¿Se acabó el fascismo con la Segunda Guerra Mundial? ¿Con la derrota de los líderes se acabó ese horror de la mente humana? ¿Muerto Hitler, muerto Mussolini, el mundo no conocería más el mal que inspira el poder corrupto? Al parecer, la historia de Klaus Barbie, el carnicero de Lyon, demuestra que los poderes que están detrás de los gobiernos y de sus intereses, no se detienen a la hora de utilizar cualquier medio con el sólo fin de conseguir los «altos ideales» para los que se creen destinados. Dice Maquiavelo en el capítulo XVII de El Príncipe: «En las acciones de todos los hombres, pero especialmente en la de los príncipes, contra los cuales no hay juicio que implorar, se considera simplemente el fin que llevan. Dedíquese, pues, el príncipe a superar siempre las dificultades y a conservar su Estado». Precisamente, sobre la figura de Barbie y la justificación del mal para alcanzar el bien, se monta el documental My Enemy's Enemy (2007) de Kevin Macdonald. El film nos cuenta cómo este alto oficial de la Gestapo y de la SS, criminal de guerra condenado por los aliados, terminó trabajando para los gobiernos de Estados Unidos e Inglaterra en Alemania, Francia y Latinoamérica en actividades relacionadas con el sabotaje, tráfico de armas, golpes de estado, asesinato e incluso narcotráfico. Todos estos trabajos siempre desde la perspectiva de obrar en contra del comunismo, el monstruo mayor que debía ser evitado a toda costa, sin importar los medios, sin importar que un criminal de guerra como Barbie sea quien tome las acciones. My Enemy's Enemy se estructura sobre un estilo tradicional y sobrio (no le hace falta más) para contar una historia desgarradora y políticamente impactante a través del material de archivo y entrevistas contemporáneas al biógrafo de Barbie, expertos, personas que conocieron sus actividades y lo más conmovedor y doloroso de todo, sus víctimas. Son realmente interesantes y escalofriantes las entrevistas de archivo al mismo Barbie. Se trata pues de un documental con altos tintes políticos, muy de izquierda liberal digamos, al estilo de Michael Moore (de hecho su productora trabajó para Moore). No obstante, no deja de ser revelador y verdadero, a pesar del tinte marcadamente político.

            My Enemy's Enemy, este jueves 4 de febrero en la señal oeste, y el jueves 11 en la señal este, dentro del espacio Real View, el otro cine. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 09:00   Mar 16/2/2010. Cinemax-O 12:05 Mar 16/2/2010.  

            Gone Baby Gone (2007) es un film del actor Benjamin Geza Affleck, mejor conocido como Ben Affleck, quien no solamente destaca como galán y súper estrella, sino que recordemos, también se diera a conocer en Hollywood como guionista del film Good Will Hunting (1997), junto con Matt Damon. Affleck, realiza con este film su primera incursión como cineasta, apoyado en una historia de Dennis Lehane, el mismo novelista cuya obra inspiró a Clint Eastwood a dirigir el aclamado film Mystic River (2003), y quien también se desempeñara como guionista de la famosa serie de HBO, The Wire. Así, bajo la tutela de Lehane, Affleck nos presenta una historia donde el abuso a los niños está de fondo, formando parte de un juego de suspenso en un film con definitivo acento dramático, que sin embargo, como ya señalé, se monta sobre una estructura de thriller. Affleck, sin duda, pretende una ópera prima seria que le diga a todo el mundo que él no es sólo una cara bonita, como diciendo también «acuérdense que me gané un Oscar como guionista, y lo guionista piensan». Así, Gone Baby Gone se centra en los personajes, en sus conflictos y en su desarrollo sicológico, y también en una presencia importante del diálogo como pivote dramático. La historia, compleja y llena de sorpresas y finales falsos, presenta a dos detectives privados, Patrick Kenzie (Casey Affleck) y Angela Gennaro (Michelle Monaghan), quienes son contratados para buscar a una niña de cuatro años de nombre Amada, hija de una mujer enredada con un delincuente que ha robado dinero a un narcotraficante poderoso. Cuando el novio de la madre muere, entran en escena dos agentes policiales (recordemos que nuestros dos héroes son detectives privados), interpretados por John Ashton y Ed Harris. El personaje de Harris se volverá fundamental para la cinta, y será una puerta abierta para descubrir todo un mundo de corrupción, engaños y muerte. Harris se comporta de una manera ruda y violenta, y se la da mucho espacio para la actuación. Por su parte, Casey Affleck, hermano del director, demuestra una vez más su gran talento como actor de expresiones tímidas y achicopaladas. Recordemos que también en 2007 se estrenó The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, donde Casey Affleck hizo una excelente demostración de sus capacidades en el papel del introspectivo Robert Ford. La actriz Amy Ran, quien interpreta a la madre de Amanda, hace también una interpretación notable, tanto que fue nominada al Oscar y al Globo de Oro en las categorías de Mejor Actriz de Reparto, y ganó los premios de los críticos de Los Ángeles y de Nueva York en la misma categoría. Por su parte, con esta pieza Ben Affleck obtuvo el premio de Cineasta más prometedor en el festival de cine de Chicago.

Para cerrar, digamos algo más relacionado con los finales falsos. Heredados dentro del género policial de maestros como Dashiell Hammett en novelas como La Maldición de los Dain, el recurso ayuda a mantener la tensión y no ponernos tan fácil la resolución del misterio. No obstante, algunos podrían sentirse incómodos y fastidiados con ese volver a empezar, y quizás también podrían sentir que el film se alarga demasiado. El espectador decide. De lo que no cabe duda, es que Affleck, con los finales falsos, acude a otro recurso sofisticado, siempre a la búsqueda de demostrar que conoce el lenguaje y que sabe hacer cine del mejor.

            Gone Baby Gone, el lunes 8 de febrero en la señal oeste y el lunes 15 en la señal este, dentro de espacio Cinergia, más cine, menos series. Por Cinemax. Somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:40 Jue 18/2/2010. Cinemax-O 21:45 Sab 20/2/2010. Cinemax-E 18:30 Sab 27/2/2010. Cinemax-E 18:30 Lun 1/3/2010. Cinemax-O 21:25 Jue 4/3/2010. Cinemax-E 20:45 Dom 14/3/2010. Cinemax-O 23:45 Dom 28/3/2010.

            Para el mes de febrero, Cinemax nos trae una programación especial a partir de la cuarta semana, donde el documental y la ficción se unirán con el fin de conmemorar el cine como arte e industria en el marco de la octogésima entrega del Oscar. Pero ahí te lo dejo. Un asomo, ya contaré más.

            Por los momentos, hablemos de La huída  (Shoot ‘Em Up, 2007), film dirigido por Michael Davis y protagonizado por Clive Owen, Paul Giamatti y Monica Bellucci. Una peli de acción, de mucha acción, pero además inteligente, cargada de humor y que juega con los elementos típicos del genero policial (noir) y de aventura sin llegar a resultar absurda en la sátira. Nos divierte, mantiene el interés y puede llegar a extremos de violencia y de crudeza realmente altos, siempre dentro de una estética muy moderna. Clive Owen, en su papel de hombre duro y letal con las armas, luce muy bien, y Pual Giamatti demuestra una vez más que es uno de lo más grandes actores contemporáneos de Hollywood. La historia, compleja, nos lleva de un asombro a otro. Todo comienza cuando el personaje de Owen, Mr. Smith, asesina a tiros a un grupo de delincuentes que vienen persiguiendo a una chica embarazada. La chica da a luz en medio del ajetreo, pero también muere. Así que Mr. Smith se queda con el recién nacido y no se le ocurre mejor cosa que dárselo a una prostituta embarazada (Monica Bellucci). A todas éstas, detrás del pequeñín no anda precisamente una institución de caridad, sino un matón de alto calibre de nombre Hertz (Paul Giammatti). Las razones de tal descalabro implicarán a un senador enfermo de muerte y a su peor enemigo, un terrible mafioso.

            La huída, el lunes primero de febrero en la señal este, y el lunes 15 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, por Cinemax. Somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:20 Jue 11/2/2010. Cinemax-O 01:30 Vie 19/2/2010. Cinemax-E 00:35 Dom 21/2/2010. Cinemax-O 03:10 Dom 21/2/2010. Cinemax-E 00:25 Jue 25/2/2010. Cinemax-O 03:30 Jue 25/2/2010.

            Los académicos, tan serios, tan inteligentes. Tanto que saben de tanto, que se supone que incluso deberían saber vivir. Pero quizás no, quizás ese conocimiento no se aplica a la realidad. Quizás todo ese conocimiento es meramente teórico, y más nada. Quien sabe si por eso es que existe la palabra «sabiduría». El sabio, como yo lo veo, es aquel que «sabe» vivir. Puede que no se haya leído un solo libro, pero sabe vivir. Y posiblemente, por eso puede que exista otra palabra como «erudito», que nos habla de alguien que está por fuera de lo rústico (e, de ex, por fuera, y rudis que es rústico), de alguien que tiene conocimientos sobre algo. La realidad es sin duda eso que es tosco, que raspa, que está afuera. ¿Quién vive en una casa donde las cosas raspen, quién vive en una casa sin una almohada? El erudito es un experto en almohadas.

El film Una familia genial (Smart People, 2008) dirigido por el primerizo Noam Murro, y protagonizado por Dennis Quaid, trata sobre estos asuntos. Con cierta filiación quizás con Wonder Boys (1999), este drama con fuerte carga de comedia nos presenta a un académico muy respetado que vive un desastre de vida. Es viudo, está en lo que la gente llama la mitad de la vida, sus estudiantes no le inspiran, en la facultad no lo quieren, su libro ha sido rechazado en las editoriales y, para completar, tiene un par de hijos que cualquiera desearía… en la familia de otros. Se trata así de todo un académico que el día menos pensado se convirtió en una persona muy real, muy con los pies en la tierra rústica. Dennis Quaid sabe hacer su parte de mil maravillas, y le da al personaje más de lo que esta catastrófica situación nos presenta, y esto es un gran valor de la película, pues las actuaciones son fundamentales (hay que destacar la actuación de Ellen Page [Juno] que aunque secundaria, sigue demostrando que va por un camino muy interesante en su búsqueda actoral). Entonces —siempre habrá un entonces para hacer que la película avance— nuestro personaje tiene un accidente, y al despertar, se encuentra con una doctora que no está nada mal (Sarah Jessica Parker). Pero no crean que la cosa es amor a primera vista: ella es una ex alumna a la que él reprobó hace algunos años. Para colmo, en plena crisis, aparece el hermano adoptivo de nuestro profesor, que no lo piensa dos veces para hacerle ojitos a la niña de la casa. La situación no es para nada prometedora, y los asuntos se enredan más y más. Dennis Quaid, o mejor decir, el profesor Lawrence Wetherhold tendrá mucho pero mucho que aprender de la vida, de esa cosa rústica que tanto molesta en el ánimo de la gente «inteligente». Lo importante de todo esto es que los personajes son siempre muy reales, muy humanos y muy disfuncionales, lo que nos lleva a ubicar el film dentro de ese cine independiente americano siempre a la búsqueda de salirse de los clichés y preocupado por las tramas inteligentes sin ponerse pesadas. Una familia genial toma ese camino, y en muchas ocasiones sale bien parada.

Una familia genial, el próximo lunes 25 de enero en la señal este dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 16:25 Mie 20/1/2010. Cinemax-O 22:00 Mie 27/1/2010. Cinemax-E 18:15 Vie 29/1/2010. Cinemax-O 21:15 Vie 29/1/2010. Cinemax-E 18:45 Mar 2/2/2010. Cinemax-E 20:30 Dom 7/2/2010. Cinemax-O 23:30 Dom 14/2/2010. Cinemax-E 19:00 Jue 18/2/2010.

            Un reportaje de televisión que hable mal de ti puede acabarte. Pero si ese reportaje lo produce el programa de televisión 60 minutes, peor todavía. Eso fue lo que le pasó a la familia Olmsteed, que luego de que el famoso programa de televisión sacara un programa desacreditando a su hija, su vida cambió radicalmente, y empezó a regirse casi totalmente en función de demostrar que lo que había aparecido en 60 minutes no era verdad. El asunto, en el caso de los Omsteed no era cualquier cosa. La hija de los Omlsteed, Marla, de apenas cuatro años, empezaba a ser considerada un genio de la pintura abstracta. Sus primeras pinturas en Nueva York se vendieron en más 12 mil dólares, cuando por lo general, las pinturas de un artista nuevo en esa ciudad no pasaban de 5 mil. Incluso, Marla llegó a ser reseñada en el New York Times, y su fama empezaba a correr por todas partes. Ahí fue cuando saltó 60 minutes, y pidió hacerle un reportaje a la niña. La grabaron pintado y luego llamaron a una experta en arte y niños genios. La experta vio las pinturas previas de Marla y dijo que sin duda esas obras eran magníficas y hasta deberían estar en el MOMA; luego vio la grabación de la niña y la pintura que resultó de esa grabación, y dijo que esa pintura era tan igual como la de cualquier niño de esa edad jugando en su guardería con sus óleos. El reportaje, previo a una exposición de Marla, fue devastador. No se vendió una obra, y los correos insultantes le llegaban como fuegos de metralla. Ah, por cierto, el padre de Marla, es pintor; así que se imaginarán sobre quien cayeron las sospechas. O el padre había hecho esas pinturas, o el padre había guiado a Marla en su manufactura. En ambos casos, la gente se encontraba frente a una estafa. Pero los padres no dieron su brazo a torcer, y se dieron a la tarea de demostrar que Marla era una verdadera artista prodigio. Incluso, permitieron que al joven director Amir Bar-Lev se colara en sus vidas y los filmara. De esta experiencia, de Amir Bar-Lev surgió el documental My Kid Could Paint That (2007), trabajo que parte del reportaje de 60 minutes, y nos lleva a todo lo largo del misterio, de los conflictos y del dilema moral de la familia Olmsteed e incluso el propio dilema de su realizador. Pero también la cinta se cuestiona sobre los valores contemporáneos del arte, y nos lleva a preguntarnos sobre qué es el arte, e incluso su relación con el mercadeo y la media. Lo bello, lo feo, el subjetivismo, la sociedad, el artista y la obra, el conceptualismo, la abstracción, la relatividad de la verdad y la mentira. Todo está allí, magistralmente llevado y montado por su director. La decisión final sobre la verdad de Marla, queda de parte del espectador.

