunca está de más decirlo, ha obtenido nominaciones, premios y reconocimientos en distintos festivales internacionales.

Sønner, hoy martes 13 de enero en la señal este y el martes 20 en la señal oeste dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 23:30 Vie 30/1/2009. Cinemax-O 03:30 Sab 31/1/2009. Cinemax-O 02:00 Lun 2/2/2009. Cinemax-E 21:40 Mar 3/2/2009. Cinemax-E 00:30 Mar 10/2/2009. Cinemax-O 04:30 Mar 10/2/2009. Cinemax-O 01:15 Mie 11/2/2009. Cinemax-E 22:00 Dom 15/2/2009. Cinemax-E 23:45 Mie 18/2/2009. Cinemax-O 03:45 Jue 19/2/2009. Cinemax-E 00:20 Mie 25/2/2009. Cinemax-O 04:50 Mie 25/2/2009.

            Inesquecível (Inolvidable, 2007) está dirigida por Paulo Sérgio de Almeida, el director que en los últimos años ha llevado la batuta de la aventura cinematográfica de Xuxa. En esta película en la que, lamentable o afortunadamente, no está la súper estrella rubia, el director se pone serio y nos cuenta una historia misteriosa y llena de erotismo. Se trata de un drama fantástico basado en “El espectro” de Horacio Quiroga. Del cuento del autor uruguayo toma el triángulo amoroso, el ambiente de cine y la historia sobrenatural, todo trasladado a Argentina y a Brasil (ya no, como en el cuento, Canadá y Hollywod). Ahí está el actor de éxito, interpretado por Murilo Benício, a quien conocimos en Latinoamérica como el Lucas/Diogo de la famoso telenovela El Clon; ahí su bellísima —bellísima, de verdad— amada (Guilhermina Guinlea); el amante de la amada y amigo del actor (Caco Ciocler), quien, por cierto, en homenaje a Quiroga se llama Guilherme Quiroga; y tenemos también la venganza más allá de la vida y la muerte. Las logradas actuaciones y el elemento de thriller hacen que la película funcione muy bien y dentro de un excelente ritmo narrativo que le aporta una calidad cinematográfica muy estilo Hollywood. Inesquecível es una muestra de ese nuevo cine brasilero que busca acercarse a los formatos comerciales de éxito sin apartarse de la gran tradición escrituraria que ha caracterizado la literatura, la telenovela y el cine de Brasil.

            Inesquecível, hoy martes 6 de enero en la señal este de Cinemax y el martes 27 en la señal oeste dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Y para el próximo martes, en Panorama, los invito a ver Shooting DogsHotel Rwanda (2004), más famosa sin duda ésta última. Pero no crean que Shooting Dogs es simplemente otro film que aprovecha el éxito de uno más grande. No, Shooting Dogs es una peli de verdad, un homenaje a un monje que en realidad vivió y estuvo en Ruanda, defendiendo humanos hasta su homicidio, y está basada en las experiencias, cercanas a la muerte, de su productor, David Belton, periodista de la BBC que se las vio feas en aquel país africano en 1994, durante el genocidio por parte de los hutus a los tutsis y a los hutus moderados. Acá les dejo unos datitos: Hubo más de un millón de personas asesinadas (según el gobierno ruandés fueron 937 mil), las mujeres que sobrevivieron fueron violadas, y los niños nacidos de esas violaciones fueron también asesinados. De hecho, el 7 de abril fue declarado por la ONU (esa misma gente que se hizo la loca) "Día Internacional para la reflexión sobre el genocidio", pues este fue el día, a escasas horas de la muerte del presidente Juvenal Habyarimana, en que comenzó la matanza. (2005), una película hermana de

El film, dirigido por Michael Caton-Jones  (Memphis Belle, Doc Hollywood, This Boy's Life, Rob Roy, The Jackal, City by the Sea y, disculpen lo malo, Basic Instinct 2), muestra con crudeza estas barbaridades, pero de igual modo es una fuerte denuncia a los ojos ciegos de los países poderosos. La ONU, como muchos sabrán, dejó el país, y el Consejo de Seguridad no quiso declarar una situación de genocidio para no intervenir en los intereses de Francia, y donde el resto de los países no tenía nada que les llamara la atención.

A través de la vida de un sacerdote católico, interpretado por el respetable John Hurt; de un joven profesor inglés (Hugh Dancy), lleno de ideales; y de la escuela donde éstos imparten clases, Shooting Dogs nos cuenta esos días terribles. El abandono de la ONU, la escuela como refugio, la masacre a machetazos, las violaciones a mujeres, la muerte como ama y señora. Un film lleno de denuncia, horror y al mismo tiempo de una profunda humanidad. Directo, eso sí, fuerte.

Shooting Dogs, el martes 13 de enero en la señal este, y hoy martes 6 de enero en la señal oeste, en Panorama, cine sin fronteras. Sólo en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-O 23:30 Mar 6/1/2009. Cinemax-E 19:30 Mar 13/1/2009. Cinemax-O 21:45 Sab 17/1/2009. Cinemax-E 21:30 Lun 19/1/2009. Cinemax-O 01:15 Lun 26/1/2009. Cinemax-E 21:15 Jue 29/1/2009. Cinemax-E 22:15 Dom 1/2/2009. Cinemax-O 21:20 Jue 5/2/2009. Cinemax-E 14:30 Sab 7/2/2009. Cinemax-O 18:30 Sab 7/2/2009. Cinemax-E 17:20 Lun 9/2/2009. Cinemax-E 21:00 Jue 12/2/2009. Cinemax-O 01:25 Lun 16/2/2009. Cinemax-O 21:20 Mie 18/2/2009. Cinemax-E 14:40 Vie 27/2/2009. Cinemax-O 18:40 Vie 27/2/2009.           

            Este mes, desde Japón, nos llega no una película de terror, como quizás ya estamos acostumbrados a pensar, ni tampoco de artes marciales (aunque estas son en su mayoría chinas), sino que en este caso tendremos una comedia.  Sí, una comedia japonesa, que son pocas las que acá disfrutamos, y no sé si pocas (no conozco mucho) las que por allá se hacen. Estamos hablando de Hula Girls (Hula gâru, 2006), escrita y dirigida por Sang-il Lee, un director joven (nació en 1974), de origen koreano; de allí que su nombre no nos suene japonés.  Hula Girls es una comedia basada en hechos reales, una historia que transcurre en Iwaki, un pequeño pueblo minero japonés que se ve afectado por el auge del petróleo por encima del carbón como recurso energético. Allí, en plena crisis, la empresa Joban Coal Mining Company emprende un proyecto ambicioso: realizar un paraíso hawaiano… Entiéndase: un paraíso hawaiano en un pueblo japonés. Por supuesto, se forma todo un rebullicio y mucho más, cuando llega una la maestra de danza hawaina al sitio para enseñarle hula-hula a las muchachas del lugar. Hay claro está, cierta inspiración o reminiscencia a algunas comedias de este estilo ya probadas en occidente, entre las más fáciles de recordar, The Full Monthy. No obstante, debo decir que hay cierto gusto legítimo por el baile en Japón, donde dicho arte resulta toda una rareza. En una sociedad tan rígida, el baile se vuelve, sin duda, una herramienta de la libertad de expresión, y de anormalidad, por supuesto, para aquellos que no comparten el gusto. Recuerdo, por ejemplo, otra comedia japonesa que también llegó hasta nosotros, y de la que se hizo una horrorosa versión americana, Shall We Dance, de 1994, dirigida por Masayuki Suo, donde también, el baile era todo un catalizador de libertades y escándalos sociales. Así, sin negar que Hula Girls pueda tener mucho de películas como The Full Monthy, sí creo que debemos considerar los significados verdaderos y poderosos que toman los distintos estilos de bailes no japoneses en Japón. Además, consideremos que esta historia está inspirada en la realidad, lo cual le da aún más, el respaldo de legitimidad que refiero. Así, Hula Girls, resulta una comedia fresca, con drama a momentos y con mucha ternura que nos cuenta un acto heroico y colectivo de superación personal, sin caer en ñoñerías ni facilismos. La recomiendo.

            Hula Girls, el martes 23 de diciembre en la señal este de Cinemax, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 15:15 Vie 26/12/2008. Cinemax-O 19:15 Vie 26/12/2008. Cinemax-E 14:00 Lun 29/12/2008. Cinemax-O 18:00 Lun 29/12/2008. Cinemax-E 07:30 Jue 1/1/2008. Cinemax-O 11:30 Jue 1/1/2009.Cinemax-E 02:30 Dom 4/1/2009. Cinemax-O 06:30 Dom 4/1/2009. Cinemax-O 21:30 Mar 6/1/2009. Cinemax-E 21:30 Mar 13/1/2009. Cinemax-E 13:15 Dom 18/1/2009.Cinemax-O 17:15 Dom 18/1/2009. Cinemax-E 11:45 Sab 24/1/2009. Cinemax-O 15:45 Sab 24/1/2009.

            (Y antes de la peli no te pierdas el corto documental de 40 minutos La Corona, dirigido por Amanda Micheli e Isabel Vega. La Corona nos presenta la historia real —es un documental, recordemos— de un concurso de belleza en una cárcel colombiana. El detalle más particular: se trata de una prisión de alta seguridad que hospeda —es un eufemismo, lo sé— a los delincuentes que ninguna otra cárcel desea. La Corona recibió nominación a Mejor Corto Documental en el Oscar.

            Retrasmisiones: Cinemax-O 20:45 Jue 25/12/2008. Cinemax-E 03:45 Mie 7/1/2009. Cinemax-O 07:45 Mie 7/1/2008. Cinemax-O 03:00 Lun 12/1/2009. Cinemax-E 16:45 Sab 17/1/2009. Cinemax-E 17:15 Dom 25/1/2009. Cinemax-O 21:15 Jue 29/1/2009).

En Maré, nossa história de amor (2007) la directora Lúcia Marat (Que Bom Te Ver Viva, Quase Dois Irmãos, Olhar Estrangeiro) nos presente una adaptación de Romeo y Julieta de Shakespeare, pero centrada en la dura vida de la favela de Maré en Río de Janeiro, donde, en lugar de los Montesco y los Capuleto, tenemos a dos bandas rivales de narcotraficantes. Sus protagonistas, son Analídia (Cristina Lago), la hija del líder de una de las bandas, y Jonata (Vinícius D'Black), amigo del otro líder de la banda. En este caso, Analídia y Jonata pertenecen a una escuela de danza que se encuentra en una especie de zona de nadie donde las dos bandas mantienen cierta tensa neutralidad. Es allí donde la amistad de infancia de los dos protagonistas se transforma en un amor sensual marcado por la danza y la música. Así, la directora convierte a Maré, nossa história de amor, se convierte en un homenaje y una muestra de lo mejor de la música y a la danza contemporáneas de Brasil. Violencia, arte y amor se funden de un modo magistral para darnos un trabajo cinematográfico muy cercano al documental, pero con una ficción bien estructurada.