            My Kid Could Paint That, este jueves 14 de enero en la señal oeste, y el jueves 28 en la señal este, dentro del espacio Real View, el otro cine. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            1) Una ciudad: París. Lugar común del amor.

2) Tema difícil de tratar por el arte: el amor.

3) Es fácil caer en la cursilería y decir lo que todos han dicho. Qué difícil es el amor.

4) Un reto: contar veinte historias de cinco minutos cada uno y con un presupuesto apretado. Veinte historias de amor que no sean las de siempre, que busquen nuevos caminos, que intenten ser diferentes. Y una vez más: nivel de dificultad: 1000. Porque todo además, ha de transcurrir el París, sin mostrar a París como la típica postal amorosa.

5) ¿De quién es la idea? De Tristan Carné (New York, I Love You, 2009 y Shanghai, I Love You, para 2011).

6) Nombre del proyecto: Paris, je t'aime. Año: 2006.

7) Distintos barrios, distintos sitios, distintas historias para contar en cada lugar.

8) ¿Dónde están los directores? ¿Dónde están los artistas que se atreverán? Acá la lista de los valientes: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer y Gus van Sant.

9) ¿Y los actores? Catalina Sandino Moreno, Sergio Castellitto, Miranda Richardson, Leonor Watling, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Nick Nolte, Maggie Gyllenhaal, Fanny Ardant, Wes Craven, Elijah Wood, Alexander Payne, Natalie Portman, Gérard Depardieu, Bob Hoskins, Ben Gazzara, Steve Buscemi, entre otros.

10) 20 cortometrajes, 20 historias distintas.

11) Un turista perdido que se encuentra con una vampira enamorada, otro turista que no debería quedársele mirando a la gente, una actriz americana y su dealer enamorado, un hombre que observa el amor de los otros y se pregunta dónde está el de él, una pareja de edad que ya no se ama, un chico francés que busca amor y una chica musulmana, un hombre apuñalado y una enfermera, una mujer que desea volver a ver su hijo muerto y un espectro vaquero, una pareja que recibe la visita de Oscar Wilde (tenía que ser Wes Craven), un joven ciego cuya hermosísima novia (Natalie Portman) lo llama por teléfono para decirle que terminaron… Son algunas de las parejas de este fascinante film.

12) El corto de los hermanos Coen, con Steve Bucemi, mi recomendación especial.

13) Para los que gustan de las historias de vampiros (tan exageradamente de moda) está la de Elijah Wood y Olga Kurylenko, dirigida por Vincenzo Natali.

14) Olga Kurylenko es lo máximo.

15) Frédéric Auburtin, director de uno de los cortos, se encargó también de hacer las transiciones entre un corto y otro con panorámicas de París. Transiciones suaves, elegantes, muy bien montadas y que nos dan una sensación área y ligera cargada de belleza.

16)  Hay que prestarle atención a una parte del voice over del corto dirigido por Tom Tykwer. Es casi (podríamos quitarle el «casi») un magnífico poema sobre la vida de las relaciones modernas. Muy recomendable.

17) Paris, je t'aime.

18) Este mes de enero, en Cinemax.

19) Porque en Cinemax, somos lo que ves.

20) Transmisiones: Cinemax-E 18:40  Sab 16/1/2010. Cinemax-E 18:40 Mie 20/1/2010. Cinemax-O 21:40 Mar 26/1/2010. Cinemax-E 22:30 Vie 29/1/2010. Cinemax-O 23:45 Lun 1/2/2010. Cinemax-E 18:20 Jue 4/2/2010. Cinemax-E 20:30 Lun 8/2/2010. Cinemax-O 21:35 Jue 11/2/2010. Cinemax-E 16:10 Dom 14/2/2010. Cinemax-O 19:10 Dom 14/2/2010. Cinemax-O 21:35 Mie 17/2/2010. Cinemax-E 22:05 Vie 19/2/2010. Cinemax-O 21:20 Mar 23/2/2010.

            El llamado affair del collar de diamantes no es un hecho ficticio, pero se ha llevado a la ficción ya en varias oportunidades, pues la materia de la que está constituida (esa materia de los sueños de la que se habla al final del Halcón Maltés de John Huston) es absolutamente adecuada para la ficción, para la imaginación, para el drama y la tragedia. Alejandro Dumas padre escribió sobre el asunto; hay también un film de 1938, titulado Marie Antoinette dirigido por W.S. Van Dyke. La historia real es una trama compleja, fascinante, cargada de sentimientos, de pasiones humanas, de temas universales (el odio, la venganza, el amor, el poder, el engaño, la avaricia) y de personaje complejos e inolvidables como María Antonieta, el conde de Cagliostro o Jeanne de Saint-Rémy de Valois. Una de las más recientes actualizaciones de esa fascinante historia es el film La intriga del collar (The Affair of the Necklace, 2001) de Charles Shyer, protagonizado por Hilary Swank como Jeanne de Valois, Jonathan Pryce como el Cardenal de Rohan, Adrien Brody como el Conde Nicolás de la Motte, Joely Richardson como María Antonieta y Christopher Walken como el Conde de Cagliostro. El film, en este caso, no se centra en el gran personaje histórico, el más obvio y más utilizado, es decir, María Antonieta, sino que busca el drama en Jeanne de Valois, una joven muchacha que odia a la monarquía, pues fueron asesinados por el régimen, acusados de traidores. Ahora, ya adulta, ella quiere tomar venganza, y eso la lleva a concebir la estafa de un famoso collar de diamantes. Y así, elige como su primera víctima, o su víctima para golpear a los reyes de carambolas (¿de qué otra manera?) al Cardenal de Rohan, quien había caído en desgracia con respecto a sus relaciones con la reina. Así, Jeanne engaña al Cardenal con cartas, con disfraces y con las argucias del nigromante Cagliostro haciéndole creer que la reina desea recuperar su amistad, pero a cambio del famoso collar que Luis XV le mandara a hacer a Madame Du Barry, y que se quedara en manos de los joyeros (sin pago) a causa de la muerte del rey. El Cardenal, engañado, empieza a girar dinero para la compra, y los joyeros, por fin emocionados porque alguien adquirirá la joya que Luis XV no pudo regalar, entregan el collar a los estafadores. Y por acá sigue el asunto, pero no soltaré más «prenda», si no que diré que el film resulta así un drama de época con excelentes toques de intriga, muy bien recreado, con magníficos trajes (fue nominado al Oscar en la categoría de diseño de vestuario) y con excelentes actores de Hollywood, ideal para disfrutarlo en los lunes de Cinergia del mes de enero.

            La intriga del collar, el lunes 18 en la señal este y el lunes 25 en la señal oeste. Por Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 16:00 Dom 31/1/2010. Cinemax-O 19:00 Dom 31/1/2010. Cinemax-O 01:20 Mie 3/2/2010. Cinemax-E 16:10 Vie 5/2/2010. Cinemax-O 19:10 Vie 5/2/2010. Cinemax-E 18:25 Dom 7/2/2010. Cinemax-E 18:35 Jue 11/2/2010. Cinemax-O 21:40 Sab 13/2/2010. Cinemax-E 18:20 Mar 16/2/2010. Cinemax-O 21:30 Mie 24/2/2010.

Grey Gardens (2009), una producción original de HBO, es un drama profundo y muy singular, pues trata sobre dos mujeres, dos personajes realmente particulares y muy reales. Porque esta historia está basada en un documental de 1975 dirigido principalmente por Albert y David Maysles (hay otros 3 en la dirección), y claro, este documental a su vez está basado en una historia verdadera. El film dirigido por Michael Sucsy y protagonizado por Drew Barrymore y Jessica Lange, nos cuenta gran parte de la vida de Edith Bouvier Beale (Barrymore) y Edith Ewing Bouvier Beale (Lange). Como pueden darse cuenta por sus apellidos, tan largos y ostentosos, no se trata de dos damas de la esquina; todo lo contrario, el apellido Bouvier fue uno de los más prestigiosos e influyentes de los Estados Unidos, y estuvo estrechamente relacionado con Jacqueline Kennedy Onassis. La historia de la madre y la hija Bouvier es realmente impresionante. Se trata de dos mujeres totalmente apartadas de la realidad que un principio vivían en la opulencia de Grey Gardens, una magnífica mansión en el lujoso vecindario de Georgica Pond en East Hampton, New York, lugar que luego se convertiría en su única pertenencia en el mundo cuando cayeron en la ruina por causa del abandono del patriarca familiar. Así, solas en el mundo, cultas pero inútiles para todo, estas dos mujeres se vieron sumidas en la desidia total. Durante 50 años madre e hija estuvieron encerradas dentro de su casa, sin agua, sin luz, rodeadas de escombros, basura, gatos y alimañas. No obstante, ambas mujeres vivieron también imaginando maravillas y carreras en el canto. No sabemos si detrás de esta actitud se oculta la dignidad o la tontería, eso debe decidirlo el espectador. El film de Sucsy se ocupa incluso de la llegada de los documentalistas y nos muestra la emoción de ambas mujeres, en particular de la hija, interpretada por Barrymore, en la creencia de que por fin se haría famosa, de que por fin sería descubierta y se convertiría en un gran cantante. Lo más insólito de todo (y que quede esto como un dato que no está en el film): el «estilo» ruinoso de Edith la hija, que debía inventarse mil maneras a la búsqueda de seguir luciendo «elegante» con sus pocos trapos, han inspirado a diseñadores afamados en la creación de colecciones de moda donde las camisetas funcionan como turbantes y los manteles como faldas. En el mundo del fashion hasta las derrotas se convierten en moda.

Para finalizar, debo decir que las actuaciones de Barrymore y Lange son fundamentales en el film, y ellas cumplen a cabalidad con su cometido. La fuerza de sus actuaciones y la compenetración de ambas son realmente impresionantes.

Grey Gardens, este lunes 4 de enero en la señal este de Cinemax, y el lunes 18 en la señal oeste. Un film magnífico para empezar el año dentro del espacio Cinergia, en Cinemax. Somos los que ves.

Retransmisiones: Cinemax-E 17:10   Sab 9/1/2010. Cinemax-O 21:35 Sab 30/1/2010.     

            Pienso en Amor y tesoro (Fool’s Gold, 2008) y me viene de inmediato la exitosa serie de piratas del Caribe. La conexión no es gratuita. Tanto Amor y tesoro como las películas de Disney sobre piratas tienen un elemento en común: son comedias románticas que se mezclan con historias de aventura. No obstante, bien sabemos que en las películas de los bucaneros del Caribe, el asunto del romance queda totalmente opacado por dos elementos: los efectos especiales y Johnny Depp, quien se agarró las películas para él y dejó entendiendo a Orlando Bloom y a la hermosísima Keira Knightley. En este sentido, Amor y Tesoro, sin los efectos especiales de las películas de Disney —y sin Depp haciendo de Jack Sparrow—, resulta un tanto más efectiva, pues el aspecto del romance funciona muy bien, y va en equilibrio con todo el filón de la aventura, que se desarrolla por cierto, en el mar y se relaciona también con barcos antiguos. Pero en el caso de Amor y Tesoro, todo acontece en el presente, y con un par de cazadores de tesoros: Matthew McConaughey y Kate Hudson. Quizás la efectividad de Amor y tesoro en cuanto al romance se deba a que está en manos de Andy Tennant, un director que ya ha trabajado en ese género con profusión y éxito; nombremos tres de sus filmes más resaltantes: Fools Rush In (1997), Sweet Home Alabama (2002) y Hitch (2005). En cambio, Gore Verbinsky, director de la saga de los piratas, es más aficionado a los efectos especiales y a la aventura. Pero también debemos tomar en cuenta a los actores. McConaughey se presenta en este film como un cazador de tesoros marinos muy tonto y al mismo tiempo muy sexy. Nunca faltan las oportunidades para mostrar su torso bien formado al tiempo que su melena se sacude inquieta. La Hudson también luce particularmente hermosa y atractiva. El ambiente da para tales erotismos: playa, sol, aventura y reconciliación de pareja. McConaughey, eso sí, se me antoja un tanto forzado en su papel de tonto. Yo en realidad nunca lo he creído un gran actor. No obstante, acá hace su esfuerzo por parecer un muchacho físico y al mismo tiempo muy tonto. Quizás no es que luzca forzado, me digo en este momento, sino que realmente está haciendo un buen papel: el papel de un tonto atractivo. No sé. La Hudson, siempre chispeante, dueña de su carisma —y de un cuerpo delgado y duro—, trabaja a la perfección y mantiene la comedia a flote. Hacen buena pareja ambos actores, hay química entre ellos y funcionan tanto en el romance, como en la comedia y en la aventura. Se nota que Tennat ya tiene experiencia en este tipo de trabajos, aunque pienso que se le escapa un poco el juego de la tontería (la tontería siempre es muy difícil de manejar; los hermanos Farrelly, por ejemplo, son maestros en este arte).

            Amor y tesoro busca mezclar la aventura, el romance y la tontería dentro de un escenario lleno de azul, de mar y de cuerpos atractivos. Puede que lo logre, aunque a veces, la tontería se nos antoje muy tonta. Aun así, el film me hizo pensar que quizás la realidad sea eso: un compendio de tonterías donde los malos salen a flote no por ser genios del mal, sino por ser tontos desalmados. Pero claro, el cine es ficción, y si los malos son tontos desalmados, los buenos son tontos con corazón, y los tontos con corazón, siempre saldrán ganando en las películas.

            Amor y tesoro, disfrútala este lunes 21 de diciembre, y el lunes 28 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia en Cinemax. Somos lo que ves.     

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:20   Vie 1/1/2010. Cinemax-E 16:45 Lun 4/1/2010. Cinemax-O 19:45 Lun 4/1/2010. Cinemax-O 23:45 Dom 10/1/2010. Cinemax-E    18:30 Mie 13/1/2010. Cinemax-O 21:40 Sab 16/1/2010. Cinemax-O 21:45 Mar 19/1/2010. Cinemax-E 20:30 Dom 24/1/2010. Cinemax-O 00:15 Vie 29/1/2010.

            Esta es una de esas películas que juegan con elementos contrarios de un modo magistral. Una película, además, con efectos especiales, donde la pirotecnia no se traga la historia. Estamos hablando de El reino del fuego (2002), un film de Rob Bowman, productor y director de muchos episodios de la serie X-Files y de la más reciente pieza cinematográfica de la serie: X-Files, Revelations (2008).

            Digo que el reino del fuego juega, combina y magistralmente maneja dos elementos contrarios, porque Bowman y sus guionistas unen a los dragones, animales imaginarios de tiempos remotos con el futuro apocalíptico, con las armas de fuego y con los vehículos a motor. Es decir, Bowman se trae, con una excelente y sencilla excusa, a los dragones al presente, y se va más allá, porque del presente en elipsis da un gran salto hacia el futuro y nos instaura allí para contarnos el drama de varios personajes que sufren, que se enamoran, que se hermanan y que luchan entre ellos y contra las dragones; es decir, los personajes importan en esta historia épica, los personajes son fundamentales y lo que a ellos acontece van guiando la cinta y la puesta en escena de los efectos especiales. De allí que las actuaciones de Matthew McConaughey y Christian Bale sean fundamentales para la cinta. Ambos actores salen muy bien parados; son recios, son físicos, pero al mismo tiempo humanos, siempre intentando salirse del estereotipo del héroe y del antagonista (o más básico aún, del bueno y del malo).

Eso sí, aunque los efectos especiales no son los protagonistas de la cinta, tampoco dejan de ser fabulosos. La recreación de los dragones es de la más alta calidad (el fuego digital es todo un prodigio), y el escenario apocalíptico, aunque siempre cercano a las cintas de Mad Max y de Terminator, no deja de estar muy bien presentado y de ser creíble.

El reino del fuego, este lunes 7 de diciembre en la señal este, y el lunes 14 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series, por Cinemax. Somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 01:40 Lun 21/12/2009. Cinemax-E 18:55 Mie 23/12/2009. Cinemax-E 01:10 Sab 26/12/2009. Cinemax-O 03:20 Sab 26/12/2009. Cinemax-E 22:20 Mar 29/12/2009. Cinemax-O 01:15 Vie 1/1/2010.

            Recientemente, en el Moma podías ver la segunda parte de la exhibición Looking at Music, esta vez, Looking at Music: Side 2, que se centraba en cómo la música de los setenta dio paso a la música de los ochenta; un recorrido histórico con revistas, videos, portadas, instalaciones de audio y algunas muestras de arte de esos años. Después de pasar por una magnífica vitrina de revistas, luego de disfrutar de un video de Blondie, de encontrarte con un Basquiat y con la fabulosa escritura artística de Jenny Holzer, te esperaba (pon fanfarrias distorsionadas en tu mente) la carátula de Horses, aquella famosa foto que Mapplethorpe le tomara a su entonces amante Patti Smith.

     Como ya sabemos, ella se fue con Sam Shepard, y él se fue con Sam Wagstaff. Horses, sin embargo, quedó y se convirtió en un gran legado de la música. La portada andrógina de la Smith es ya un clásico, y el disco una obra maestra considerada la precursora del rock. Patti quería ser una artista criminal, a lo Rimbaud, y llevó su poesía a los extremos de la melancolía o del delirio en aquel album. Así era ella, una mujer eléctrica, poderosa, que se masturbaba catorce veces al día mientras escribía poesía. En esa misma exposición del Moma, podías ver un autorretrato de Patti. Su cara en la cima de un triángulo, o una pirámide, y un poema, y más abajo una foto de ella. Un collage sencillo, expresionista, místico, donde se conjugaban la poeta y la artista.

     Si te ponías unos audífonos podías escuchar un tema de Horses, y eso te daba a una Patti también cantante y arreglista. Aquel maravilloso momento que muy pocos apreciaban (la gente pasaba por aquella sala como quien va tarde hacia una cita) era sin embargo apenas una chispa de lo que es Patti Smith, y que un documental como Patti Smith: Dream of Life (2008) nos muestra en su máxima expresión. Se trata de un trabajo que tomó diez años de realización, llevado, narrado, conducido por la misma Patti Smith, y que más que un documental, podríamos decir que es arte y poesía. Una joya, si duda, del director Steven Sebring, fotógrafo del fashion y del pop, pintor y director de comerciales.

Este excelente documental abre con las siguientes frases de la Smith: «La vida es una aventura diseñada por uno mismo, intervenida por el destino en una seria de accidentes afortunados y desafortunados». Así, el film se convierte en eso: en una aventura a través de la vida de Patti Smith, y cómo precisamente, ella ha ido buscando su camino a través del arte a pesar de los accidentes.

Smith como madre, Smith como hija, Smith como artista, como ser humano deprimido y cansado, como estrella, como admiradora de Walt Whitman, de William Blake, de Gregory Corso, de Percy Shelley, de Artur Rimbaud, de T. S. Eliot, de Jackson Pollock, de Kurt Cobain, entre otros.

            Patti Smith: Dream of Life, ganó el premio a Mejor Fotografía en el festival de Sundance, y estuvo nominada al Premio del Gran Jurado en el mismo festival. No te pierdas este fantástico documental en diciembre, dentro del espacio Real View, que este mes está dedicado a la música, junto a los documentales Elvis: That's The Way It Is (Special Edition), Imagine John Lennon, Berlín y Festival Express.

            Patti Smith: Dream of Life, este jueves 3 de diciembre en la señal este, y el jueves 10 en la señal oeste, dentro del espacio Real View, como ya dijimos, este mes, dedicado totalmente a la música. En Cinemax, somos lo que ves.

             Disfruta, saborea, complace tu buen gusto y date un banquete de películas culinarias este mes en Cenimax, dentro del espacio Filmanía y su ciclo Guía de Cine Gastronómico. Por estos lados, va la orientación. Tomar nota:

            —Bella (2006): El escenario: la ciudad de Nueva York. La chica: Nina (Tammy Blanchard), una camarera de un restaurante que es despedida de su trabajo y que además descubre que está embarazada. El chico: José (el astro mexicano Eduardo Verástegui), el chef del lugar, y primo del dueño. Los hechos: Cuando José se entera de que Nina ha sido despedida, intenta consolarla, y ella va y le cuenta que está embarazada y pretende abortar. Entonces él decide convencerla de que no lo haga, y se la lleva a dar vueltas por la ciudad. Para lograr su cometido, José deberá revelar los más profundos secretos de su pasado. Bella, ópera prima de Alejandro Gómez Monteverde bajo la producción de Steven McEveety (Braveheart, The Passion of the Christ), es un pequeño film de personajes que transita a través de la ciudad, mostrándonos todos sus aspectos, revelando cada rincón de Nina y José, y al mismo tiempo de la misma metrópolis, que se convierte a su vez en otro personaje, repleto de encanto, ternura, oscuridades, sufrimientos y basuras del alma. Bella obtuvo el premio de la audiencia en el Festival de cine de Toronto.

—Los placeres celestiales de Nina (2006): Dirigida por Pratibha Parmar, Los placeres celestiales de Nina es una comedia culinaria que nos presenta a Nina (otra Nina), una muchacha escocesa de origen Indio que huyó de su casa por desavenencias con su padre, quien la quiso casar por conveniencia con un hombre que no amaba. La historia comienza cuando ella regresa a Escocia luego de la muerte de su padre. Allí, descubre que el difunto, dueño de un muy prestigioso restaurante de comida, se inscribió en un concurso de alta cocina, y además se encuentra con una antigua y preciosa compañera de escuela que ahora es la propietaria del cincuenta por ciento del local. Nina se embarca así en una travesía donde deberá aprender a cocinar los más exquisitos platos de la comida india, y al mismo tiempo probar la fruta del amor lésbico al darse cuenta que se está enamorando de su antigua compañera y socia.

Los placeres celestiales de Nina, el miércoles 9 en la señal este, y el miércoles 30 en la señal oeste.

—Ratatouille (2007): Como muchos sabrán, Ratatouille es un plato tradicional francés, una especie de guisado de verduras, muy típico de la región de Provenza. Los creadores de Pixar encontraron este nombre, les gustó para un título y con éste bajo el brazo se inventaron una historia que ganó el Oscar a Mejor Película Animada en 2008. Aunque es una película dirigida a niños y jóvenes, su trama es complicada, y cómo no, puede ser también disfrutada por los adultos. En resumen, la historia trata sobre Rémy, una rata que ha encontrado un libro de cocina y se lo lee con pasión. Esto, unido a su magnífico olfato, convierte a Rémy en un excelente cocinero que termina probando sus habilidades en un restaurante de mucho prestigio en París. Eso sí, siempre escondido dentro de la gorra de Linguini, un lavaplatos que de la noche a la mañana, y gracias a Rémy, se convierte en la estrella de la cocina. Tales talentos, lo ponen en la cima de la candidatura como sustituto del difunto Gusteau, dueño del sitio y excelente chef, y quien además resulta ser el padre que Liguini nunca conoció. No obstante, las dificultades no han de faltar; no sólo porque Rémy es una rata, y como tal es odiada en todo establecimiento culinario que se precie de serlo, sino porque Skinner, el socio del difunto desea quedarse con la totalidad del local, por lo que precisa mantener en secreto el origen del joven Linguini, el verdadero heredero. Se trata así de una maravillosa comedia dramática, hecha con una asombrosa animación 3-D al mejor estilo de Pixar, compañía productora que ya no se lo piensa dos veces para hacer una gran película con argumentos complejos y serios. Muy disfrutable, tierna y divertida. No te la pierdas.

Ratatouille, el miércoles 16 en la señal este, y el miércoles 23 en la señal oeste.

 —Sin reservas (2007): De Scott Hicks, el director de Shine (1996) y Snow Falling Cedar (1999), podrás disfrutar de Sin reservas, un film protagonizado por Catherine Zeta-Jones y Aaron Eckhart, una «muy sabrosa» comedia romántica, bien presenta, bien actuada y con cierto toque de profundidad que se desarrolla en una cocina de restaurante, todo un campamento de guerra donde Kate (Zeta-Jones) entierra sus miserias. No obstante, la llegada de su sobrina y de un ayudante de cocina encantador y divertido (aunque algo irritante), cambiarán por completo su vida.

Sin reservas, el miércoles 23 en la señal este, y el miércoles 9 en la señal oeste.

—Estómago (2007): Cinta dirigida por Marcos Jorge basada en un cuento de Lusa Silvestre. Se trata de un drama con tintes de comedia que busca reflejar los aspectos culturales, sociales y económicos de una sociedad tomando la comida como metáfora. La historia está contada desde el personaje de Raimundo Nonato (João Miguel), un joven humilde del sur de Brasil que llega a la ciudad de São Paulo y que de la noche a la mañana comienza a tener éxito como cocinero. El film está narrado en dos planos. En el primero, con Raimundo en la cárcel; y en el segundo, un flashback que se convierte en el presente de la cinta, donde vemos a Nonato en la ciudad, surgiendo gracias a sus dotes culinarias. Esta segunda historia sirve sobre todo para contarnos por qué Raimundo Nonato llegó a la cárcel, respuesta que se mantiene en suspenso hasta el final de la cinta. Así, se nos cuenta su llegada, su primer momento como lavaplatos y como cocinero de un restaurante mediocre que se pone de moda gracias a él. Luego, la cinta nos lleva a los encuentros de Nonato con una prostituta de la que se enamora (Fabiula Nascimento), y a sus desavenencias con el dueño del restaurante. Todo esto, poco a poco, nos va llevando hacia el trágico punto de la trama en que Raimundo Nonato hace lo que hace para terminar en la cárcel.

Estómago fue considerada una de las diez mejores de Brasil en el año 2007 de acuerdo con la Asociación de Críticos de Cine de Río de Janeiro. También fue aplaudida por el público, que le concedió el Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro.

Estómago, el miércoles 30 en la señal este, y este miércoles 2 en la señal oeste.

Filmanía, en diciembre, se convierte en toda una Guía de Cine Astronómico, por Cinemax. Somos lo que ves.