Lúcia Marat es una cineasta que se ha dedicado a la lucha social, y su cine lo refleja. Este trabajo, aunque no se aparta de la preocupación humanista, resulta un tanto, diferente, menos duro, más luminoso y en cierto sentido más esperanzador (cabe acá recordar que la Marat fue secuestrada, torturada y luego obligada a irse al exilio durante la dictadura brasilera de los años setenta).  El guión del film corre por cuenta de Paulo Lins, el mismo de Quase Dois Irmãos (2004) de la Marat, y la muy conocida internacionalmente Cidade de Deus (2002) de Fernando Meirelles.

            Maré, nossa história de amor, el martes 16 de diciembre en la señal este, y el martes 23 en la señal oeste dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas hay mucho, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 13:00 Mie 31/12/2008. Cinemax-O 17:00 Mie 31/12/2008. Cinemax-E 06:30 Dom    4/1/2009. Cinemax-O 10:30 Dom 4/1/2009. Cinemax-E 09:30 Mie 7/1/2009. Cinemax-O 13:45 Mie 7/1/2009. Cinemax-E 11:45 Mar 13/1/2009. Cinemax-O 15:45 Mar 13/1/2009. Cinemax-E 06:00 Sab 17/1/2009. Cinemax-O 10:00 Sab 17/1/2009. Cinemax-E 11:00 Jue 22/1/2009. Cinemax-O 15:00 Jue 22/1/2009. Cinemax-E 09:30 Vie 30/1/2009. Cinemax-O 13:30 Vie 30/1/2009.

            (Y antes de la peli te invito a ver While The Widow Is Away, un cortometraje dramático de 2004 dirigido por Adam Reid que nos cuenta la historia de una viuda de Manhattan que solicita los servicios del conserje para que le repare la puerta y el lavaplatos… Pero no, la cosa no va por dónde pudiéramos creer. La señora resulta que se va, y el conserje no tardará en disfrutar de las comodidades y de la sonoridad del piano de la casa. Ahí te lo dejo.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:00 Dom 28/12/2008. Cinemax-E 08:45 Mie 31/12/2008. Cinemax-O 12:45 Mie 31/12/2008. Cinemax-O 20:45 Sab 17/1/2009. Cinemax-E 12:30 Dom 25/1/2009. Cinemax-O 16:30 Dom 25/1/2009.)

Geremia (Giacomo Rizzo) es un viejo feo, tacaño, cínico y repugnante; un prestamista que además de amargado, se mete en la vida de sus deudores siempre con la excusa de ser un “amigo de la familia”. Geremia está muy unido a su madre, una mujer postrada en cama, y está obsesionado con unas cajas de seguridad donde acumula el dinero que produce. Tiene además un serio problema con las mujeres: Las desea pero al mismo tiempo las repele. Pero resulta que un cliente se acerca a pedirle dinero para con el fin de pagar la boda de su hija, y al poco Geremia se enamora de la hermosa muchacha (Laura Chiatti). Entonces, todo cambia.

Un personaje tan singular como éste podrás disfrutarlo en el film El amigo de la familia (L´amico de la famiglia, 2006) del director Paolo Sorrentino, una película extravagante, experimental en su historia y en su propuesta estética que nos hace pensar en Fellini y Lynch como los maestros del joven cineasta italiano. Se trata de una comedia con cierto toque de thriller que amarás u odiarás, pero en todo caso, no te dejará indiferente.

El amigo de la familia, el martes 9 en la señal este y el martes 30 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos. De cine, sólo Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 15:30   Lun 5/1/2009. Cinemax-O 20:00 Lun 5/1/2009. Cinemax-E 18:00 Jue 8/1/2009. Cinemax-E 03:00 Lun 12/1/2009. Cinemax-O 07:00 Lun 12/1/2009. Cinemax-O 01:30 Jue 15/1/2009. Cinemax-E 12:30 Mar 20/1/2009. Cinemax-O 16:30 Mar 20/1/2009. Cinemax-E 13:30 Vie 23/1/2009. Cinemax-O 17:30 Vie 23/1/2009. Cinemax-E 10:45 Lun 26/1/2009. Cinemax-O 14:45 Lun 26/1/2009. Cinemax-E 15:30   Jue 29/1/2009. Cinemax-O 19:30 Jue 29/1/2009.

(Y te invito a ver antes de la peli Our Time Is Up, un cortometraje de 2004 dirigido por Rob Pearlstein. La historia humorística y confrontacional de un terapeuta de nombre Leonard Stern quien, con apenas seis semanas de vida, adopta un inusitado tratamiento para sus pacientes: la honestidad brutal. En el rol protagónico se encuentra Kevin Pollack.

Our Time Is Up recibió nominación al Mejor Corto de Acción en el Oscar, así como múltiples premios internacionales.

Retransmisiones: Cinemax-O 16:15 Sab 3/1/2009. Cinemax-E 08:30 Dom 4/1/2009. Cinemax-O 12:30 Dom 4/1/2009.)                              

El film 99 Fracs nos cuenta la historia de Octave, un creativo de una prestigiosa agencia publicitaria de París. Octave, como muchos creativos, está harto, asqueado de la mediocridad del medio, sobre todo de los maravillosos directores de marketing.  Así que un buen día, Octave decide cambiar el rumbo de las cosas y se monta un plan para provocar su despido. El despedido, supuestamente le dará una gorda jubilación anticipada. ¿Cuál es el plan? Escribir un libro que le de duro al mundo de la publicidad. ¿Lo logrará Octave?

En este punto, el rizo se riza, y cabe decir entonces que 99 Francs es originalmente una novela publicada en 2003, cuyo título es 13,99. La novela está escrita por un ex copy (creativo) de nombre Fréderic Beigbeder, y cuenta sus experiencias biográficas en el medio. Beigbeder se convirtió, gracias a este libro, en un autor best seller en su país. Parece que en Alemania es también todo un éxito. Beigbeder ha sido comparado en su estilo y su desparpajo a la hora de atacar con Bret Easton Ellis y de Michel Houellebecq.

Con todo este éxito, no es de extrañar que hayan querido llevar 13,99 al cine; y así lo hicieron. Bajo la dirección de Jan Kounen y protagonizada por Jean Dujardin, veremos a Octave sumido en un mundo de drogas, sexo, fiestas y toda esa parada autodestructiva con el sólo fin de huir de la mediocridad y de la vida insatisfecha. En el film, todo esto está contado desde un cinismo dramático que se apoya en mucha cámara movida (muy MTV, ¿muy Tony Scott?) y en una fotografía de colores estridentes que reflejan la agitación urbana, pero también el delirio, el oportunismo y la mentira de un lugar deshumanizado donde nadie, ni siquiera el protagonista pareciera establecer empatía con su público. No se trata de una película fácil. Es una parodia dura, realmente dura del mundo de la publicidad, que además abre un campo importante para la una reflexión.

99 Francs, el martes 2 de diciembre en la señal este, y el martes 9 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 19:30 Mar 2/12/2008. Cinemax-O 23:30 Mar 9/12/2008. Cinemax-E 21:00 Vie 12/12/2008. Cinemax-O 01:45 Mar 16/12/2008.

(Y antes de la peli, te invito a ver The Mantis Parable, un corto de 2005 dirigido por el norteamericano Josh Staub. Es una pieza de animación computarizada que Staub realizó él solo durante 18 meses y en sus ratos libres. Todo, desde la música, el sonido y la historia fueron creados por él. The Mantis Parable se desarrolla enteramente sobre la mesa de un coleccionista de insectos y se inicia con el despertar de un “ciempiés” dentro de una jarra. En uno de sus varios intentos por escapar, el “ciempiés” solicita ayuda a una mantis que se asoma a la ventana, pero ésta se muestra indiferente y se dedica a pasear por el cuarto del coleccionista. En cierto momento, la mantis también cae presa, y ya el “ciempiés” no está en la jarra. Acá comienza la parte interesante y no contaré más. Sólo queda ver el corto).

            Esta es una película de palabras mayores, una obra maestra, una grandiosa joya del séptimo arte. Si alguna vez pensaste que el gran cine, el cine de verdad había desaparecido bajo los millones de dólares de Hollywood, pues tendrás que ver La maldición de la flor dorada (The Curse Of The Golden Flower, 2006).

Zhang Yimou (o Yimou Zhang) es uno de los directores chinos más conocidos y más importantes en nuestros tiempos. Cuenta en su carrera con una obra maestra como Hero (2002) y La casa de las dagas voladoras (2004), dos películas que han sido vistas, reseñadas y disfrutadas en el orbe. La maldición de la flor dorada es otra demostración de que Zhang Yimou es un maestro, y que sabe combinar a la perfección el virtuosismo de la fotografía, el presupuesto de una gran producción, la acción del wushu (arte marcial china) y el drama bien estructurado y certero. En este caso, con respecto a la historia, Zhang Yimou nos presenta una escena con referencias absolutamente operáticas. Un emperador, una gran celebración, un hijo rebelde, un hermanastro y una emperatriz que está siendo envenenada por el mismísimo emperador. En el rol del emperador hay que destacar a Chow Yun-Fat, quien dejó de hacer películas de acción para demostrar que puede dar más, y a la hermosísima Gong-Li en papel de la emperatriz.

            La maldición de la flor dorada no es una película de artes marciales, tampoco es una exagerada producción llena de virtuosismos visuales; está trabajada en un perfecto equilibrio que la lleva a otros niveles y nos hace afirmar que se trata de obra suprema, de palabras mayores.

            La maldición de la flor dorada, hoy martes 18 de noviembre en la señal oeste y el martes 25 en la señal este de Cinemax dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:45  Sab 29/11/2008. Cinemax-E 17:15 Mar 2/12/2008. Cinemax-E 21:30 Vie 5/12/2008. Cinemax-E 15:45 Lun 8/12/2008. Cinemax-O 19:45 Lun 8/12/2008. Cinemax-E 20:45 Jue 11/12/2008. Cinemax-O 21:30 Dom 14/12/2008. Cinemax-E 17:30 Mie 17/12/2008. Cinemax-O 01:30 Sab 20/12/2008. Cinemax-E 21:45 Lun 22/12/2008. Cinemax-O 21:30 Jue 25/12/2008.Cinemax-E 17:30 Dom 28/12/2008. Cinemax-O 21:30 Mie 31/12/2008.