            Yo siempre quise ser un gángster (J'ai Toujours Rêvé D'être Un Gangster, 2008) es el segundo film del francés Samuel Bencherit. Se trata de un film divertido, lleno de ritmo, trabajado en blanco y negro y muy audaz visualmente, que se estructura en cuatro mediometrajes unidos por cierto tópico más o menos libre y por una pequeña y olvidada cafetería de carretera. Referencias a Godard y a Jarmusch saltan a la vista sin que éstas se conviertan en copias sino en excelentes homenajes. Un joven (Edouard Baer) que pretende asaltar la cafetería sin un arma y termina encontrando el amor de su vida (Anna Mougladis), una chica con un pasado más peligroso que el del asaltante (cabe acá destacar el recurso del film nudo); un par de secuestradores inexpertos (Bouli Lanners y Serge Larivière) que raptan a una chica millonaria con tendencias suicidas que les hace la vida imposible y los convierte en samaritanos (Godard por todo el cañón); dos músicos (Arno y Alain Bashung) que se sientan a conversar (el diálogo es magistral) sobre canciones y mujeres robadas (el homenaje a Jarmusch y su Coffe and Cigarettes queda claro), y una banda de viejos maleantes (Jean Rochefort, Laurent Terzieff, Jean-Pierre Kalfon, Roger Dumas y Venantino Venantini) que luego de un intento fallido de asesinato deciden dar el último gran golpe robando un banco que solían asaltar.

            Yo siempre quise ser un gángster es toda una joya y no debes pasarla por alto. Está cargada de humor pero al mismo tiempo rebosa ternura y nostalgia. Una cinta que se centra en los perdedores, en gente demasiado inocente como para ser malos de verdad; y allí está la ternura, allí está el amor al ser humano, trabajando al ciento por ciento dentro del arte.

            Yo siempre quise ser un gángster, comenzando el mes de diciembre, el martes 1ero en la señal este, y el martes 8 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama. En Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 16:15 Dom 27/12/2009. Cinemax-O 19:15 Dom 27/12/2009. Cinemax-O 01:25 Mar 12/1/2010.

            En los últimos años Clint Eastwood está preocupado por la edad. Ya tiene 79, cualquiera que tenga esa edad, anda pensando en estos temas. El asunto es que Eastwood los lleva al cine. No lo hace en todas sus películas, claro está. Pero en la más reciente, Gran Torino (2008) fue una prueba de ello. Al igual que Jinetes del espacio (Space Cowboys, 2000), un film que se centra en la historia de cuatro viejos pilotos (entre ellos Eastwood) que son reclutados para salvar al planeta tierra de un terrible accidente espacial. La película no es Armageddon (1998) ni pretende serlo (de hecho, toma a chiste el asunto de salvar la tierra). Estamos más bien ante un drama con muy marcados toques de comedia donde los viejos demuestran que ellos todavía tienen mucho que darle a la humanidad, sobre todo si se trata de rescatarla de un satélite ruso descompuesto que está en vías de estrellarse contra el planeta. Con el fin de evitar tamaño de tragedia, la NASA contrata a Frank Corvin (Eastwood), ingeniero que diseñó el satélite (Corvin es el único que conoce esa antigua tecnología). Corvin, que nunca viajó al espacio, acepta la misión, pero pide a cambio que le dejen viajar con varios de sus antiguos compañeros que tampoco llegaron a ser astronautas. Aquí es donde aparecen nada más y nada menos que Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner. Por supuesto, todos ellos fueron pilotos experimentados de la fuerza área, pero igual deben tomar el entrenamiento para ser astronautas. Acá comienza la diversión y los conflictos, el drama y la comedia. Jinetes del espacio es una película profundamente humana, pero no busca la lágrima fácil, sino más bien el agrado, la risa, la diversión, y apela, sobre todo, a la idea del honor y de la fuerza interior de cuatro caballeros de edad avanzada. Eso es en el fondo Jinetes del espacio, una película sobre el honor, divertida, ligera, pero muy seria al mismo tiempo.

            Jinetes del espacio, un film ideal para empezar el mes de diciembre dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. No te la pierdas el lunes 7 de diciembre en la señal oeste y el lunes 28 en la señal este. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones:  Cinemax-O 01:45 Jue 10/12/2009. Cinemax-O 21:30 Dom 13/12/2009. Cinemax-E 22:45 Mie 16/12/2009. Cinemax-O 21:10 Sab 19/12/2009. Cinemax-O 21:25 Jue 24/12/2009. Cinemax-E 18:25 Sab 26/12/2009.Cinemax-E 20:30 Lun 28/12/2009. Cinemax-E 16:15 Mie 30/12/2009. Cinemax-O 19:15 Mie 30/12/2009.        

            Hotel sin salida (2007) de Nimrod Antal luce como esas películas de horror donde habrá mucho sadismo explícito, muchas tripas al aire y gente loca con máscaras en la cara. Pero si nos fijamos en algunos detalles, podemos empezar a sospechar que la cosa no va por ese lado. Para empezar, echémosle una mirada al director. Nimord Antal es un joven director norteamericano con raíces húngaras, que se fue a estudiar cine a Hungría y regresó a Estados Unidos con un filme exitoso bajo el brazo. Krontroll (2003), su primer largometraje, es una comedia negra cargada de muchísimo suspenso que transcurre en el subterráneo de Budapest. Este film inteligente que reinterpreta los cánones obtuvo el premio de la Juventud en Cannes, el Hugo en el festival de Chicago, el premio de la Audiencia en Filadelfia, y otro montón de premios en Hungría.

            Podemos fijarnos a continuación en la estructura de Hotel sin salida: se trata nada más que de una pareja. De una pareja (Kate Beckinsale y Luke Wilson) que se pierde en una carretera y termina en un hotel de paso. Dos personajes no son suficientes para una masacre, lo que nos hace pensar que quizás el asunto vaya por otro lado. Y efectivamente, Hotel sin salida toma otros caminos, más parecidos a los de Hitchcock que a los del hacha y los borbotones de sangre.

Si sumamos estos dos elementos (el director y la trama a los Hichtcock), a una excelente fotografía y buenas actuaciones, tenemos un film entretenido que va más allá del promedio. Se trata así de una película llena de suspenso, entroncada con la sicología de los personajes, su relación amor-odio y con la leyenda de los videos snuff. Ahí lo dejo y no digo más para no echarte a perder la diversión.

            Hotel sin salida, el lunes 16 de noviembre en la señal este, y el lunes 30 en la señal oeste dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:55 Dom 22/11/2009. Cinemax-E 23:10 Vie 27/11/2009. Cinemax-E 22:45 Jue 3/12/2009. Cinemax-O 21:55 Lun 7/12/2009. Cinemax-E 22:30 Mie 9/12/2009. Cinemax-O 00:50 Sab 12/12/2009. Cinemax-E 22:30 Dom 13/12/2009. Cinemax-O 01:25 Mie 16/12/2009.

Antes de partir (2007) de Rob Reiner me trae a la memoria dos antiguos elementos literarios o filosóficos. El primero de ellos tiene que ver con la muerte como igualadora social, la muerte como esa fuerza superior que arrasa con todos los niveles sociales, riquezas y privilegios. Al final, todos moriremos. Esto queda claramente expresado en Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique, esas elegías ya inmortales de la lengua española. Una de sus estrofas dice así:

Nuestras vidas son los ríos

que van a dar a la mar

que es el morir;

allí van los señoríos

derechos a se acabar

y consumir;

allí los ríos caudales,

allí los otros medianos

y más chicos,

allegados son iguales,

los que viven por sus manos

y los ricos.

Esta idea se enlaza también al tema del Tempus Fugit, el tiempo como un paso inexorable, como algo que se va y que tenemos que aprovechar. De allí también el segundo elemento importante que podemos ver en la comedia-drama de Reiner: el Carpe Diem. Vive el día, vive la vida, disfrútala que la muerte está cerca, que la muerte se viene, que la muerte siempre estará allí.

Son temas antiquísimos que se renuevan constantemente y que un director con cierta madurez y respeto en Hollywood como Rob Reiner puede afrontar sin ser lo suficientemente pesado ni tampoco muy ligero y superficial. Recordemos que Reiner fue el director de filmes como This is Spinal Tap (1984), Stand by Me (1986), When Harry Met Sally (1989), Misery (1990), A Few Good Men (1992), Ghost in Mississipi (1996), entre otros. Reiner sabe afrontar estas grandes producciones, y sobre todo trabajar con grandes estrellas; en el caso de Antes de partir con Morgan Freeman y Jack Nicholson, dos actores que ya están en su más que madura madurez, y que pueden entender a profundidad las características de estos dos personajes. Uno es el mecánico Carter Chambers (Freeman),  quien alguna vez fue un maestro de escuela muy preocupado por el aprendizaje; un hombre culto y sereno, con una vida de promedio, casado con la misma mujer durante años y con hijos ya crecidos; nada especial. El otro, Edwar Cole (Nicholson), es un millonario dueño de varios hospitales, de vida desastrosa, divorciado y todo lo demás que trae una vida de hombre adinerado y disipado. Ambos se encuentran en una misma habitación de un hospital, con la muerte pisándole los talones. Acá, por supuesto, comienzan esos guiños que nos presentan los temas que arriba refiero. Edward Cole, aunque es dueño del hospital, no puede tener, por las propias leyes que él ha implementado, una habitación para él solo; así que debe compartir con este mecánico, Carter Chambers: la muerte ya comienza a igualarlos, sin duda. El desencuentro inicial, da paso a una profunda amistad, donde ambos se dan cuenta de que el tiempo ha pasado, que el cáncer pronto se los llevará y que no han hecho de la mitad de las cosas que hubieran querido hacer en sus vidas. Así que dejan a un lado el tratamiento inútil, y se disponen a vivir la vida.

Antes de partir mezcla el drama con la comedia, y lanza al ruedo a estos dos grandes de la actuación en una especie de road movie donde el tema del Carpe Diem se exalta aún más con la oscura presencia de la muerte. Se trata sin duda de una excelente película que podrás disfrutar en este mes de noviembre.

Antes de partir, el lunes 16 en la señal oeste, y el lunes 30 en la señal este, dentro de espacio Cinergia. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-E 22:40 Jue 19/11/2009. Cinemax-O 21:45 Mar 24/11/2009. Cinemax-E 20:30 Lun 30/11/2009. Cinemax-E 19:00 Mie 2/12/2009. Cinemax-O 23:30 Sab 5/12/2009. Cinemax-E 18:45 Dom 13/12/2009.Cinemax-O 22:05 Mie 16/12/2009. Cinemax-E 20:30 Sab 19/12/2009. Cinemax-O 21:45 Mar 22/12/2009. Cinemax-E 18:40 Vie 25/12/2009. Cinemax-O 01:20 Lun 28/12/2009.Cinemax-E 16:40 Jue 31/12/2009. Cinemax-O 19:40 Jue 31/12/2009.

La quinta cinta de la saga de Harry Potter está en Cinemax. Harry Potter y la orden del Fénix (2007), está dirigida por David Yates, el director que en definitiva se encargará de llevar la serie hasta su final. No es para menos, Yates demostró que puede llevar a la gran pantalla un libro de no menos de 800 páginas con una gran cantidad de subtramas y temas, sin perder el rumbo, y manteniendo medianamente contentos a los fans (cosa que resulta bastante difícil). Harry Potter y la orden del Fénix tiene de todo: es una película de género fantástico-maravilloso, una historia gótica, un thriller, una pieza policial, un film político, y una historia de amor, de aventura y de mitos antiguos; todo, bien puesto, bien imbricado, bien logrado. Harry y sus pesadillas, la cercanía de Voldemort, la aparición de la mala malísima Dolores Umbridge (según Stephen King la mejor mala de los últimos tiempos después de Hannibal Lecter), y el comienzo de la Segunda Guerra de la Magia son apenas algunos de los elementos que se asoman en esta nueva entrega de la saga de J.K. Rowling. Acá tendremos a un Harry más adulto, pero también cada vez más cerca de la crueldad del mundo y del sacrificio. Con el joven mago, también se crece la serie.

            Harry Potter y la orden del Fénix, hoy lunes 26 de octubre por la señal este dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 16:05   Mie 28/10/2009. Cinemax-O 19:00 Mie 28/10/2009. Cinemax-O 21:15 Sab 31/10/2009.

            Así, a gran escala, quizás todo empezó con Indiana Jones, por allá por 1983. Un investigador intelectual, pero al mismo tiempo muy físico, muy sexy, que se va tras la búsqueda de un gran secreto, o «tesoro». El formato está allí, así como en las novelas protagonizadas por científicos aventureros, como aquella de Arthur Conan Doyle publicada en 1912, o las protagonizadas por caballeros ingleses con temperamento, al estilo de Julio Verne. El referente está allí, y Hollywood lo tomó. Luego vendría El péndulo de Foucault (1988) de Umberto Eco, y a raíz de Eco y del esoterismo ramplón de la Nueva Era, surgiría el fenómeno Dan Brown en 2003, y su investigador Richard Langdon: un estudioso no tan aventurero, pero que terminaría siendo, por obligación, una especie de hombre de acción, un detective de lo místico (gracias a Conan Doyle otra vez y a Umberto Eco). Pero claro, Brown es inglés, y sus novelas transcurren en Europa; así que Hollywood pronto salió corriendo a darle la vuelta al asunto: vamos a crear un Langdon criollo, un Langdon de por estos lados, un Langdon que hable de nuestros padres fundadores, de nuestra América. Los misterios del pasado están a la orden del día. Saque su misterio, venga, en el Mercado de las Pistas Sagradas hay de todo. Y así, Sherlock ya no fue Sherlok, Indiana ya no fue Indiana, y Langdon ya no fue Langdon (se me olvida el nombre), y de un solo manotazo (o ideazo) pasó a llamarse (para que no cupiera duda de su origen patriótico) Benjamín Franklin Gates, historiador aficionado a la criptología. Así fue cómo, supongo yo, nació el personaje y más atrás el guión y el título cinematográfico: La leyenda del tesoro escondido (National Treasure, 2006), una película de Jon Turteltaub (Phenomenom, Instinct, entre otras). La leyenda del tesoro escondido es la historia de la búsqueda de… un tesoro, cuyas pistas se encuentran en la mismísima Acta de la Independencia de los Estados Unidos. Pero claro, para llegar al tesoro, ¿qué hay que hacer? No sólo buscarlo, sino ir pista tras pista, reliquia tras reliquia, al mejor estilo de un sabueso historiador. La leyenda del tesoro escondido es un film entretenido protagonizado por Nicolas Cage (él es Ben Gates), con las actuaciones de Diane Kruger, Sean Bean, Jon Voight, Harvey Keitel y Christopher Plummer. Mucha acción, mucho suspenso, mucha tecnología y efectos especiales tras la búsqueda de aquel tesoro escondido por los famosos padres fundadores. Si  duda, una excelente película para los lunes de Sinergia.

            La leyenda del tesoro escondido, este lunes 19 de octubre en la señal este, y el lunes 26 en la señal oeste, como ya dijimos, dentro del espacio Sinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Podríamos decir que Suéltate el pelo (Hairspray, 2007) de Adam Shankman es una adaptación de una película original de Roger Waters, ese director de cine norteamericano tan particular y que más de una vez ha hecho estallar la paciencia de más de una señora o señor conservador. No obstante, Hairspray, la original, la de Waters, fue uno de los intentos del controversial director por buscar una audiencia más grande; por lo que este film, desde su concepción, resulta más ligero y menos provocador. Aunque cuenta con la presencia del transformista Divine, haciendo como siempre de señora, el público la digirió sin mayores quebrantos. De hecho, su ganancia fue muy poca (ya sabemos que el escándalo también trae taquilla). No sería sino con el tiempo que la película tomaría fuerza, hasta convertirse en una pieza de culto. Había algo en ella algo bonito, algo social que atraía. Recordemos que se trata de una chica gorda de los años sesenta que sueña con ser la estrella de un programa de baile en la televisión. La chica termina alcanzando su sueño y además luchando por la integración racial. La historia es sin duda atractiva, y el tema también. Así que Broadway terminó versionándola y convirtiéndola en (no era para menos) un musical, que sí tuvo éxito inmediato y que ganó un montón de premios Tony.

Así, llegamos a la versión que hoy nos ocupa, la Hairspray (Suéltate el pelo) de 2007. Se trata de un musical, por lo que estamos hablando de una versión no de la película de Waters, sino más bien una hija de la obra musical, que al igual que la versión de Hollywood tuvo un gran éxito de ventas.

Una comedia fresca, humana, llena de buena música y con la participación de estrellas como John Travolta (en el papel de la madre que hiciera Divine), Michelle Pfeiffer, Christopher Walken y Queen Latifah, entre otros.

            Suéltate el pelo, el lunes 12 de octubre en la señal este, y el lunes 5 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 14:10 Sab 17/10/2009. Cinemax-O 16:20 Sab 17/10/2009. Cinemax-E 17:25 Mie 21/10/2009. Cinemax-O 20:40 Sab 24/10/2009. Cinemax-O 21:25 Mie 28/10/2009. Cinemax-E 19:30 Sab 7/11/2009.Cinemax-O 23:45 Sab 14/11/2009.

            Pura suerte (2007) de Curtis Hanson tiene varios elementos a destacar. Se trata, para empezar, y precisamente, de un film de un director con prestigio en Hollywood que ha realizado, entre otros, filmes como Bad Influence (1990), The Hand That Rocks The Cradle (1992), L.A, Confidential (1997), y más recientemente Wonder Boys (2000). De todos, dos de los más destacables son L.A Confidential, film noir basado en una novela de James Ellroy y que llevó a la fama a Russell Crowe, y por supuesto, Wonder Boys, film basado también en una novela, en este caso de Michael Chabon, y que nos cuenta los avatares de un profesor de literatura que se enfrenta a la crisis de la media edad.

            En Pura suerte también hay que destacar el tema de Las Vegas, ciudad que paulatinamente se ha levantando dentro del urbanismo de Hollywood, ocupando así lugares en el imaginario del público. En este caso, Hanson se aleja de los caballeros ladrones de Soderbergh, y nos adentra en un terreno no menos conocido, pero igual de inexplorado: la vida de un jugador de póker. Y tómese en cuenta que he dicho «la vida». Se trata de un drama serio, sobriamente narrado que nos lleva a través de los días Huck Cheever, un experto en póker interpretado por Eric Bana.

Huck se maneja con perfecto orden y simetría en el juego, pero su vida es tan fría como los cálculos que debe hacer para ganar en la baraja. El dicho dice algo así como «afortunado en las cartas, desgraciado en el amor». Pues algo así, pero en este caso, la soledad de Huck es absolutamente conciente e intencionada. Algo en su pasado lo ha anulado, lo ha convertido en un ser cerebral, dañado para sentir emociones. Y esto es la relación con su padre, y a su vez de su padre con su madre. No obstante, el muro de contención comienza a resquebrajarse cuando conoce a Billie Offer, una joven cantante interpretada por Drew Barrymore, y vuelve a aparecer en su vida nada más y nada menos que mismísimo padre, otro gran jugador profesional de póker.

            Se trata así de una historia de cambio, de crecimiento, llevada por la imagen del padre, interpretado por Robert Duvall, siempre excelente en sus roles. Claro está, entre Billie y Huck, surge un romance, pero, así como el mismo tema del póker, el romance está en función de los personajes, y no es un elemento azucarado puesto para sacarnos lágrimas de los ojos.

            Pura suerte es un film sin pretensiones sobre grandes temas de la vida. Hanson sabe llevarlo, y no se deja caer en facilismos. Sus actores, aunque grandes estrellas, se concentran en hacer su trabajo y lo hacen sin divismos. El resultado, una pieza dramática con actores de primera, de las que ya poco se ven en Hollywood.

            Pura suerte, un film perfecto para comenzar octubre. El lunes 5 en la señal este y el lunes 19 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:15 Jue 8/10/2009. Cinemax-E 15:55 Dom 11/10/2009. Cinemax-E 15:45 Sab 24/10/2009. Cinemax-O 18:25 Sab 24/10/2009.

            Harry Houdini tuvo una búsqueda toda su vida. Él quería saber si había un más allá, un mundo ultraterreno de fantasmas o almas. De hecho, se metió de lleno en el mundo de los «médiums», y con mucho éxito desenmascaró a los farsantes. Era mago, sabía de trucos. Incluso, al final de su vida, le dejó el encargo a su esposa que tratara de comunicarse con su espíritu, con el fin de él decirle si había un más allá —en caso que lo hubiere— y contarle cómo era. Podemos decir que Houdini pretendía escapar de la muerte, su más grande acto. Tengo entendido que Bess, su esposa, estuvo tratando de comunicarse con él durante diez años. La historia dice que al cabo de este tiempo, apagó la vela que estaba sobre la mesa de espiritismo y dijo: «Diez años son suficientes para esperar un hombre.»

            El film El último gran mago (2007) de Gillian Armstrong (Little Women, Oscar and Lucinda) gira en torno a Houdini y a su obsesión con lo paranormal. Pero también le da un duro golpe a la pobre señora de Houdini, es decir a Bess; pues en esta historia el mago (Guy Pearce) se enamora de una supuesta síquica (Catherine Zeta-Jones), durante una visita a la ciudad de Edimburgo. Allí ha ido a parar Houdini en una de sus famosas giras en las que retaba a los síquicos a descubrir, por ejemplo, cuáles fueron las últimas palabras de su madre antes de morir. A cambio, para el ganador, hay mucha plata. Y ahí es donde entra Zeta-Jones y su hijita (Saoirse Ronan), dos muy diestras estafadoras que aceptan el reto de Houdini. Para ello, se meten en su vida, y por esa vía, claro está, viene el picotazo del amor. Es decir, de algún modo, Houdini parece entrar en esta película en uno de sus más grandes retos: escapar del amor.

            Así que acá tenemos pues un drama amoroso, protagonizado por actores de renombre en Hollywood y rodeado además de cierta luz y de cierto encanto de época que a muchos atraerá, y que dejará un buen sabor de boca. Una especie de fábula, de aventura, de ensueño mágico.

            El último gran mago, este lunes 14 de septiembre en la señal oeste, y el lunes 28 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 20:30 Lun 28/9/2009. Cinemax-E 16:30 Mie 14/10/2009. Cinemax-O 18:30 Mie 14/10/2009. Cinemax-E 15:15 Dom 18/10/2009. Cinemax-O 18:05 Dom 18/10/2009. Cinemax-E 14:15 Vie 23/10/2009. Cinemax-O 17:40 Vie 23/10/2009. Cinemax-E 21:30 Mar 27/10/2009. Cinemax-E 10:15 Sab 31/10/2009. Cinemax-O 14:15 Sab 31/10/2009.

            A algunas personas les gusta decir que una película no sirve sólo porque en el pasado hubo otra «mejor» (según su entender), y porque en esta nueva oportunidad se trata de una producción de Hollywood con grandes estrellas. Pues bien, este es quizás el caso de Invasores (2007), protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig. Invasores es la cuarta película que se hace sobre una muy particular y orgánica invasión extraterrestre inspirada en una novela del escritor norteamericano Jack Finney.

La primera, Invasion of the Body Snatchers es de 1956, y me van a perdonar los puristas, pero no es una gran película, para nada. En realidad es bastante floja y deja mucho que desear. Otra versión, la de 1978, es quizás la mejor de todas. Invasion of the Body Snatchers de 1978, está dirigida por Philip Kaufman (Rising Sun, Henry & June, The Unbearable Lightness of Being), y protagonizada por Donald Sutherland. Esta cinta, querido amigo, sí que te pone los pelos de punta, y te mete en esa sensación de claustrofobia y alienación que implica una invasión alienígena absolutamente silenciosa e imparable. Podría decirte que se trata de una obra maestra de la ciencia ficción; por lo menos para mí. Luego vino otra película en los noventa, realmente lamentable, y lo siento por Abel Ferrara, su director. Me atrevo a decir que lo único bueno de esta versión de Ferrara es la hermosísima Gabrielle Anwar. Nada más.

Invasores, la primera versión del siglo XXI (supongo que habrá otras en el futuro), está dirigida por Oliver Hirschbiegel, cineasta alemán que ha descollado en el cine por dos grandes películas. La primera, de bajo presupuesto, pero magníficamente dirigida, es el thriller Das Experiment (2001); y la segunda, Der Untergang (Dawnfall, 2004) una producción más costosa que contó con la participación del gran Bruno Ganz haciendo de Hitler. Esta versión invasiva cuenta además con dos súper estrellas: Kidman y Craig. Así que algunos podrían esperar una gran película, pero otros, de antemano, algún productito de Hollywood, y no se les quita la razón.

La verdad es que Invasores nos aporta una nueva visión, le mete una historia de amor a la cosa y un final de redención. «El amor, el amor siempre lo hecha a perder todo en Hollywood», dirá alguien. Y yo debo decir que en este caso no es así. Por otro lado, y me van a permitir cierto adelanto, como toda película de Hollywood, yo suponía que los protagonistas iban a salir bien parados de todo (cosa que no ocurre en el libro ni en la película del 78, por ejemplo), y me preguntaba una y otra vez si los guionistas iban a solucionar el dificilísimo dilema, o la iban echar a peder fenomenalmente y ya. Para mi sorpresa, el final fue convincente. No digo más.

Kidman, la batuta de la cinta, se lanza una actuación soberbia. Cuando una hermosa mujer sufre, uno sufre también, y si actúa bien, mucho más. Y yo sufrí. Daniel Craig, por su parte, también sabe actuar muy bien, y junto a Kidman, le da al film un toque actualizado, con más acción, tensión y angustia (menos terror, eso sí).

El tema del niño, del hijo, que genera grandes angustias en los que somos padres, está muy bien tratado y pienso que quizás le venga a los guionistas de la moda McCarthy. Recordemos que Cormac McCarthy ganó recientemente el Pulitzer por La carretera, novela en la que el tema del padre y el hijo está muy presente. Especulo nada más, pero hay mucha semejanza en Invasores con la novela de McCarthy, y no puedo dejar de mencionarla. Eso sí, sin duda su director y los guionistas quisieron hacer algo distinto y, con toda honestidad les digo que lo lograron.

Invasores, este lunes 7 de septiembre en la señal oeste, y el lunes 21 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 16:30 Sab12/9/2009. Cinemax-E18:55 Mar 15/9/2009. Cinemax-O 00:10 Sab 26/9/2009. Cinemax-E 18:55 Dom 27/9/2009. Cinemax-O 20:40 Mie 30/9/2009. Cinemax-O 20:40 Lun 5/10/2009. Cinemax-E 22:15 Vie 9/10/2009. Cinemax-E 18:40 Mar 13/10/2009. Cinemax-O 00:35 Sab 17/10/2009. Cinemax-E 22:05 Lun 19/10/2009. Cinemax-O 00:00 Vie 23/10/2009. Cinemax-E 19:45 Sab 24/10/2009. Cinemax-O 23:45 Vie 30/10/2009.

            ¿Cuántos personajes no le han vendido su alma al diablo? Recordemos nada más las obras de Goethe, de Berlioz, de Wagner, de Mann, de Valery, y ya tenemos bastante. Eso sí, cada quien le pone su variación, cada artista lo adapta a sus necesidades. Y de este modo, tenemos distintos Faustos, como aquel de los setenta, un fausto hecho por Marvel Comics que le vende su alma al diablo por razones humanitarias, pero que también anda en motocicleta con la cabeza en forma de calavera incidida en fuego. Vaya variante, ¿no? Ese Fausto se conoció bajo el nombre de Johnny Blaze, pero también como se tituló la serie de cómics: Ghost Rider.