            (Y antes de la peli, te invito a ver Brith of Industry, un cortometraje de 2004, dirigido por Gabriela Tollan. Ya de esta directora pudimos ver otra pieza en Cortos Max, en aquella ocasión You Turned Back and Held My Hand, un trabajo delicado lleno de hermosas imágenes y de mucho desencantamiento amoroso en lo que respecta a contenido. Esta vez, la Tollman no ofrece la historia de Maya, una joven que surge misteriosamente del océano para dar a luz a un hijo. Este hijo, a su vez, crece a una velocidad impredecible, y se aventura en el mundo industrializado, mientras que su madre lo busca y vive experiencias dolorosas).

            A casa de Alice (2007) el primer filme de ficción de Chico Teixeira es una visión innovadora, inteligente y muy bien actuada de una familia brasileña de un barrio de clase media en Sao Paulo. Una familia que, después de vivir durante años bajo la sombra de su tristeza, de pronto se ve expuesta a sus propias verdades en un duelo de amor y mentiras que marcan el derrumbe de las relaciones. Como centro de estos dramas pequeños pero intensos, se encuentra Alice, una peluquera de cuarenta años, casada con Lindomar, de oficio taxista. Con el matrimonio en crisis, Lindomar le presta muy poca atención y le es infiel a su mujer con una vecina de la que Alice podría ser su madre. En esa pequeña casa, viven además los tres hijos de Alice, unos buenos para nada que sólo comen pasta haciendo sonidos horrendos y que ven televisión como autómatas. Uno de ellos es gay y estudia para militar, el otro es un ladronzuelo y el tercero está atravesando por la difícil adolescencia. Entre esas cuatro paredes también vive la madre de Alice, una mujer que todos ignoran, pero que conoce a la perfección los secretos de cada uno. Así, en medio de ese profundo vacío, Alice decide hacer algo para sentirse viva y se busca un antiguo amor de colegio. Lo que no saben todos los personajes de esta cinta, es que una verdad irá destapando otra verdad, y así, en un arrebato duro y conmovedor de pasiones y secretos.

            A casa de Alice estuvo presente en las selecciones oficiales de los festivales de Toulouse, Berlín y de San Sebastián, y fue premiada en este último festival con el Premio TVE. También ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio a Mejor Actriz (Carla Ribas) en el Festival de Guadalajara. La Ribas también se llevó premios en varios festivales de su país. Y es que su actuación, es sin duda impecable.

            A casa de Alice, el martes 18 de noviembre en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras.

       Retransmisiones: Cinemax-E 13:30 Vie 21/11/2008. Cinemax-O 17:30 Vie 21/11/2008. Cinemax-E 08:00 Mie 26/11/2008.  Cinemax-O 12:00 Mie 26/11/2008. Cinemax-E 02:30 Mar 2/12/2008. Cinemax-O 06:30 Mar 2/12/2008. Cinemax-E 10:45 Jue 4/12/2008. Cinemax-O 15:15 Jue 4/12/2008. Cinemax-E 13:15 Mie 10/12/2008. Cinemax-O 17:15 Mie 10/12/2008. Cinemax-E 10:30 Lun 15/12/2008. Cinemax-O 14:45 Lun 15/12/2008. Cinemax-E 01:45 Vie 19/12/2008. Cinemax-O 05:45 Vie 19/12/2008.         

            (Y te invito a ver antes de la peli: Victoria Para Chino, un cortometraje de 2004 dirigido por Cary Fukunaga que hace referencia al peor caso de fallecimientos de inmigrantes mexicanos en la historia de Estados Unidos. En 2003, policías de inmigración encontraron a más de 70 personas en último estado de vida dentro de un tráiler abandonado en Texas. Ya cuando para cuando el tráiler fue abierto, 18 habían fallecido, entre ellos un niño de cinco años. Las personas sufrieron deshidratación, hipertermia y asfixia. En este cortometraje de 13 minutos, Fukunaga interpreta desde la ficción esos momentos de esperanza, dolor, angustia y muerte.  

El cortometraje recibió la mención de honor el Jurado en el Festival de Sundance en 2005).

            Niñas Mal (2007) de Fernando Sariñana es una comedia juvenil que hace uso de los formatos de la comedia adolescente norteamericana, pero claro, aplicado todo a la vida mexicana. La historia es más o menos ésta: Adela León (Martah Higareda) es la hija de un senador conservador (Rafael Sánchez) que ve a su hija rebelde como un obstáculo en el camino de su éxito político. Como debe asistir con ella a una cena donde recibirá una ayuda económica importante, el senador decide mandarla a un internado para señoritas a ver si se compone en el transcurso de un mes. Allí la rebeldía de Adela dará mucho de qué hablar, una vez que entré en componenda con otras chicas del internado, todas particulares y muy bien definidas dentro del formato.

La amistad, la generosidad, el crecimiento espiritual y mucha comedia fresca son los elementos principales de Niñas malas. La banda sonora merece un aparte, pues resulta poderosa y totalmente juvenil, adecuada a lo que cuenta (María Barracuda, Nikki Clan, Pambo, Natalia y la Forquetina, Sin Bandera y Ximena Sariñana).

Digamos pues que la peli está bien y que puedes verla con tus hijos, o con tus padres, si tienes la edad de Adela. No es un film para darle duro a los sesos, tampoco para morirse a carcajadas, ni para sentir que uno salió conociendo una película más de nuestro acervo cultural cinematográfico; es simplemente una especie de cuento de hadas mexico-urbano para muchachas. Como producto está bien hecho.

Guerra avisada no mata soldados y esta película tiene su público. Ahí se las dejo.

            Niñas mal, el martes 11 de noviembre en la señal este, y el martes 25 en la señal oeste, dentro de espacio Panorama, cine sin fronteras. En Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 15:30 Sab 29/11/2008. Cinemax-O 19:15 Sab 29/11/2008. Cinemax-E 21:15 Mar 2/12/2008. Cinemax-E 17:15 Vie 5/12/2008. Cinemax-O 21:15 Vie 5/12/2008. Cinemax-O 21:15 Mar 9/12/2008. Cinemax-O 00:30 Vie 12/12/2008. Cinemax-E 17:45 Dom 14/12/2008. Cinemax-E 15:15 Mie 17/12/2008. Cinemax-O 19:15 Mie 17/12/2008. Cinemax-E 13:15 Sab 20/12/2008. Cinemax-O 17:15 Sab 20/12/2008. Cinemax-E 15:00 Mar 23/12/2008. Cinemax-O 19:00 Mar 23/12/2008.

            El hombre de su vida (2006) es una historia con elementos típicamente franceses: una casa de campo, un ambiente burgués, una pareja de mediana edad, uno que otro niño como decorado, unos amigos y un fin de semana. Sobre estos ítems que el cine francés suele trabajar, tenemos uno extra que cambia el acontecer de lo cotidiano, y que sacude a todos los personajes. En este caso, un hombre desfachatado y atractivo de nombre Hugo (Charles Berling, a quien puedes recordar como protagonista de Ridículo de Leconte). Hugo, al ser invitado a la casa, pone la vida de la pareja de cabeza. Frédéric (Bernard Campan) y Frédérique (Léa Drucker) están cada vez más separados, más distantes por el agotamiento de largos años de relación, y de pronto se ve metidos en el vórtice de tentación de este nuevo personaje, que resulta ser homosexual y que establece una fuerte relación con Fréderic. No obstante, Zabou Brietman, la joven directora de El hombre de su vida, tiene la exacta intención de no tomar por rumbos ya conocidos, y, sobre, desterrar todos los lugares comunes del caso. Frédéric y Hugo no se lanzan al desenfreno sexual y esto no es una mala película de manidos aconteceres homosexuales. Entre estos dos hombres empieza a existir una amistad intensa expresada en conversaciones que giran en torno al amor, la soledad, la vejez y el hastío matrimonial, todo siempre rodeado de lo que parece ser una fuerte atracción entre ambos. Claro, las cosas que tienen que llegar llegan, y no digo más. La mujer, Frédérique, juega acá un papel fundamental dentro de este particular triángulos ¿amoroso? No es causal, como podemos ver, que los nombres de los casados, sean fonéticamente parecidos.

            Hay mucho en este film que nos habla sobre lo humano y las relaciones de pareja. Hay mucho de amor y de sus delicias y acritudes. Hay mucho cine que piensa y también un intento de, a pesar de estar muy cercano al pensamiento de autor, adaptarse a lo comercial sin ceder terreno a los facilismos. Una propuesta atrevida, interesante y digna que disfrutarás y te dejará con el buen gusto de saberte respetado como espectador.

            El hombre de su vida, el martes 4 de noviembre en la señal este, y el martes 11 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cines sin fronteras. Sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 01:45 Mie 19/11/2008. Cinemax-E  21:15 Jue 20/11/2008. Cinemax-E 21:15 Dom 23/11/2008.

            (Y te invito a ver, justo antes de la peli, Briefing, un cortometraje dirigido por Lee Basannavar, que desde la comedia negra, nos muestra una conferencia de prensa en lo que parece ser el podio de prensa de la Casa Blanca. Con un cambio de temporal o un desenmascaramiento cerebral, el director nos muestra lo que ocurre ante las cámaras desde la más correcta diplomacia mediática, y luego lo que podría estar pasando por la cabeza del vocero, o lo que quizás sería, si no existiera el ocultamiento de los poderes, lo que en verdad escucharíamos de parte de este heraldo gubernamental. Excelente propuesta cargada del más radical humor negro que me recordó, y la propuesta de Liar Liar de Carrey, pero con unos niveles mucho más duros y más políticos.)

            Una historia fabulosa, divertida, inteligente, llena del más fino humor, donde no faltarán las orgías, las fiestas, el alcohol, los vuelos por la ciudad, mucha música de la buena, muchos hongos, tres hippies de hoy enclavados en los tiempos del flower power y, sobre todo, mucho orégano. Estamos hablando nada más y nada menos que de Wood & Stock: Sexo, Orégano y Rock and Roll (2006), una película animada dirigida por el brasilero Otto Guerra, basada en los cómics de los noventa creados por uno de los más grandes caricaturistas de Brasil: Arnaldo Angeli Filho, mejor conocido como Angeli.  Angeli, por cierto, aprobó la película lleno de contento; no es para menos, el trabajo tomó tres concienzudos años de producción y está muy cercano (sumamente cercano) a la esencia de lo que Angeli retrató en estos tres personajes fabulosos y divertidos pero al mismo tiempo decadentes y cínicos, y que le sirvieron de excusa al dibujante para retratar dos tiempos, una sociedad, un país y el mundo entero. La película es pues una maestra de gran valor artístico, que además cuenta con un repertorio musical de primera, donde tenemos, entre otros, a la gran Rita Lee y a Tom Zé (haciendo incluso las voces de dos de los personajes: Rê Bardosa y Raulzito).

            Wood & Stock: Sexo, Orégano y Rock and Roll, el martes 28 en la señal este, dentro del espacio Panorama.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:45 Jue 30/10/2008. Cinemax-O 02:00 Mar 4/11/2008. Cinemax-E 00:30 Sab 8/11/2008. Cinemax-O 03:15 Sab 8/11/2008. Cinemax-E 23:00 Lun 10/11/2008. Cinemax-O 01:15 Vie 14/11/2008. Cinemax-E 22:30 Dom 16/11/2008. Cinemax-E 01:00 Jue 20/11/2008. Cinemax-O 04:00 Jue 20/11/2008. Cinemax-E 23:45 Sab 22/11/2008. Cinemax-O 02:45 Dom 23/11/2008. Cinemax-O 01:30 Mie 26/11/2008. Cinemax-E 22:15 Vie 28/11/2008.         

            (Y antes de la peli, te invito a ver A Home for All, un cortometraje de 2003 escrito y dirigido por William Robert Greenfield. Es una comedia que nos cuenta la historia de dos guardabosques de San Francisco que han desarrollado un programa innovador para tratar con un problema "salvaje" que molesta a la mayoría de las grandes ciudades).

            Hay gente que piensa que el amor lo puede todo, que no importan las diferencias, ni las dificultades. Esa gente cree que el amor siempre estará ahí para superar cualquier obstáculo Pero es que, de verdad, hay gente demasiado romántica en este mundo, o cerrada, o que no piensa más allá de sus narices, y no se da cuenta que el amor no dura toda la vida ni es tan luminoso como parece de primer momento. Luego del fulgor, viene el golpe contra la dura pared de la realidad. Las personas, y esto es una gran verdad, cuando contraen matrimonio, no lo hacen solamente con la pareja, sino con su familia y con su cultura (la personal y la social). Es distinto eso que hacen muchas holandesas, suizas o norteamericanas, que llegan a una isla del Caribe y en una noche loca se buscan a su negro (disculpen pero no voy a decir la tontería esa de “afro-americano”) y se lo llevan a la cama. Ellas luego se van, y dejan a su negro feliz, a quien más nunca verán. Otra cosa es irse a África, a Kenya, por ejemplo, y enamorarse de un guerrero de alguna tribu africana, y creer que tú vas a dejar todo en la vida, absolutamente todo, por el amor hacia esa persona que es tan pero tan diferente a ti. Eso, para mí, queridos amigos, es una gran tontería, un esnobismo. Si eres una suiza y te llamas Carola, y tienes un repertorio determinado de concepciones culturales en la cabeza, no puedes ir a meterte a vivir en una tribu africana y pretender cambiarla, porque te parece que las cosas están mal. Lo siento, pero aunque nos parezca (a todos) que esa gente está equivocada, llegar a cambiar las cosas de buenas a primeras no es la solución. Y tampoco, y lo siento, el amor triunfará. Amiga, fuiste y te casaste con un guerrero samburu de Kenya, con alguien que tiene una manera absolutamente distinta a la tuya de entender el mundo. Es casi como casarte con un extraterrestre.

            Bueno, si quieren entender mejor de lo que hablo, y estar o no de acuerdo conmigo, los invito a ver La princesa Masai (The White Massai, 2005), un film dirigido por la alemana Hermine Huntgeburth, basado en la novela biográfica de Corinne Hofmann. Quizás Hermine nos quiso decir otras cosas, quizás nos quiso hablar del rol de la mujer en ciertas culturas, de algunas barbaridades que aún se comenten (con la mujer) y otras cosas más importantes. Pero esta es mi visión del film, que por cierto me gustó mucho y lo recomiendo. Una excelente fotografía, una excelente dirección de actores y una historia que deja mucho que pensar, tanto como para lo que nos quisieron decir la escritora y la directora, como para lo que uno concluye al verla. No sé, a lo mejor ellas nos quisieron decir, precisamente lo que yo pensé.

La princesa Masai, el martes 21 de octubre en la señal este, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-O 21:30 Lun 27/10/2008. Cinemax-E 22:00 Jue 30/10/2008. Cinemax-E 18:15 Lun 3/11/2008. Cinemax-E 22:30 Jue 6/11/2008. Cinemax-O 02:00 Lun 10/11/2008. Cinemax-E 15:30 Mie 12/11/2008. Cinemax-O 18:30 Mie 12/11/2008.  Cinemax-E 18:30 Dom 16/11/2008.  Cinemax-O 21:30 Mie 19/11/2008. Cinemax-E 14:00 Sab 22/11/2008. Cinemax-O 17:00 Sab 22/11/2008. Cinemax-E 13:45 Vie 28/11/2008. Cinemax-O   16:45  Vie 28/11/2008.         

(Y antes de La princesa Masai, los invito a ver You Turned Back and Held My Hand, un cortometraje de 2005 dirigido por Gabriela Tollman. Una historia que nos habla de las diferencias entre el amor y el sexo, totalmente adecuado como introducción La princesa Masai. La historia de una chica que descubrirá que está absolutamente a solas en su mundo de ilusiones

Retransmisión: Cinemax-E 02:00 Dom 16/11/2008.)

            Madeinusa es un nombre, el nombre de una chica de 14 años. Yo he escuchado otros como Usnavy (US NAVY), o Michael Jordan Chacón, o Raigtnau (Right Now). Son nombres que hacen referencia a la cultura norteamericana, a cómo nuestros pueblos están influidos por ella. El film Madeinusa (2006), ópera prima de la directora peruana Claudia Llosa (sobrina del escritor Mario Vargas Llosa), nos lleva por esos caminos. Por las rutas de la fascinación, el embrujo y el horror del encuentro de culturas, sobre todo cuando una de ellas está sumida en la pobreza, en el abandono. Pero también más, mucho más que esto.  Es decir, no se queda en esta aparente militancia y nos muestra el Tánatos y el Eros en un juego brutal donde lo sagrado y lo profano estallan en una fascinante pirotecnia de imágenes.

Hablemos un poco de la historia: Madeinusa es una chica de catorce años que vive en un apartado pueblito de Perú. Tiene una hermana, y un padre que abusa de ambas, pero que prefiere a Madeinusa. Estamos pues ante una situación no común, pero sí frecuente en ciertos niveles socio-económicos de Latinoamérica y del mundo, donde la brutalidad masculina paterna lleva a las más horrenda aberraciones. La historia del film transcurre durante un breve período de la Semana Santa. En este pueblo ficticio (cabe destacarse tal cosa), se lleva a cabo una extraña celebración: allí se tiene la creencia que en los días posteriores a la muerte de Cristo, los pobladores pueden hacer lo que mejor les venga en gana, porque Dios, como está muerto, no los está viendo. Así, justo en estos días de gracia, aparece en el pueblo un joven norteamericano de nombre Salvador. Salvador atrapa la atención de Madeinusa (“¿Has visto sus ojos? Son más claritos”), y ella entonces, en ese tiempo “santo” en que Dios no puede verlos, decide hacer lo que mejor le parece, lo que ella realmente quiere hacer, lo que su corazón y sus ganas le dicen. Así de sencillo.

            Madeinusa es un film que causó controversia en Perú, y que fue acusado de cuanta cosa se le puede ocurrir a la gente. No es, sin duda, una película fácil. Los juicios quedan pues de parte de quien la vea. Yo me limito a decirte que está excelentemente fotografiada, que fue hecha con economía de recursos, pero su calidad es innegable, y que tiene un ritmo lento y minimalista tanto en sus actuaciones como en la música, que nos hace pensar en el ritmo de vida de aquel lejano poblado en el que, un día, apareció alguien que trajo odios como huracanes. Lo profano, lo sagrado, el sexo, la libertad, la inocencia, el abuso del poder, son los temas que conforman la terrible historia de esta película. Muy notable la actuación de la también primeriza Magaly Solier en su rol de Madeinusa.

            Madeinsusa, el martes 14 de agosto en la señal este, y el martes 28 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:45 Dom 2/11/2008. Cinemax-O 01:30 Vie 7/11/2008. Cinemax-O 21:45 Dom 9/11/2008. Cinemax-E 18:45 Mie 12/11/2008. Cinemax-E 13:30 Sab 15/11/2008. Cinemax-O 16:45 Sab 15/11/2008. Cinemax-E 18:30 Mar 18/11/2008. Cinemax-E  03:45   Sab 22/11/2008. Cinemax-O 06:45   Sab 22/11/2008. Cinemax-O 01:30 Mar 25/11/2008. Cinemax-E 17:00 Jue 27/11/2008. Cinemax-O 20:00 Jue 27/11/2008. Cinemax-O 05:15 Dom 30/11/2008.        

            (Y te invito a ver antes de la peli, Cell Call, un corto de 2004 dirigido por Anton Linecker. La historia de un hombre que, mientras conduce su auto, recibe una llamada y, a partir de ese momento, su vida cambia. Un final conmovedor, no sé si totalmente sorprendente, aunque creo que eso ya cuando llegamos a sus últimos minutos, es lo de menos).

          Es interesante entrar en la página WEB de Pudor y encontrarse con la definición de pudor que da el diccionario.

Pudor: (Del lat. Pudor-oris) m. honestidad, modestia, recato. (Del lat. Putor-oris) m. Mal olor, hedor.