            En 2007, Jonny Blaze resucitó y pasó a la gran pantalla, interpretado por Nicolas Cage, en una súper producción llena de efectos especiales y mucha emoción. ¿El nombre? Ghost Rider. El antihéroe estuvo allí, de vuelta, con la cara de Cage, quien sabe muy bien, quizás incluso sin mucho esfuerzo, poner cara de inocente que ha sido torturado hasta el cansancio, y al mismo tiempo aplicarle algo de esa rudeza de héroe de acción que le cuadra tanto y le hace muy bien a sus papeles (a pesar del cabello que va desapareciendo). Ghost Rider tiene suficiente de lo que puedes esperar. Efectos especiales excelentes, un trama alucinada llena de demonios y conspiraciones demoníacas, y por supuesto mucho de héroe (o más bien antihéroe) luchando contra el mal, en este caso, gracias al mal que lleva adentro.

Nada más que decir. Sólo debes verla.

            Ghost Rider, el lunes 14 de de septiembre en la señal este, y el lunes 21 en la señal oeste dentro del espacio Cinergia. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:25   Jue 17/9/2009. Cinemax-O 20:45 Mie 23/9/2009. Cinemax-E 22:45 Vie 25/9/2009. Cinemax-O 20:45 Dom 27/9/2009. Cinemax-E 18:30 Mar 29/9/2009.

            Las vueltas de la vida (2007) es el primer largometraje de Susannah Grant, la escritora de los filmes 28 Days (2000) y Erin Brockovich (2000), este último, protagonizado por Julia Roberts, obtuvo excelente taquilla y un cierto grado de apreciación en la crítica que terminó reflejándose en sus nominaciones al Oscar. Si bien, dos estrellas de la «ternura» y la empatía como son Sandra Bullock y Julia Roberts fueron las estrellas de los dos filmes anteriores donde la Grant funcionó como guionista, esta vez tenemos, bajo su dirección, a Jennifer Garner, actriz joven, hermosa, sexy y con cierto aire de inocencia que se ha hecho de su buena cantidad de fans (hombres y mujeres), atrapados todo en el amor platónico que inspiran las súper estrellas. Garner es sin duda el centro de este drama que termina convirtiéndose en una muy solvente y entretenida comedia romántica con su toque de misterio y búsqueda espiritual, donde una chica (Garner) experimenta un renacer espiritual luego de la trágica muerte de su prometido. En su doloroso viaje hacia la curación, la chica descubre que aquel con quien estuvo a punto de casarse era un absoluto extraño que tenía un hijo y más de un millón de dólares en el banco. Acompañando  a la Garner en la parte romántica (no el muerto, sino el quien queda para consolar el dolor) están Timothy Olyphant y Sam Jaeger, dos amigos del difunto y de la novia-viuda que entran en juego por ganarse el amor de ella. Kevin Smith, el tercer amigo del asunto, le aporta a la pieza mucho de la bufonería de la comedia. El contexto de ríos, pescas y distancias para «olvidar», le da cierto tono filosófico a la historia, con algo de oriental que se mantiene allí, flotando sin saturar pero tampoco sin ahondar demasiado. Las imágenes y los símbolos están allí, pero la directora no pierde su norte: lo de ella es una película de redenciones, de curaciones de alma a través del romance, de la comedia romántica. No debemos olvidar a la siempre «descocada» Juliette Lewis en una actuación de la suyas que la convierte en una pieza fundamental para la película, pues ella es la «otra» misteriosa de la parte (también) misteriosa de esta historia.

Las vueltas de la vida, se trata pues de un viaje espiritual hacia el misterio y el amor, convertido en una excelente pieza para comenzar en septiembre nuestros lunes de Cinergia. Puedes verla el lunes 7 en la señal este, y el lunes 28 en la señal oeste, tal como ya dijimos, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:30 Mar 15/9/2009 Cinemax-E 16:25 Vie 25/9/2009  Cinemax-O 18:45 Vie 25/9/2009.  

            Valiente (2007) es una película para Jodie Foster. Su director, Neil Jordan es muy conocido en el mercado, y ha hecho trabajos serios y valiosos, entre los que se encuentran The Crying Game (1992), The End of the Affair (1999), In Dreams (1999), The Butcher Boy (1997), Michael Collins (1996); no obstante, Valiente se nos antoja un trabajo comercial más en el estilo de su Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles (1994). Se trata pues de un film hecho para hacer dinero y para dejarle todo el espacio a su gran estrella: Jodie Foster. No obstante, no debes creer que Valiente se queda en la superficie del entretenimiento. Más de un crítico ha dicho que la película se hermana con aquellas de los setenta y los ochenta, con Clint Eastwood y Charles Bronson haciendo de justicieros duros que, aunque perteneciendo a la ley (Clint Eastwood) actúan fuera del marco legal. Debo decir que Valiente me recordó más Taxi Driver de Scorsese, no sólo por el esquema involutivo de su personaje, sino también por la calidad de dirección de la obra. Valiente no es una pieza hecha por no dejar y, aunque no es su mejor trabajo, el arte de Jordan se nota a distancia. Hablando de Eastwood, Valiente, aunque anterior, se acerca más en sus planteamientos a Gran Torino (2008), donde claramente Eastwood se ubica en otros tiempos, en nuestra actualidad y en su madurez, y nos presenta una pieza donde el tema del justiciero por mano propia es visto de una manera menos ligera, menos frívola desde el punto de vista del entretenimiento. Aquel que alguna vez le echó plomo a media humanidad en el rol de Harry el Sucio, ahora se convierte en un conciliador de etnias y en víctima crística de sus errores pasados.

            Jodie Foster en Valiente es también una justiciera de gatillo que actúa al margen de la ley. Sus razones: su vida tranquila de locutora niuyorkina se ve interrumpida un día de ejercicios por Central Park por un trío de delincuentes que matan a su prometido y la golpean a ella hasta el borde de la muerte. El personaje de Foster, a partir de este incidente comienza a evolucionar-involucionar, y cuando el momento de empezar a tomar la justicia por su propia mano de presenta, ella entra en un profundo conflicto, donde irá descubriendo sus oscuridades. Dentro del personaje de la Foster habita un ser extraño, radical y violento, a quien no le tiembla el puso a la hora de matar. Un ser peligroso y autodestructivo, sí, pero al mismo tiempo fascinante. Durante toda la cinta, la Foster se luce, mostrando su amplio rango actoral gracias a este conflicto interno. La vemos reír, la vemos llorar, la vemos temer, la vemos delirar, la vemos matar. Jordan, por su parte, intenta ir llevando la cinta hacia buen término, sabiendo que éste es un trabajo comercial que a su vez busca dejarle todo el terreno a la Foster. Por momentos, lo comercial parece ganar (pareciera que el director buscara siempre ese difícil equilibrio en todas sus cintas). No obstante, a pesar de los altibajos, Jodie Foster siempre queda bien parada, pues su actuación eriza y complace. En ocasiones la actriz pareciera llevarnos al pozo de la hipérbole sobreactuada y del rechazo, pero ella logra salir de allí siempre con éxito (ésta es quizás una de sus más destacadas particularidades actorales), y nosotros podemos seguir con ella, satisfechos e interesados, hasta el final.

            Valiente, el próximo lunes 24 de agosto en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O  20:30  Mar  18/8/2009. Cinemax-E 18:15  Vie 21/8/2009. Cinemax-O 20:30 Jue 27/8/2009. Cinemax-O 22:30 Sab 5/9/2009. Cinemax-O 00:20 Sab 12/9/2009. Cinemax-E 20:45 Sab 19/9/2009. Cinemax-O 00:30 Mie 23/9/2009. Cinemax-E 18:15 Jue 24/9/2009. Cinemax-E 18:15 Lun 28/9/2009.

            Bueno, no puedo venir acá a decir que la gente ha dicho maravillas sobre esta película, porque en realidad la crítica la destrozó. No obstante, también debo decir, como muchos que también la han visto, que la saña con la película es hasta cierto punto injustificada. Creo que su director y su protagonista tuvieron mucho que ver en eso de la animadversión que suscitó entre los especialistas. Joel Schumacher (The Lost Boys, Falling Down, The Client, Flatliners, A Time to a Kill, 8MM, Batman & Robin, Batman Forever, Veronica Guerin, entre otros) es un director que hace tiempo no despierta simpatía en ciertos sectores. Algunos detestan sus maneras de señora, otros que haya echado a perder la serie de Batman. Por su lado, Jim Carrey, ese comediante de modos exagerados y estridentes, se ha ganado más de una antipatía entre aquellos que no gustan de los escándalos cinematográficos. Yo creo que hubo mucha ojeriza por eso. Porque en realidad, La revelación (The Number 23, 2007) es un film con una premisa interesante, muy estilizado (como la mayoría de los films de Schumacher), que funciona muy bien como thriller, pero que además tiene otros niveles de lectura, que no sólo se quedan en los teorías de conspiración y en los misterios en torno al número 23 (2 divido entre 3 da 0,666…; Shakespeare nació un 23 —se especula— de abril y murió un 23 de abril también; Cervantes murió un 22, pero fue enterrado un 23 —otros dicen que murió el 23; los templarios tuvieron 23 grandes maestros; etc.) sino que también nos muestra de un modo metafórico a veces y otro muy directo los procesos de la escritura narrativa literaria, y en eso, la película resulta un hallazgo. Pero vayamos un poco a la historia: un trabajador de la perrera musical (Jim Carrey), recibe el día de su cumpleaños un regalo de su esposa: un libro artesanal titulado Number 23. La historia de un rudo detective que se confiesa asesino, se convierte en un extraño paralelismo para el empleado municipal, que termina obsesionándose con la cifra 23 que no sólo se repite en el libro de manera obsesiva, sino que también tiene que ver con momentos de su vida, fechas, eventos y muchos otros detalles inquietantes.

            Sin duda, la premisa resulta interesante, sobre todo considerando que el film plantea lo de la escritura, el doble y el misterio cabalístico del 23, en una mezcla atractiva de suspenso. Quizás hacia el final el film se decide por lo comercial, y abandona perspectivas más profundas. No obstante, no deja de ser una pieza extraña, particular, y diferente en el panorama cinematográfico norteamericano que, como ya dije, al final se traiciona un poco. Pero queda de parte de espectador, decir si está de acuerdo con las críticas negativas o si ha quedado con un juicio propio más benévolo.

            La revelación, el lunes 17 de agosto en la señal oeste, y el lunes 31 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. En Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:40 Mie 19/8/2009. Cinemax-O 21:00 Mar 25/8/2009. Cinemax-E 18:40 Vie 28/8/2009. Cinemax-E 20:30 Lun 31/8/2009. Cinemax-E 22:05 Jue 3/9/2009. Cinemax-E 20:45 Sab 5/9/2009. Cinemax-O 00:45 Lun 7/9/2009. Cinemax-E 18:55 Mar 8/9/2009. Cinemax-O 22:30 Sab 12/9/2009.            

            Y para otro gran lunes de Cinergia en Cinemax, tenemos de nuevo a uno de los más grandes astros del cine momento: George Cloony, repitiendo ahora en Tormenta Perfecta (2002), un film de Wolfang Petersen, un director ya experto en películas de acción, y también en tormentas. El director alemán se hizo célebre, como muchos ya sabrán, por el film Das Boot en el año 1981. De allí pasaría a hacer una miniserie con el mismo nombre, y ya en Estados Unidos, radicado en Hollywood, se convertiría en uno de los cineastas que más saben sobre películas mojadas, es decir, que ocurren en el mar, en el agua, sobre botes. De allí que fuese también el director de Tormeta Perfecta y de Poesidón (2006). Por la parte de la acción, no debemos olvidar que dirigió In the line of fire (1993), Air Force One (1995) y Troya (2004). Y hasta con la ciencia ficción se ha metido: recordemos el ya clásico Enemy Mine (1985) y Outbreak (1995). ¿Desordenado? ¿Disparejo? No sabría decir. Lo cierto es que Petersen es de esos directores en los que los ejecutivos de Hollywood ponen con toda confianza mucho pero mucho dinero para trabajar con grandes estrellas y hacer súper producciones. Ese es quizás el punto de contacto. Aunque no podemos negar, en el caso de Tormenta perfecta, que su experticia en el agua y con la acción está más que probada. Así que para estos lunes de Cinergia puedes contar con un film lleno de efectos increíbles, llevado con un brazo viril y experto y sustentado por las actuaciones de Clooney, Mark Wahlberg, Diane Lane, John C. Reilly, William Fichtner, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Ironside, entre otros. Clooney, como siempre, haciendo gala de su poder ante la cámara, que se doblega ante su carisma que no lo hace muy versátil, pero si un actor instaurado en la masculinidad y la actuación soberbia, siguiéndole los pasos al viejo Bogart que ya sabemos. Sin duda, el doctor de ER ha llegado muy lejos en su carrera, un logro realmente notable, considerando que los actores de televisión no alcanzan alturas como éstas cuando dan el paso a la gran pantalla.

La historia, basada en una novela de Sebastian Junger, y ésta a su vez en un hecho real, se resume a lo siguiente: La nave Andrea Gail sale a la mar, y dos semanas más tarde se encuentra con la más grande tormenta jamás vista. ¿Más argumentos? No hacen falta, este film promete mucha adrenalina y mucha agua. Mucha emoción para un lunes en la noche.