Nada más contradictorio y al mismo tiempo acertado. Pienso, por ejemplo, en el mal aliento (y perdonen lo procaz). Alguien con mal aliento y que sabe que lo tiene, evita abrir la boca. Evita hablar. Esa persona con halitosis, puede pasar por recatada, por modesta. No sé si ahí cabe la honestidad. En los casos donde la honestidad se pone a prueba, a veces hace falta hablar. Aunque también hay que dice: “no aclares, que oscurece”. Aunque, yéndonos hacia lo contrario, otro dicho dice: “Quien calla otorga”. Pues bien, el asunto es que la persona con mal aliento, calla. No dice muchas cosas que pudiera decir, porque sabe que su boca huele mal, que “por dentro” huele mal. Es éste quizás el caso del film Pudor (2005). No es que haya gente con mal aliento, pero sí personas con algo por dentro que huele mal (“algo huele mal en Dinamarca”), o que ellos suponen que huele mal. Son secretos, verdades profundas y muy íntimas que a otros, los seres cercanos y los no tan cercanos, pueden parecerle algo horrendo, algo despreciable, algo para desterrarte del mundo. Este film dirigido por los hermanos Ulloa, David y Tristán, está basado en la novela del autor limeño Santiago Roncagliolo (ganador del premio Alfaguara de novela por Abril rojo), y nos presenta varias historias, unidas por el mismo pudor: un hombre que va a morir y que lo oculta, una chica con dudas sobre su sexualidad, una mujer que recibe notas eróticas anónimas, una niño que ve fantasmas y un hombre mayor que se vuelve a enamorar. La película está dirigida con mucha sencillez, y es casi tímida en la visual y en la aproximación de sus personajes, como si la cámara no quisiera terminar de entrar en sus vidas, como si también tuviera pudor de descubrir sus secretos y de desplazarse por ese mundo urbano, de silencios, de espacios cerrados, de neutralidad e impotencia.

            Pudor, un excelente film español basado en una novela de un autor limeño, ideal para Panorama, el espacio donde no existen fronteras.

Te invito a verla el 30 de septiembre en la señal este, sólo por Cinemax. Porque  ya sabes, canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            (Y como siempre, no dejes de estar un poco antes de la peli para que puedas ver Second Toughts, un cortometraje del año 2005 dirigido y escrito por David W. Woods, basado en un cuento del reconocido autor Hubert Selby, Jr. —Last Exit to Brooklyn, Requiem for a Dream. Un hombre enamorado, una mujer para enamorar, un restaurante, y unas inevitables segundas intenciones).

            De Italia nos llega Nuovomondo (The Golden Door, 2006), una película sobre inmigrantes italianos que llegan a principios del siglo veinte a los Estados Unidos. ¡Uy, sí, qué original dirás! Pues debo decirte que sí, porque Nuovomondo está hecha de una manera diferente. Digamos que su escritor y director, el italiano Emanuele Crialese (Respiro) pensó esta película con las partes olvidadas de otras películas. Donde vemos a un hombre italiano en Sicilia montándose en un barco, en Nuovomundo nos invitan a ver cómo es la vida en una isla árida como Sicilia, simbolizada principalmente a través de una dura escaparda; donde vemos a un hombre viajando en un barco por treinta segundos, Nuovomondo nos invita a experimentar la nada agradable travesía de los inmigrantes en uno de esos barcos por un buen rato; donde vemos a la estatua de la Libertad y luego a un italiano caminando por la América soñada, aquí vemos el difícil paso por la puerta de oro, que es en realidad la “isla de las lágrimas”, la famosa Ellis Island, el lugar donde eran recibidos muchos inmigrantes para ser sometidos a duros tratos médicos muchas veces incluso desde una perspectiva pseudo médica donde se consideraba que algunas razas eran inferiores genéticamente. De hecho, Ellis Island, según la investigación del director, fue no sólo un lugar para recibir en cuarentena a los inmigrantes, sino que también fue aprovechado como laboratorio para estudios eugenésicos.

Ahora, toda esta historia es vista a través de una familia italiana, cuyo patriarca, Salvatore Mancuso (Vincenzo Amato) es el pivote que nos llevará a adentrarnos en la experiencia de quien deja su patria a la búsqueda de una vida mejor. Salvatore es un hombre lleno de inocencia y fantasías, dos cosas que funcionan como excusa fenomenal para ir mostrando los enfrentamientos con la realidad. Fascinante la figura de la inglesa misteriosa (Charlotte Gainsbourg), simbólica y al mismo tiempo producto de esa fantasía en la que tanto se solaza el director. También inolvidable como recreación cinematográfica y surrealista resulta el río de leche, cuyos simbolismos saltan a la vista (la leche como sueño generador de prosperidad). En momentos, Salvatore choca con la realidad y se duele, en otros, la fantasía vence la dura pared en un hermoso triunfo poético. Salvatore así enfrenta al mundo desde su mundo, desde sus conocimientos de humilde italiano. De este modo, el film resulta también una exploración sensorial, imaginativa y fotográfica a la nacionalidad y a la esencia del hombre cuando otra nueva realidad lo confronta.

Nuovomondo, el martes 16 de septiembre en la señal este de Cinemax, dentro del Panorama, cine sin fronteras.       

Retransmisiones: Cinemax-E 16:30 Lun 22/9/2008. Cinemax-O 18:30 Lun 22/9/2008. Cinemax-E 22:15 Jue 25/9/2008. Cinemax-O 00:45 Lun 29/9/2008. Cinemax-E 15:30 Vie 3/10/2008. Cinemax-O 17:30 Vie 3/10/2008. Cinemax-O 00:15 Mar 7/10/2008. Cinemax-E 14:30 Mie 8/10/2008. Cinemax-O 16:30 Mie 8/10/2008. Cinemax-E             23:30 Lun 13/10/2008. Cinemax-O 00:30 Lun 20/10/2008. Cinemax-E 22:30 Jue 23/10/2008. Cinemax-E 09:45 Dom 26/10/2008. Cinemax-O 12:45 Dom 26/10/2008.

            Yo no sé, el esnobismo es una cosa seria. El esnobista vive de los clichés, de los lugares comunes, de lo exquisito y la falsa alegría de vivir en un mundo que se derrumba. Los esnobistas son loquitos que, sin darse cuenta, pueden terminar haciendo mucho daño. A los demás, e incluso a ellos mismos. Así veo yo un poco Asesinas (Meutrières, 2006) del francés Patrick Grandperret. Se trata de dos niñas loquitas que se conocen en una clínica siquiátrica. Una está ahí porque se supone que mató a su papá provocándole un infarto en una discusión, y la otra porque intentó suicidarse. Nina (Hande Kodja) y Lizzy (Céline Salette) se hacen muy amigas y empiezan a soñar con el mundo exterior. Sueñan, como loquitas inocentes con mil aventuras de juventud. Tienen una cantidad de clichés en su cabeza de lo que es ser rebeldes y atrevidas. Entre ellos, dormir al aire libre en una playa, contemplar el atardecer, irrumpir en una casa, incluso prostituirse. Cuando se finalmente se escapan, intentan vivir todo esto que han soñado con una gran dosis de energía, de fuerza e ilusión. Ya en la calle, no tienen donde dormir, donde bañarse y se encuentran sin dinero. Esnobistas de la inocencia, se dejan llevar igual por lo que están viviendo, conocen a un personaje fundamental en la historia y ahí se van directo al barranco. Asesinatos, violación, delincuencia, lo que viene no es un caramelito. Es inevitable dejar de pensar un poco en Thelma & Louise de Ridley Scott como referente, aunque la idea venga originalmente del director Maurice Pialat, ganador de la Palma de Oro en Cannes en 1987. Por su parte, Asesinas obtuvo el Premio del Presidente del Jurado en Cannes en 2006.

            Asesinas, el martes 9 de septiembre en la señal este y el martes 23 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras.

            Retrasmisiones: Cinemax-E      22:30 Vie 26/9/2008. Cinemax-O 01:00 Mar 30/9/2008. Cinemax-E 22:45 Jue 2/10/2008. Cinemax-O 00:00 Lun 6/10/2008. Cinemax-E 22:45 Mie 8/10/2008. Cinemax-O 00:30 Mar 14/10/2008. Cinemax-E 17:15 Jue 16/10/2008 Cinemax-O 19:15 Jue 16/10/2008. Cinemax-E 22:30 Lun 20/10/2008. Cinemax-E 00:30 Sab 25/10/2008. Cinemax-O    02:30 Sab 25/10/2008. Cinemax-E 16:15 Mar 28/10/2008. Cinemax-O 19:15 Mar 28/10/2008.               

            (Y no dejes de ver antes de la peli, el corto What are yo having?, dirigido por Benjamin Meyer. Este corto fue ganador del Gran Premio de Cortometrajes en Deauville en el año 2003, con Roman Polanski, como cabeza del jurado. Se trata de la historia de Sam, un muchacho tímido que está en un café y se inventa toda una cantidad de maneras de aproximarse a una joven que, como él, está también sola en aquel sitio. Hay que tomar en cuenta las conversaciones que se escuchan en el café, mientras Sam contempla a la muchacha y trata de concentrarse en su plan de ataque. La pregunta final es: ¿Se presentará Sam a la joven? Soledad, ternura, imaginación, incomprensión y el amor de pareja, un corto dramático, tenso, con cierto toque de humor negro que no debes perderte. Ah, para los chicos: anoten alguna de las estrategias pensadas por Sam, puede que algunas les sirvan.

            Retransmisión:  Cinemax-O 09:00 Mie 29/10/2008.)  

            Mucha gente piensa que no tiene prejuicios, que está libre de todo tabú, y quizás así sea, cómo no. Es gente moderna, civilizada. Así lo piensa, por ejemplo, Miriam. Una mujer de treinta años, que está muy bien, muy guapa y en excelente condición física. Miriam vive una vida tranquila, no le va mal y justo ahora está en una casa de veraneo con su esposo André y su hijo Nils, quien acaba de llegar con su novia Livia, una niña de doce años que aparenta mucho más.

No sospecha Miriam que esta niña es toda una nínfula, una excelsa heredera de la Lolita de Navokov. Con la llegada de Livia todas las seguridades de Miriam se van al suelo. Primero, comienza a pensar que la “niña” se ha enredado con un hombre de unos treinta años de nombre Bill. Afectada por esto, horrorizada incluso, Miriam decide ir a hablar con Bill, y termina enredada ella… con Bill, quien a su vez, aunque le gustan las fiestitas, está enamorado de Livia. Celos, rechazo, amor, competencia, una mujer madura y bella y una Lolita, toda una fórmula explosiva que se adentra en los temas del deseo y sus catástrofes.

Por estos lados va la historia que nos cuenta Sommer ’04 (2006), del director alemán Stefan Krohmer (They've Got Knut), un drama con fuertes dosis de realismo tanto en la dirección como el guión. Sommer ’04, en ese sentido es una manera distinta de entender el guión y el cine. Todo en esta película se centra en la historia y en su presente. No busca explicaciones antes del film, no ahonda en el pasado, los personajes se mueven por una fuerza interna, por pasiones que tú supones contienen un sustrato; no obstante, ni al director, ni a su guionista, Daniel Nocke, les interesa contarnos más atrás o más allá. Su técnica en ese sentido, no sólo es realista, sino que además obedece al sentido narrativo cinematográfico más radical. Narrar lo que se ve, como si fuese un documental, como si fuese una cámara escondida, la vida misma. De allí que su historia no resulte moralista, pero sí digamos muy cínica. Por todo esto, el film ha tenido presencia y buena recepción en el festival de Cannes 2006, en Edimburgo, en Toronto y en Viena, entre otros.

            Sommer ’04, el martes 2 de septiembre en la señal este, y el martes 9 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras, en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 16:15      Vie 12/9/2008. Cinemax-O 18:15 Vie 12/9/2008. Cinemax-O 00:45 Mar 16/9/2008. Cinemax-E 18:45 Jue 18/9/2008. Cinemax-O 00:30 Lun 22/9/2008. Cinemax-E 00:45 Jue 25/9/2008. Cinemax-O 02:45 Jue 25/9/2008.

            (Y antes de Sommer ’04, te invito a ver Stationery, un corto de 2006 hecho totalmente con animación computarizada, dirigido por Jason Fariley, un joven holandés que llegó al Reino Unido a estudiar matemáticas, al mismo tiempo que se interesó por aprender y hacer cine a través de la sociedad Film Making Society de la universidad de Warwick. Jason ha trabajado como artista de 3-D en Hellboy II y también, a través de la compañía Double Negative de efectos especiales, en el próximo film de Harry Potter.

            Stationery es una historia que transcurre en un escritorio, y nos presenta la lucha entre una hoja en blanco y una engrapadora muy mal humorada. Muy divertido y con un sabroso y reconfortante final.

            Visita la página de Jason: http://www.jasonfairley.com

            Retransmisiones: Cinemax-O 19:30 Sab 13/9/2008. Cinemax-E 05:15 Dom 21/9/2008.)

            Esta película es la recreación de la verdadera historia de amor del director J. Emilio Rondeau, y su esposa (la co-guionista del film), Ana Maria Bahiana, que transcurre en los setenta y en Rio de Janeiro. No obstante, a pesar de que unimos los setenta a la sensual ciudad (es decir, a la idea de la locura segura), 1972 (2006) resulta una historia romántica inusual entre dos personas en plena época del rock, el amor y las drogas. Y digo inusual, porque lo que uno espera que sea una tanda de sobresaltos y de momentos alucinantes (en toda la extensión de la palabra), con mucho sexo, termina siendo otra cosa, marcada por la fidelidad. Pero ya no les cuento más. La historia de Rondeau y Bahiana transcurre de otra manera, y eso es lo que la hace atractiva, porque no se va por el lugar común.

            1972, el martes 26 de agosto en la señal este de Cinemax, dentro del espacio Panorama. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax,

            Retransmisiones: Cinemax-O  22:30  Mar  30/9/2008.

            (Y antes del film, no dejes de ver Foster, un cortometraje conmovedor de 2005, dirigido y escrito por el inglés Jonathan Newman. Foster nos presenta a un joven correcto, adulto, dando consejos a la cámara sobre el arte de portarse bien y lograr la mayor meta de todas cuando se es huérfano: ser adoptado. El corto va paralelo con los momentos de su vida adulta. El tema del oso peluche es supremo. Para los adultos muy adultos, éste quizás sea el mensaje: Siempre habrá un niño en nosotros esperando cariño.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:15     Mie 10/9/2008. Cinemax-O 07:15 Vie 19/9/2008.)   

            Un hombre atropella a una liebre y la manda por los aires. Se baja del auto, va y la cura, y ahí, en medio del bosque, harto de su vida de ciudad, decide adentrarse en el campo y empezar a vivir una aventura junto a la liebre. En el camino, entre otras cosas, salva vidas, se mete en líos, emborracha a la liebre, tiene sexo, reta a un trío de patanes, y se reencuentra con su hermano, su madre y su padre. Esta es la gran aventura “ecológica” que nos cuenta el filme La liebre de Vatanen (2006), dirigida por el francés Marc Rivière (Le Crime d´Antoine, 1989) y protagonizada por Christopher Lambert. No obstante, cuando digo que se trata de un film “ecologista” lo digo entre comillas, porque no estamos hablando de un panfleto que pueda llegar a los extremos del absurdo o de lo cursi. La liebre de Vatanen, inspirada en la obra de uno de los escritores de Finlandia más reconocidos en estos últimos años, Arto Paasilinna (ex guardabosque de oficio, entre otros), se cuida muy bien de no caer en estos defectos de la mentecatería, y sigue la línea trazada por el libro. No es solamente de ecología de lo que nos hablan la novela y la película, sino de la relación del hombre con el entorno natural, en contrasentido a las sociedades materialista de nuestros tiempos que han llevado a muchos al suicidio; todo, desde una óptica cargada de humor, que desliga el tema de toda militancia radical. En un país como Finlandia, con altos índices de suicidio (y no por causas económicas), la literatura de Paasalinna (y esta película a un nivel más internacional) es un canto a la vida. Hay quien ha dicho, por cierto, que Paasilinna, inventó el “humor ecologista” con esta novela de culto en los países nórdicos. Yo no me suscribo totalmente a dicho criterio, pero puede resultar una buena guía para entender de qué van ambas obras. Aunque el film de Marc Rivière se ambienta en Montreal, el sentido original no se pierde, sino que más bien se amplía. Ahí, la insistencia por el impulso vital está también retratada. Finalmente, quiero cerrar con unas palabras del mismo Arto Paasilinna. Aquí se las dejo:

“La depresión puede revivirlo a uno si la vence. La alegría da contenido a la vida. La melancolía es el primer paso hacia la profundidad de ideas. El silencio serena y es como una fiesta. La muerte nos amenaza, pero también nos hace libres. La vida es un enorme regalo que no debemos subestimar. El bienestar sería algo así como un premio. Y la novela, un pedazo de vida.”

            La liebre de Vatanen, una película franco-belga dirigida por Marc Rivière sobre un libro de un autor finlandés; ideal sin duda para estar en nuestro espacio Panorama. Disfrútala el martes 19 de agosto en la señal este. En Cinemax, donde  el cine no tiene fronteras.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:15   Vie 22/8/2008 Cinemax-O 20:15 Vie 22/8/2008 Cinemax-E 18:45 Lun 25/8/2008 Cinemax-E 16:30 Jue 28/8/2008 Cinemax-O 18:30 Jue 28/8/2008 Cinemax-O 00:45 Lun 1/9/2008 Cinemax-E 21:45 Jue 4/9/2008 Cinemax-O 20:30 Mar 9/9/2008 Cinemax-E 11:15 Dom 14/9/2008 Cinemax-O 13:15 Dom 14/9/2008 Cinemax-O 20:45 Jue 18/9/2008 Cinemax-E 22:30 Mar 23/9/2008 Cinemax-E 18:15 Vie 26/9/2008 Cinemax-O 20:15 Vie 26/9/2008.                 

            (Y antes de esta recomendable película, te invito a ver Maestro, un cortometraje animado de 5 minutos dirigido por el húngaro Géza M. Tóth.  La historia de un brazo mecánico que prepara al pájaro de madera ante de salir a una misteriosa presentación. El final, totalmente inesperado. Maestro obtuvo nominación al Oscar y ganó varios premios internacionales.

            Retransmisiones: Cinemax-O 17:00 Dom 14/9/2008. Cinemax-E 18:30 Jue 25/9/2008).

            Los caminos de la vida (3 Needles, 2005), tal como dijo su director y escritor, Thom Fitzgerald, es un film que es casi una oración. Una oración religiosa. Y así es, sin duda. La religión está allí muy presente, y no solamente en una de sus 3 historias, sino en toda la película, como fondo alegórico. Por cierto, el tríptico (3 pinturas en una tabla) era un formato típico de los cuadros religiosos de la Edad Media y del Renacimiento.  En Los caminos de la vida el sacrificio y la redención son fundamentales, y eso lo vemos en cada una de sus tres historias, donde sus protagonistas deberán sacrificar algo de ellos, algo muy preciado, para salvar a otras personas. El arma mortal que deberán utilizar en su contra: El Sida.

Eso sí, lo importante de esta película no es que la gente se contagia de Sida y ya, sino cómo la gente se transforma una vez que tiene Sida, de qué manera comienza a mirar el mundo y a entenderlo, cómo su relación con los otros seres humanos se actualiza. Digamos que es un film profundamente cristiano, una película donde los cristos se sacrifican por amor al prójimo. Atención: no estamos antes una película de dogmatismos fastidiosos. No, de lo que yo hablo está en el fondo, no es evidente. Acá lo que se cuentan son historias, tramas, conflictos y necesidades. Acá lo que tenemos son tres historias que giran en torno a la enfermedad y cómo esa enfermedad cambia a quienes están cerca de ella.

Una historia de esas tres historias transcurre en un poblado de China y está bajo la responsabilidad de Lucy Liu (¿hace falta decir que es un Ángel de Charlie, o la O-Ren Ishii de Tarantino?), una mujer que llega a un pequeño poblado ofreciendo dólares a cambio de sangre. Al final, el pueblo termina enfermo de Sida y el personaje con un gran pesar encima. La otra historia transcurre en Sudáfrica, ahí los roles están compartidos, aunque la protagonista principal es Chloë Sevigny, en el papel, nada más y nada menos que el de una monja —más bien una novicia—, cosa nos lleva a pensar que la Sevigny es una tremenda actriz, pues la joven, como ya muchos sabrán, en la vida real se las trae. Esta novicia descubre unos terribles actos de corrupción que están regando el Sida por la provincia. A la búsqueda de ayuda para detener aquel desastre, deberá pedir acudir a alguien que le pedirá a cambio lo que ella no esperaba perder. Las otras actrices de peso aquí son Sandra Oh (creo que tampoco hace falta decir que es una de las estrellas de Grey’s Anatomy) y Olympia Dukakis, que sale poco, pero que tiene un papel fundamental en la historia. La tercera historia (estoy contando sin orden de aparición) transcurre en Montreal y nos presenta a un actor porno de segunda con Sida (Shawn Ashmore) que, para seguir trabajando, truca su examen. No obstante, el actor es descubierto, y esto termina de convertir su vida en un sumidero. Acá es donde la madre del actor, interpretada por Stockard Channing (veterana actriz de televisión, cine y teatro), toma fuerza y se convierte en el cordero del sacrificio. Para explicar un poco aquello de los sacrificios, sólo asomo algo que tiene que ver con el papel de la Channing. El personaje de ella, una vez que se entera que su hijo tiene Sida, aumenta su poliza de seguro y luego, premeditadamente, busca contagiarse de Sida. Creo que con este pequeño asomo queda claro la altura de los sacrificios.