            Tormenta Perfecta, el lunes 10 de agosto en la señal oeste, y el 6 agosto en la señal este, dentro del espacio Cinergia. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:30 Mie 12/8/2009. Cinemax-O 20:25 Dom 16/8/2009. Cinemax-E 18:25 Mar 18/8/2009. Cinemax-O 20:25 Vie 21/8/2009. Cinemax-E 18:25 Lun 24/8/2009. Cinemax-E 18:10 Sab 29/8/2009. Cinemax-E 18:10 Vie 4/9/2009. Cinemax-O 20:25 Dom 6/9/2009. Cinemax-E 20:30 Sab 12/9/2009. Cinemax-E 22:45 Jue 17/9/2009. Cinemax-O 20:10 Lun 21/9/2009. Cinemax-O 22:30 Sab 26/9/2009.

            Ahora son 13 (Ocean´s Thirteen, 2007) hay que entenderla como una parodia, como un film de comedia con mucho lujo. No sin razón tiene lugar en Las Vegas, tierra del Rat Pack de Frank Sinatra, y cuenta con un electo realmente estelar (Brad Pitt, Al Pacino, Matt Damon, Andy García, Don Cheadle, Ellen Barkin, Casey Affleck, Vicent Cassel, entre otros), al igual que las dos películas anteriores. Danny Ocean (George Clooney) vuelve otra vez con su pandilla de hábiles ladrones, esta vez para ganarle la partida a un duro dueño de casino encarnado por Pacino, justo el día de la inauguración de su gran negocio de apuestas. Clooney, en asociación con el director Steven Soderbergh, nos trae así otra nueva cinta, muy sobria pero al mismo tiempo repleta de un muy acertado diseño de producción. Gracias al astro carismático, el director de Sexo, mentiras y video (1989) ha sabido hacerse con un espacio comercial con estas cintas, sin dejar a un lado el trabajo artístico de la cámara y el juego de la parodia post-modernista, donde asistimos a unas muy divertidas desconstrucciones de diálogos y de escenas prototipo que nos hacen pasar gratos momentos.

            Ahora son 13, el lunes 3 de agosto en la señal oeste, y el lunes 17 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, comenzando el mes de agosto en Cinemax. Porque ya lo sabes, en Cinemax somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:15 Vie 7/8/2009. Cinemax-E 16:05 Dom 9/8/2009. Cinemax-O 18:25 Dom 9/8/2009. Cinemax-O 20:30 Vie 14/8/2009. Cinemax-E 20:45 Lun 17/8/2009. Cinemax-O 20:30 Jue 20/8/2009. Cinemax-E 18:20 Dom 23/8/2009. Cinemax-E 18:30 Jue 27/8/2009. Cinemax-O 20:20 Sab 29/8/2009. Cinemax-O 00:30 Lun 31/8/2009.                                  

            Detrás del film Primo Basilio de 2007, hay una larga historia que se remonta a finales de siglo XIX. Se trata originalmente de una novela de uno de los más grandes novelistas de Portugal, José Maria Eca de Queiroz, autor de otra novela que también fue llevada al cine, pero en un ambiente rural mexicano, El crimen del padre Amaro. Eca de Queiroz fue un concienzudo retratista de la sociedad de su tiempo. No obstante, sus novelas transcienden el marco histórico y la nación portuguesa, y permiten nuevas lecturas muy actualizadas en cada tiempo. El escritor fue un insigne revelador de las realidades del alma humana. En el caso de Primo Basilio tenemos una mirada descarnada y brutal a las relaciones de pareja, a la infidelidad y al soborno. Luísa, la protagonista de la novela de Eca de Queiroz, nos recuerda mucho a la madame Bovary de uno de los máximos representantes del realismo literario, Gustave Flaubert. Recordemos que la novela de Flaubert fue publicada en 1857, y Primo Basilio, con fuerte influencia realista, en 1878. Luísa le es infiel a su marido, como lo fue Emma. Pero Luísa lo hace con uno solo, con su primo Basilio, un atractivo, galante y despiadado personaje (más bien cobardón) . Pero ese primer desliz de Luísa es suficiente para Eca de Queiroz, y con él marca el inicio de la tragedia de la protagonista. Una servicio de casa, la vieja Luisina, amargada y ambiciosa, comienza a extorsionar a Luísa, y así la sumerge en un foso sin fondo de penas y atrocidades. Como ves, no es una simple o relamida historia de amor, ni tampoco un dramón de infidelidades. Es algo más, una vuelta de tuerca, un drama lleno suspenso, y también la sociedad al desnudo (la «suciedad» al desnudo), y claro está, una obra maestra de la literatura portuguesa. Tanto así, que fue llevada al cine en 1923, en 1935 y en 1959 por directores portugueses. Y a finales de los 80, los brasileros decidieron adaptarla a la televisión y a su contexto a través de una serie de 35 capítulos que ganó tres premios de la São Paulo Association of Art Critics Awards, entre lo que se encuentra el de mejor director para Daniel Filho. Será él mismo, Filho, quien llevará la historia al cine. Pues desde la serie, quedó con las ganas de más y estuvo trabajando durante todos estos años en llevar la historia a la gran pantalla. Finalmente, en 2007, lo logró. El film cuenta con la participación de primeras figuras de la actuación, actores brasileros conocidos en nuestras tierras gracias a las telenovelas. Ellos son Débora Falabella (como Luísa), Fábio Assunção (como Basilio), Glória Pires (como Juliana, la terrible mucama), y Reynaldo Giannechini (como Jorge, el marido), entre otros. Su director, sin duda, conocía a fondo la historia, tanto como para manejarse con tranquilidad dentro de ella y con sus personajes. Por otro lado, el espacio para la sensualidad y para el juego de luces y sombras está abierto, y Filho lo aprovecha con mucho tino. Así, de todo esto, Primo Basilio resulta una muy buena pieza cinematográfica, digna representante del cine brasilero, muy afincada en las actuaciones, siempre excelentes, y en el suspenso que genera el soborno de la vieja Juliana.

            Primo Basilio, hoy martes 21 de julio en la señal este, y el martes 28 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque en Cinemax, ya lo sabes, somos los que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O 00:45 Lun 3/8/2009. Cinemax-O 02:50 Jue 6/8/2009. Cinemax-E 02:00 Dom 9/8/2009. Cinemax-O 04:00 Dom       9/8/2009.Cinemax-E   22:15 Mar 11/8/2009. Cinemax-E 23:50 Vie 14/8/2009. Cinemax-O 02:10 Sab 15/8/2009. Cinemax-E 22:30 Dom 23/8/2009. Cinemax-O 00:45 Sab 29/8/2009.               

La vida de Vince Papale está hecha de frases que lo inspiraron. Negativas y positivas. La primera mujer de Vince Papale le dejó esta nota el día que lo abandonó para siempre: «Nunca irás a ninguna parte, nunca te harás un nombre, nunca vas a hacer dinero». ¡Vaya, cualquier se desmoraliza! Pero Vince, que estaba por el suelo, que había perdido su trabajo como educador, y que estaba trabajando en un bar sirviendo tragos, siguió adelante. Sin esposa, claro. Había otra frase, de un lejano entrenador estudiantil, que fue tan inspiradora como la de su primera esposa. «Felices son aquellos que tienen sueños, y que están dispuestos a pagar el precio para hacerlos realidad.». Esta frase, sin duda, estaba mucho mejor. En realidad, ambas le sirvieron para insistir, y para, con 30 años, entrar en competencia por la candidatura de un puesto en su equipo de futbol favorito, los Eagles de Filadelfia de la National Football League (NFL). El resultado, Vince fue aceptado, y no sólo eso, sino que se convirtió en todo un héroe carismático que sacó al equipo del foso y le hizo conocer la gloria en las 3 temporadas que jugó para el equipo. Luego Vince jugó dos temporadas con Los Bell también de Filadelfia, de World Football League, donde también fue todo un ídolo. Cabe destacar que Papale fue el jugador más viejo de la Liga de Futbol Americana, sin haber tenido, además, un entrenamiento formal en ese deporte durante sus años estudiantiles. En 1976 Papele fue nombrado hombre del año, y muchos después luchó contra el cáncer, y lo sobrevivió. A partir de este momento, también se convirtió en un portavoz contra la lucha del terrible mal.

La vida de este hombre, con sus frases y todo, resulta sin duda inspiradora. Tanto así, que los estudios de Disney le dedicaron uno de sus filmes. Se trata de Invencible (2006), dirigida por Ericson Core, y protagonizada por Mark Wahlberg. Una película para toda la familia. «No con frecuencia una persona puede ver un film sobre su vida», dijo Papale alguna vez, creando otra de esas frases que rodean su vida. «Lo que me resulta aún más raro es que esta película ha sido descrita como inspiradora, motivacional y esperanzadora. Hay en ella un sentimiento de intenso orgullo y humildad que resulta sobrecogedor».

Invencible, este lunes 20 de julio por la señal este, y el lunes 27 en la señal oeste dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

Retransmisiones: Cinemax-O 20:35 Jue 23/7/2009. Cinemax-E 18:35 Sab  25/7/2009. Cinemax-O 22:45 Lun 27/7/2009. Cinemax-O 20:40 Vie 31/7/2009. 

            ¿Quién es Cara de Cuero? ¿Cómo llegó Cara de Cuero a ser un asesino demente? ¿Quiénes son los Hewitt? ¿Por qué son como son una familia tan repugnante y maléfica?  ¿Quieres conocer los secretos que se esconden detrás de la historia original de The Texas Chainsaw Massacre? Pues entonces te invito a ver The Texas Chainsaw Massacre: The Beginning (2006), la precuela del clásico del cine de horror norteamericano de 1974 dirigido por Tobe Hooper. Como muchos de ustedes recordarán, el film de mediados de los setenta fue una producción muy barata, dirigida por Hooper, en aquel entonces profesor del collage, con un grupo estudiantes y profesores. Aquella pieza se convirtió en todo un éxito comercial, y Hooper entró en la mira de los grandes estudios. Ya en las fauces del monstruo, fue despedido de un par de películas, y anduvo a la deriva hasta que Steven Spielberg le ofreció dirigir Poltergaist (1982), otro de sus grandes filmes de terror. Hooper se había recuperado, y en 1986 intentó con la segunda parte de la masacre texana, pero no le fue nada bien. Desde entonces, y a pasar de haberse convertido en un mítico maestro del horror, Hooper no ha tenido mayor suerte como director. En el campo de la producción, y después del trauma de 1986 (Hooper también produjo aquella fatídica segunda parte), ha intentado seguir explotando la franquicia que el primer empujón. De allí que produjera una nueva versión de la masacre. La película de 2003 tuvo buena recepción en taquilla y catapultó las caderas de Jessica Biel. Luego vino la precuela de 2006. Para este trabajo, Hooper le dejó la dirección a Jonathan Liebesman, joven director que logró llamar la atención de los estudios, el público y la crítica con el film de horror Darkness Falls en 2003.

            The Texas Chainsaw Massacre: The Beginning es un film de horror total. Es fuerte, duro, brutal. Un film gore para los amantes del gore, que acompaña a filmes como Saw, o como Proyecto de la Bruja Blair 2 en este mes.

            The Texas Chainsaw Massacre: The Beginning, el lunes 20 de julio en la señal oeste y hoy lunes 13 en la señal este dentro del espacio Cinergia, más cines, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

             Retransmisiones: Cinemax-E 22:20 Jue 16/7/2009. Cinemax-O 00:40 Jue 23/7/2009. Cinemax-E 00:20 Sab 25/7/2009. Cinemax-O 03:10 Sab 25/7/2009. Cinemax-E 01:15 Lun 27/7/2009. Cinemax-O 03:05 Lun 27/7/2009. Cinemax-E 00:50 Jue 30/7/2009. Cinemax-O 02:45 Jue 30/7/2009.

1)      Se decía que la ciudad de Esparta no estaba protegida por murallas, sino por hombres.

2)      A un espartano le enseñaban a escribir y a leer, y nada más en cuanto cultura. El resto, era preparación para la guerra.

3)      A los jóvenes espartanos se les prohibía usar ropa interior o zapatos. Apenas le daban una simple manta que los cubría y que debía durarle un año entero.

4)      Al joven guerrero se le daba poco comida, pero se le alentaba a robarla. Esto era parte del entrenamiento para la guerra. Pero si era atrapado por el dueño de la tierra robada, recibía una paliza. De parte del dueño, y del entrenador luego.

5)      Para los espartanos, era muy importante su escudo. En la guerra, se colocaban en falanges (la infantería era su especialidad), una pared hecha de hombres protegidos por sus escudos. Cabe destacar, que el resto de las ciudades-estado griegas peleaban de la misma manera. Sólo que los espartanos entrenaban más.

6)      El escudo era tan importante, que al soldado se le decía que debía volver de la guerra con su escudo. En caso contrario, que no regresara.

7)      (Imagínese cómo debía oler la axila de un espartano)

8)      Yo no sé si admirar a los espartanos. Eso de creer que los militares pueden imponer orden y disciplina es peligroso. Una gorra militar (o un casco de hoplita) no soluciona nada, y puede terminar cargando con tanta corrupción o más que un bolsillo de traje ejecutivo.

9)      Yo no sé si los espartanos fueron corruptos, yo no sé si fueron hombres correctos, y si actuaban según les dictaba su conciencia. Si era así, entonces los espartanos eran admirables. Pero eso de amar tanto la guerra… No sé.

10)  Aunque yo no esté muy convencido de si me hubiera simpatizado conocer a un espartano y conversar con él, sí puedo decir que el gusto por las películas de acción, por la guerra, y por los golpes y las patadas, no se acaba nunca. En ese sentido, el film de Zack Snyder da para quedarse pegado un buen rato.

11)  300 —de Snyder, claro— basado en la novela gráfica de Frank Miller, nos muestra unos espartanos entrenados para la lucha, para la muerte, y con unos fuertes ideales, hombres que aman su gente  y su tierra y darán la vida por ellos.