            Los caminos de la vida es un drama fuerte, impactante y profundamente reflexivo, exquisitamente dirigido, como ya señalé, por Thom Fitzgerald, quien, aunque norteamericano de nacimiento, ha desarrollado la mayor parte de su vida y su carrera en Halifax, Canadá; por lo que este film, por su producción y origen, debe ser considerado canadiense, y por tal motivo entra en agosto dentro del muestrario de Panorama.

            Los caminos de la vida, el martes 12 de agosto en la señal este y el martes 26 en la señal oeste, sólo en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 15:15      Sab 30/8/2008. Cinemax-O 17:15 Sab 30/8/2008. Cinemax-O 00:15 Mar 2/9/2008. Cinemax-E 18:15 Jue 4/9/2008. Cinemax-O 20:15 Dom 7/9/2008. Cinemax-E 18:15 Mie 10/9/2008. Cinemax-E 09:45 Sab 13/9/2008. Cinemax-O 12:00 Sab 13/9/2008. Cinemax-O 20:15 Mar 16/9/2008. Cinemax-E 14:15 Mar 23/9/2008. Cinemax-O 16:15 Mar 23/9/2008. Cinemax-E 16:00 Vie 26/9/2008. Cinemax-O 18:00 Vie 26/9/2008. Cinemax-E 23:00 Lun 29/9/2008.

            (Y antes de la peli, te invito a disfrutar Éramos pocos, un cortometraje de 2005 dirigido por  Borja Cobeaga. Una historia muy divertida que nos presenta a Joaquín y a su hijo, un par de inútiles que no saben hacer oficios del hogar ni mucho menos cocinar. Abandonados por la madre —por lo desastrosos que son— Joaquín y el muchacho sacan a la abuela del geriátrico para que ella haga todo el trabajito pesado. No tienen idea Joaquín y el muchacho de lo que les espera. Film nominado al Oscar y ganador de una mención especial en el festival de Berlín).

            La historia del film Jindabyne (2006) del australiano Ray Lawrence (Lantana, 2001) está inspirada en un cuento de uno de los más grandes cuentistas de la literatura norteamericana, Raymond Carver. El cuento se llama “Tanta agua tan cerca de casa” y se encuentra en su libro De qué hablamos cuando hablamos de amor. El asunto central del cuento es el mismo que el de la película: Unos hombres se van de pesca, consiguen en el río a una mujer desnuda y muerta, pero ellos se dicen que ya nada pueden hacer y que es mejor seguir en lo suyo. “Alegaron cansancio, la hora avanzada, el hecho de la que la chica no iba a marcharse a ninguna parte”, así podemos leer en el cuento. Ellos pescan, juegan cartas y beben whisky, y es sólo hasta el segundo día, el de la partida, que llaman y reportan el cuerpo de la chica. Le película de Lawrence (que no se desarrollo en USA sino en Australia) amplía la segunda parte de la historia de Carver. Es decir, crea conflicto en torno a esta actitud de los pescadores y se olvida totalmente del tema del asesinato (no se convierte en un thriller y no va tras la búsqueda del asesino). La gente de la ciudad donde viven estos campistas empieza a preguntarse qué clase de hombres pudieron ponerse a pescar en el mismo río donde aquella chica estaba muerta, cómo pudieron jugar cartas y beber whisky sin preocuparle que estuviera allí, en el agua, desnuda. Más que caer las sospechas sobre ellos, lo que les arremetió fue el juicio social. El horror ante una acción “ilógica”. En este punto, no puedo dejar de pensar en El extranjero de Albert Camus. En El extranjero un hombre es juzgado por asesinato. Resulta que más que ser enjuiciado por el crimen, se le reclama la sangre fría con que cometió el asesinato. Y más allá: llega un momento donde se le juzga por no haber llorando en el velorio de su madre, lo que nos lleva directamente a Jindabyne. La sociedad puede llegar a condenarte por no hacer lo que se supone que debes hacer. La sociedad te puede llegar a condenar por no darle la importancia debida a la muerte, por no pagar tus respetos a los muertos. De allí que la mujer asesinada sea un indígena. Esa contraposición de lo sagrado con lo profano es allí aún más evidente. Los indígenas, con sus tradiciones y sus creencias arraigadas, y los hombres modernos que prefieren jugar a las cartas y pescar. Este film resulta entonces una exploración al absurdo en que estamos sumidos dentro de este valle de almas pérdidas (jindabyne es valle) que es la vida moderna, en contraposición a las cosas sagradas, al misterio, lo que lleva, inexorablemente a que los hombres despierten del letargo y de la inopa y empiecen a mirar hacia dentro. Ese despertar resulta, por supuesto, doloroso, dramático, pues lo que yace abajo es un montón de basura que nunca ha sido limpiada. Por supuesto, este film intensamente psicológico necesita de excelentes actuaciones. Gabriel Byrne y Laura Linney se hacen cargo de ellas y alcanzan su cometido. Lawrence, con sus paisajes desoladores, con sus fundidos a negros y con una dirección que a ratos cuenta más con los silencios que con las palabras, alcanza acá un nivel artístico considerable. Una joyita sin duda. Aunque debo confesar que me hubiera gustado otro final.

            Jindabyne, el martes 5 de agosto en la señal este y el martes 12 en la señal oeste en Cinemax, dentro del espacio Panorama.

            Retransmisiones: inemax-E       20:45  Mar  5/8/2008. Cinemax-O     22:30   Mar 12/8/2008. Cinemax-E 22:00 Vie 15/8/2008. Cinemax-E 23:30 Lun 18/8/2008. Cinemax-E 16:30 Jue 21/8/2008. Cinemax-O 18:30 Jue   21/8/2008. Cinemax-O 01:00 Lun 25/8/2008. Cinemax-O 20:15 Jue 28/8/2008.

            (Y no te pierdas antes de la peli, The Mantis Parable, un corto de 2005 dirigido por Josh Staub. Una excelente animación tridimensional que nos cuenta la historia de una humilde oruga atrapada en el frasco del colector de insectos que sufre porque necesita ayuda para salir del encierro.

            Retransmisión: Cinemax-O 2:15  Mar  12/8/2008.)

            En la Edad Media, cuando una persona mostraba los síntomas de la lepra era expulsada de su población y estigmatizada por el resto de la humanidad. Según la creencia, esa persona había contraído una enfermedad que era un castigo de Dios. En muchos casos, si el enfermo era adulto, hombre o mujer, se consideraba que la había adquirido por haber tenido sexo durante la menstruación. Si era niño, porque sus padres tuvieron sexo en el período de menstruación de la madre. Es decir, la lepra era relacionada con la impureza, la inmoralidad y la corrupción. Y esto, acarreaba una serie de prohibiciones y estigmas. Hoy en día, en Sur África, el SIDA ha tomado el lugar de la lepra. Quienes adquieren la enfermedad son marginados, condenados, expulsados de sus poblados y dejados a la buena del Dios o del Diablo, condenados a sufrir una enfermedad desconocida y malinterpretada por los habitantes de ese país. Yesterday (2004), un film de HBO del surafricano Darrell James Roodt, director de filmes como Sarafina (1992) y Dangerous Ground (1992), nos presenta este profundo dilema social a través de Yesterday (ayer), una joven mujer interpretada por la actriz Leliti Khumal, una habitante de una aldea Zulu.

Yesterday tiene una hija, Beauty (Lihle Mvelase), y un marido que trabaja en las minas y que le manda dinero. Cierto día, Yesterday desarrolla una tos que no la deja en paz. Después de varios días sin poder sacarse la tos de encima, atraviesa los caminos polvorientos de su tierra, en busca de un centro de atención médica rural. La mujer, luego de esperar días para ser atendida, termina descubriendo que tiene SIDA. Al parecer, su marido le ha transmitido la enfermedad. Comienza así el drama para esta mujer, un drama que, a pesar de toda la incomprensión y la ignorancia que la rodea, se le convierte en una lucha mínima pero heroica por darle sentido a su vida y, sobre todo, para salvar a su hija de un futuro parecido. Así, Yesterday no dejará que la muerte se la lleve hasta que Beauty pueda llegar a un colegio y empezar a recibir una educación decente. Yesterday, la película, resulta así un trabajo centrado en lo social, a diferencia de la mayoría de los filmes de este director, que siempre se ha ido más hacia el tema político. Para lograr esto, Darrell James Roodt ha escrito una historia sencilla pero poderosa, que se desarrolla no en las ciudades de su país, sino en el interior, en las aldeas. No obstante, esta supuesta pequeñez se abre ante el mundo y nos cuenta algo más grande y más humano.

            Yesterday, el martes 29 de julio en la señal este de Cinemax dentro de su espacio Panorama.

            Retransmisiones: Cinemax-E 15:00 Sab 2/8/2008. Cinemax-O 17:00 Sab 2/8/2008. Cinemax-E 18:45 Mie 6/8/2008. Cinemax-E 14:45 Dom 10/8/2008. Cinemax-O 17:00 Dom 10/8/2008. Cinemax-O 21:00 Mie 13/8/2008.                                   

            (Y antes de la peli, te invito a disfrutar de You Owe Us, un cortometraje de 2005 escrito y dirigido por Todd Jeffery, una comedia negra sobre el matrimonio y la mafia, donde no sabemos cuál de estas dos “instituciones” puede llegar a ser más peligrosa.

No te la pierdas, pasarás un rato excelente.

Retransmisión: Cinemax-O 06:00  Vie 8/8/2008.)

            Efectos secundarios (2006), a pesar de su nombre, no tiene, para su directora, la mexicana y muy joven Issa López, nada de segundón. Se trata de su primer trabajo y, qué gran suerte, de su primer gran éxito de taquilla y de crítica, lo que nos lleva a decir que, definitivamente, los que sí serán sus segundos trabajos competirán con este primer largometraje.

Se trata de una comedia con mucho de toque dramático patrocinada por los grandes estudios de Hollywood (es la primera película mexicana bajo el auspicio de la Warner Bros), que fue pensada mucho tiempo antes de ser realizada con el fin de dejar en pantalla lo mejor de la gaveta del tiempo. Fue así cómo su directora, se reunió durante un año con sus actores, jóvenes, desconocidos y sacados de las tablas para perfilar bien los personajes. Porque de esto se trata en el fondo la película, sobre personajes que, si no están bien definidos, de nada sirve. Se trata de cuatro historias que nos presentan a cuatro ex compañeros de colegio (Marina, Nacho, Adán y Mimí) que en cierto momento de sus vidas se dan cuenta que sus sueños, no sólo no se han realizado, sino que sus vidas están muy alejadas de ellos y quizás no exista punto de retorno. Marina (Marina de Tavira) es una escultora de la arcilla que se refugia en su trabajo para evadir la soledad y un amor no correspondido. Ignacio (Pedro Izquierdo) es un físico extraño y callado, con una muerte en su pasado amoroso. Mimí (Alejandra Gollás), una actriz que no ha hecho más que hacer papeles infantiles en la televisión y que siente frustrada por eso. Y Adán (Arturo Barba), un conquistador y drogadicto rehabilitado que tampoco termina de encontrar el sentido de su vida.

No nos deja de recordar esta película de Issa López la línea argumental del film The Big Chill (1983) de Kasdan. No obstante, creo que la López le pone su marca distintiva y toma las enseñanzas de quien alguna vez fue un maestro (antes de hacer The Bodyguard) y nos muestra, con suficiente personalidad, los pensamientos, los ideales y la vida de la generación de los ochenta, tan extraña sin duda en todas partes del mundo. Personas de clase media en una gran ciudad cuyas historias llenas de obsesión, soledad, drogas, alcoholismo, desesperanzas y pequeñas alegrías giran para encontrarse y separarse y luego para cerrarse en los momentos más inesperados. Nuevo cine mexicano, de lo mejor producido luego de la avalancha altisonante de Amores Perros (2000).

Efectos secundarios, el martes 22 de julio en la señal Este y el martes 29 en la señal este dentor del espacio Panorama. Sólo en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E    16:45   Sab      2/8/2008 Cinemax-O   18:45 Sab 2/8/2008 Cinemax-E          18:30             Mar 5/8/2008 Cinemax-E 18:00Vie 8/8/2008. Cinemax-O 20:00 Vie 8/8/2008. Cinemax-O 20:30 Lun 11/8/2008. Cinemax-E 22:15 Jue 14/8/2008. Cinemax-E 18:30 Dom 17/8/2008. Cinemax-E 18:30 Mie 20/8/2008. Cinemax-O 20:30 Sab 23/8/2008. Cinemax-E 15:30 Mar 26/8/2008. Cinemax-O 17:15 Mar 26/8/2008. Cinemax-O 00:30 Sab 30/8/2008.                                  

(Y antes de Efectos secundarios te invito a ver el cortometraje de 2004 escrito por Kathy Hepinstall y dirigido por Deb Hagan, Pee Shy. La historia de Bobby Darwood, un chico de los boys scout que se aterra con las historias que cuenta su maníaco y cruel líder explorador en la fogata del campamento, y se convierte en el objetivo de burlas hasta que la tropa se encuentra con algo aterrador en el bosque. Este cortometraje ha ganado dos premios en festivales).

            Es como si el andaluz Álvaro Begines se hubiera preparado toda la vida, o incluso desde antes. Es como si hubiera estudiado cine, teatro, música y fundado el grupo musical “No me pises que llevo chancletas” (uno de los más populares de los ochenta por sus canciones sabrosas y sus montajes con unos veinte músicos en escena y mucho humor), para llegar por fin a su primer largometraje, un digno heredero de aquellas mujeres a punto de histeria del señor Almodóvar y con un título que ya nada más se merece un premio: ¿Por qué se frotan las patitas? (2006) Es más, digo desde “antes” porque da la impresión que hasta hubiera elegido nacer en Andalucía para hacer esta comedia coral, teatral y muy flamenca que va, como ya señalé, por la onda de las damas histéricas (3 mujeres que abandonan la casa y se lanzan a vivir una vida radical) para luego seguir por su lado, por su propio camino, separándose del pasado para adentrarse por los rumbos de un film detectivesco que no es, atestado eso sí de pop y flamenco muy bien fusionados. Manuel Ruiz Queco, el creador de “Aserejé” de Las Ketchup es el encargado de la producción musical. Y ahí Queco le pone lo suyo muy flamenqueado a las versiones de “Escándalo” de Raphael, “Loco” de Andrés Calamaro, o “Vivir así es morir de amor”, tema de Albert Saenz que interpretara Camilo Sesto. El canto va por cortesía de artistas de la talla de Tomasito, Raimundo Amador, Los Aslándticos o Pastora Soler.

            Bien sabroso, bien encajado y con cero ridiculez, Begines se lanzó un primer trabajo musical lleno de enredos que dan gusto, protagonizado por Lola Herrera (una de las primeras actrices del teatro en España), Antonio Dechent (Alatriste, Solas), Miguel Álvarez (ganador del Goya a Mejor Actor Revelación por Solas), Marisol Membrillo (reconocida actriz del teatro andaluz), William Miller (Oculto), y el prometedor Raúl Arévalo.

            ¿Por qué se frotan las patitas?, el martes 15 de julio en la señal este dentro de Panorama, el espacio de todos los martes de Cinemax.

            Rentransimsiones: Cinemax-E 16:00 Sab 19/7/2008. Cinemax-O 18:00 Sab 19/7/2008. Cinemax-E 17:45 Jue 24/7/2008. Cinemax-O 19:45 Jue 24/7/2008. Cinemax-E 16:45 Dom 27/7/2008. Cinemax-O 18:45 Dom 27/7/2008. Cinemax-E 18:45 Vie 1/8/2008. Cinemax-O 20:45 Vie 1/8/2008. Cinemax-E 16:30         Mie 6/8/2008. Cinemax-O 18:30 Mie 6/8/2008. Cinemax-E 13:30 Dom 10/8/2008. Cinemax-O 15:45 Dom 10/8/2008. Cinemax-E 15:00 Sab 16/8/2008. Cinemax-O           17:15 Sab 16/8/2008.                        

            (Y engánchate justo antes de empezar a ver la peli con Helmer and Son, un corto de 2006 dirigido por los daneses Søren Pilmark y Kim Magnusson. Se trata de la historia de un hombre, uno muy ocupado, que se enfrenta a un hecho insólito: Su anciano padre se ha encerrado en un armario del geriátrico donde acaba de internarse. Se trata de algo que podría ser una comedia extraña pero también un drama triste y al mismo tiempo hermoso. Este fabuloso corto estuvo nominado al Oscar. Por cierto, Magnusson, Jefe de la Asociación de productores daneses y de la Danish Film Academy, ya ha tenido otras apariciones en el Oscar, incluso lo ganó en 1999 por el corto Election Night).

            Comienza el mes de julio en Cinemax participando de un juego de mesa chino en el film El maestro de Go (2006) de Tian Zhuangzhuang (Da taijian Li Lianying y Springtime in a Small Town, entre otros).

            Los primeros tableros de Go en su forma rudimentaria se remontan por lo menos a mil años antes de Cristo. Se consolidó, tal como se conoce hoy día, alrededor del 200 después de Cristo. Se dice que en algunos libros de Confucio se le nombra. Originalmente utilizado sólo por las clases altas chinas, también pasó a Japón, donde la acogieron también los privilegiados de aquel país, entre ellos muchos samuráis. Era, por su naturaleza, un juego preferido por los militares. Y es que Go es un juego que consiste en rodear. Digamos que es una especie de juego de damas, donde se vence al contrario rodeándolo, arrinconándolo, atrapándolo.

            El maestro de Go nos lleva por la vida de Wu Qingyuan —o Go Seigen—, considerado el maestro del siglo XX en el antiquísimo juego. Aunque lleven el mismo título, no se debe confundir este film con la novela El maestro de Go del autor japonés Yasunari Kawabata ganador del premio Nobel de 1968. Este film sí está, no obstante, basado en Ibun Kaiyu, biografía escrita por Go Seigen. El maestro de Go es así una suerte de bitácora de movimientos sobre el tablero de la vida del maestro chino que vivió la mayor parte de su vida en Japón. Tian Zhuangzhuang, su director, nos presenta las circunstancias de vida de Go Seigen como una sucesión de acontecimientos —políticos, bélicos, religiosos, personales que tienen lugar entre 1933 y 1945— que lo “cercan” en una dura batalla que podría asemejarse al Go. Así, el film se convierte en el testimonio de una lucha, voluntaria o no, por escapar de todo condicionamiento o ideología. En un mundo donde todo parecía (y parece) necesitar una posición, una acción social, una declaración de principios, Wu Qingyuan no hacía otra cosa que ser un gran jugador, el mejor de todos. Esa era su obra, su declaración de principios, su aporte a la humanidad. Pero como siempre, los radicales del bien humano —que tanto daño hacen— no entienden este tipo de cosas.

            Excelente fotografía, cuadros naturales preciosos y una manera de dirigir muy cercana a la pintura, o más bien, a los movimientos sobre un tablero.

            El maestro de Go, el próximo martes 1ero de julio en la señal este de Cinemax, y el martes 8 en la señal este dentro del espacio Panorama.

Retransmisiones: Cinemax-E  21:15  Mar  1/7/2008. Cinemax-O    23:15   Mar 8/7/2008. Cinemax-E 16:30 Vie 11/7/2008. Cinemax-O 18:30 Vie 11/7/2008. Cinemax-E 17:30 Lun 14/7/2008. Cinemax-O 19:30 Lun 14/7/2008. Cinemax-E 08:00 Dom    20/7/2008. Cinemax-O 10:00 Dom 20/7/2008.

            (Y antes de entablarnos en una dura partida de Go con el maestro, te recomiendo Double Negatives, un cortometraje de 2003 dirigido y escrito por Tue Walin Storm —sí, ese es su nombre. Tue Walin Storm estudió en Europa y en Los Ángeles. Double Negatives es su tesis de grado, y resultó seleccionada para ser exhibida en el Festival de Cannes. La historia: un joven con un desorden compulsivo-obsesivo que en cierto momento de la cinta deberá elegir entre la soledad y la amistad. Y es que todo positivo, tiene su negativo, o al revés. La clave está en apagar y prender, prender y apagar.

Transmisiones: Cinemax-E 20:45 Mar1/7/2008. Cinemax-O 22:45 Mar 8/7/2008.)