12)  300 es otra historia de Miller que pueda decirse fue llevada al cine con éxito. Sin duda el reto para Snyder era grande, pues tenía sobre su espalda Sin City, de Robert Rodríguez.

13)   Mientras Rodríguez casi se limitó exclusivamente a transcribir el cómic al cine, Snyder le aportó algunos elementos extras a la pieza. La dirección de las batallas son cortesía de él. No se puede negar que esta parte le quedó de maravilla.

14)   El film de Snyder, al igual que el de Rodríguez, fue realizado completamente en estudio. Mucho croma, mucho fondo magistralmente ilustrado, y mucho trabajo por computadora hace que el mundo creado por Snyder sea visualmente impactante y atractivo.

15)   300,  el lunes 6 de julio en la señal este, y el lunes 13 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series en Cinemax. Somos lo que ves.

16)  Retransmisiones: Cinemax-E 18:35  Jue  9/7/2009. Cinemax-O 20:35 Sab 11/7/2009. Cinemax-O 22:30 Lun 13/7/2009. Cinemax-E 22:30 Mie 15/7/2009. Cinemax-O 20:35 Vie 17/7/2009. Cinemax-E 18:35 Lun 20/7/2009.Cinemax-O 20:35 Mie 22/7/2009. Cinemax-E 22:15 Vie 24/7/2009. Cinemax-O 20:40 Dom 26/7/2009. Cinemax-E 18:35 Mar 28/7/2009.Cinemax-O 00:30 Vie 31/7/200.

            Pues bien, la original, Juego macabro (2004) a secas, fue todo un éxito. Una digna heredera de Seven (1995), con todo aquello del asesino moral que se inventa maneras en extremo originales de matar a sus víctimas. Sí, esta pieza de James Wan escrita por Leigh Whannell tenía lo suyo. Pero para mí no estaba allí solamente la herencia de Seven, sino también mucho de los juegos de video. Porque eso es Juego macabro, un juego de video inexistente llevado al cine. Una habitación oscura, los elementos que hay que encontrar para salvarse; toda la dinámica y la estética del videogame están allí. Así, esta mezcla de aquellos elementos que nos heredó Fincher, más el gore puro, más las estructuras del juego de video, produjo una cinta realmente llamativa, y de muy bajo presupuesto además, que superó todas las expectativas. Los fanáticos estaban felices. El género se había revitalizado. Había una nueva bandera sobre los campos ensangrentados del gore. La franquicia no se hizo esperar, y el asesino Jigsaw volvió al ataque en 2005. La segunda parte también se hizo con bajo presupuesto, con el mismo escritor pero con otro director. Por supuesto, las salas se llenaron y la película ganó dinero con toda esa nueva cantidad de sangre, desmembramientos, agujas y traiciones a montón. Porque por esa línea siguió Juego macabro II: el gore estuvo a la orden del día, y también esa visión pesimista, oscura y horrenda de la naturaleza humana.

            Juego macabro III llega con el reto de agregar creatividad y emoción a la serie. Es difícil seguir el camino de un primer film triunfador y de un segundo con las botas puestas, pero apenas transcurrido un año de la secuela, Darren Lynn Bousman, el director de la continuación, y Leigh Whannell, el guionista que ha hilado la trama desde el inicio, se lanzaron con la tercera entrega. Nuevas formas de morir nos atrapan desde el principio. Pero hay una variante, algo raro en esos asesinatos a control remoto: al parecer, las víctimas, en esta nueva cinta, no tienen manera de escapar de la muerte (recordemos que en los filmes anteriores siempre hay una manera de sobrevivir). Ese cambio, esa ruptura de la regla obedece a una causa muy específica. Digo un poco más: Jigsaw está enfermo, y desde el pasado, vuelve un personaje fundamental para esta historia. Nada más. De resto, esa imposibilidad de salvación, contribuye a que los niveles de gore suban muy alto y complazcan a todos los que gustan del género. Por ahora, la serie sigue aportando grandes momentos. Claro, nada como la primera, y hay quien dirá que con cada nueva película baja la calidad. No les quito la razón. Sin embargo, Juego macabro III cumple con todas las pautas de rigor: es muy gore, da unas cuantas vueltas de tuerca y nos mantiene en suspenso. Si puedes comer palomitas de maíz mientras ves películas como éstas, pues te la recomiendo. Cine de Hollywood, de bajo presupuesto, hecho para pasar un buen rato y un buen susto. Nada más y nada menos.

            Juego macabro III, el lunes 6 de julio, en la señal oeste de Cinemax, y el lunes 27 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Porque en Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-O 01:05 Vie 17/7/2009. Cinemax-O 01:20 Lun 20/7/2009. Cinemax-E 22:40 Mar 21/7/2009. Cinemax-E 20:45 Lun 27/7/2009. Cinemax-E 22:30 Vie 31/7/2009.

            Esta película la escribió un premio Nobel de literatura y la actúa un Oscar a Mejor Actor, y está basada en la obra de teatro de un escritor y guionista que además le hizo el guión a Alfred Hitchcock para el film Frenzy, y que escribió un par de adaptaciones muy buenas de las novelas de Agatha Chirstie. La dirige además un director y actor de sumo prestigio, nominado varias veces al premio de la Academia, y todo un diletante de Shakespeare. Nada más y nada menos.

            Podemos decir más. Cabe decir que esta película es una adaptación de una cinta de Joseph L. Mankiewicz, hermano de Herman J. Mankiewicz, escritor de Ciudadano Kane. La cinta original obtuvo cuatro nominaciones al Oscar (Mejor director, Mejor actor, Mejor actor de reparto y Mejor Música), y está protagonizada por Laurence Olivier y Michael Caine.

            Y ahora, con todo esto: ¿Quién no quiere saber qué película es?

Pues empecemos a revelar: El Nobel de literatura es Harold Pinter, el Oscar es Michael Caine, el guionista-dramaturgo es Anthony Shaffer, el director es Kenneth Branagh, y la película es Sleuth, una versión del año 2007 basada en la película homónima de 1972.

            ¿De qué se trata? Pues de una película muy teatral (viene del teatro, claro) que se centra en el conflicto, la interacción perversa entre dos personajes sobre un mismo espacio postmoderno, minimalista, de gran hermano (en el film hay cámaras de seguridad por todos lados). Un escritor de novelas de suspenso interpretado por Michael Caine, y el joven amante de la esposa del escritor, interpretado por Jude Law. También tenemos un collar costosísimo, y sobre todo, un plan que podría llevar a un pacto asesino. Ah, todo un detalle: en la nueva versión Michael Caine hace el papel que hiciera Laurence Olivier (el hombre adinerado con el plan)

Se trata pues de un film de suspenso, de encuentros de una profundidad mental muy retorcida entre dos personajes que juegan desde la saña. El ambiente donde se desarrolla tan particular historia es minimalista, brillante y frío. Así, junto al decorado y a la iluminación, Branagh nos regala ángulos inusitados y todo un catálogo de planos, lo que engendra una cinta extraña y fascinante que, a pesar de la experimentación, no pierde el norte argumental. Una película que te mantiene allí, en el meollo, siempre a la expectativa, siempre en el nervio. Algo va a pasar, eso nos decimos desde el principio. Algo acá no está bien, las cosas no son tan sencillas como parecen. Eso es Sleuth, una caída perniciosa y en cámara lenta, hacia el vacío, hacia las profundidades del mal.

            Sleuth, el lunes 15 de junio en la señal este y el lunes 22 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Por Cinemax, somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:10   Jue 18/6/2009. Cinemax-E 16:45 Mie 24/6/2009. Cinemax-O 18:45 Mie 24/6/2009. Cinemax-E 18:50 Sab 27/6/2009.          

            El crimen respaldado por el dinero suele quedar impune. Recuerdo el cuento de un autor venezolano, Federico Vegas, que se llama «Los traumatólogos de Kosovo», donde un hombre que intenta «obligar» a la muchacha de servicio de su casa, termina matándola «por accidente» cuando la lanza por la ventana en pleno forcejeo. Pero el hombre nada dice, se queda tranquilo e incluso, cuando la mujer «asesinada» vuelve a la vida gracias a la intervención de unos traumatólogos de Kosovo (que han aprendido de la guerra lo que nadie aprende en siglos y que andan de visita por la ciudad tropical) y declara que el señor la empujó, nada pasa. El dinero y los contactos tapan aquel sol con un enorme dedo, y listo. He sabido de un caso de la vida real muy parecido. Y me consta que la historia de Vegas también tiene su réplica en la realidad. En el caso real, la manera cómo se encuentra el muerto sobre el piso es tan clara como en el cuento de Vegas: los suicidas suelen caer de frente y por lo general hacen una elipsis en la caída, producto del salto. Los que han sido lanzados, caen de espalda y casi en línea recta. Pero aún así: con estas pruebas más que conocidas por los expertos, ambos crímenes quedaron impunes. Así, tal cual, el dinero suele limpiar la sangre.

            Esto también hubiera podido pasar en el film Crimen perfecto. Un adinerado ingeniero, experto en mecánicas de fracturas (en defectos y accidentes aerodinámicos), asesina a su mujer, y se deja además atrapar frente al cuerpo del delito, sin mayor problema. Podríamos pensar acá que una vez más el dinero juega un papel fundamental: «no importa que me atrapen, tengo dinero y saldré de esto». Pero la historia no va por esos lados, y esto es lo que hace que una película, que una historia en general, arranque. Al principio parece evidente que ha sido él (y nosotros los espectadores sabemos que ha sido él), pero a medida que avanza la investigación, su culpabilidad se va diluyendo. Y lo que es mejor aún: el mismo ha decidido representarse, defenderse en el juicio. Y lo que es más interesante todavía: el ingeniero reta a un joven fiscal a jugar su juego. Este joven abogado, interpretado por Ryan Gosling es un lince de las leyes que está a punto de pasar a trabajar en un despacho privado, con un sueldo magnífico. No obstante, ante el reto del ingeniero maquiavélico, acepta el reto y se lanza en la cacería. El filme resulta sin duda fascinante, que no solamente se queda en esta premisa original, sino que va más allá, y se centra en los personajes. Es decir, aunque la película tiene todos los elementos para ser un producto de suspenso de Hollywood, se afinca, se apalanca en los actores y en la profundidad de sus personajes para contarnos una historia sincera y al mismo tiempo envolvente, y eso se agradece. Quizás, podríamos decir, en algunos momentos resulta un poco enrevesada, y claro está, más de un ejecutivo habrá pedido más suspenso que actuaciones y eso a veces la vuelve un poco errática y confusa. No obstante, la presencia de Hopkins resulta poderosa, y el manejo de su personaje, magistral. Alguna reminiscencia tenemos de Lecter, pero el maestro logra alejarse lo suficiente, y crea una personalidad independiente al omnipresente personaje de Lecter, que no dejará de perseguirlo hasta el fin de sus días, en los papeles donde haya cierto elemento de maquiavelismo criminal. El joven Gosling queda muy bien en el papel. Su aspecto y sus maneras son las de un joven abogado arrojado e incluso despiadado, quien debe, no obstante lidiar con la verdad y la ética.

            Gregory Hoblit, director de dos filmes que han sido de mi gusto (Fallen y Frequency) no la tuvo fácil en esta cinta: contar con Hopkins no es cualquier cosa, alejar a su personaje de la referencia de Lecter menos, e intentar dirigir una cinta digna que se base en los personajes y no en los juegos pirotécnicos del suspenso hollywoodense, mucho menos. Siento que salió a flote, y que Crimen perfecto, aunque no es una película perfecta, está muy bien lograda y debe ser vista.

            Crimen perfecto, te invito a disfrutarla el lunes 8 de junio en la señal este, y el lunes 15 de junio en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia. Por Cinemax. Somos lo que ves.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:40   Sab 13/6/2009. Cinemax-E 22:30 Mie 17/6/2009. Cinemax-O 00:40 Sab 20/6/2009. Cinemax-E 18:25 Dom 21/6/2009. Cinemax-O 20:30 Mar23/6/2009. Cinemax-E 18:45 Jue 25/6/2009. Cinemax-O 20:40 Dom 28/6/2009. Cinemax-O 22:45 Sab 4/7/2009. Cinemax-O 00:10 Mie 8/7/2009. Cinemax-E 20:45 Sab 11/7/2009. Cinemax-E 18:25 Mie 15/7/2009. Cinemax-E 18:45 Dom 19/7/2009. Cinemax-O 20:45 Vie 24/7/2009.                    

            Scott Hicks no es un director de muchas películas. Pero tiene tres platos suculentos en su haber: Shine (1996), que le mereció el Oscar a Mejor Actor a Geoffrey Rush; Snow Falling Cedar (1999), una increíble película que va sobre la guerra sin mostrarnos la guerra; y Heart in Atlantis (2001), una adaptación cinematográfica de una obra dramática y fantástica de Stephen King con el protagonismo de Anthony Hopkins. Se trata pues de un director que sabe cocinar, y que para el año 2007 se atrevió con una receta más ligera de sabor: una comedia romántica titulada Sin reservas. Como Hicks no es tonto, y sabe que todos sabemos a qué saben al final las comedias románticas, no se rompe la cabeza haciéndonos pensar que la historia irá para otro lado distinto. Él simplemente se dedica a hacer una película bien actuada, bien presentada, bonita y con cierta profundidad. Cuenta para la parte bonita y dramática con Catherine Zeta-Jones, y para el aspecto de la comedia, con el siempre solvente Aaron Eckhart. El escenario del mundo: una cocina de restaurante, el lugar más tirano (esclavizante) del planeta. Su chef principal, Kate (Zeta-Jone), es una mujer dedicada en extremo a su trabajo, infeliz, pero anhelante de las delicias de la felicidad. Así van las cosas hasta que le caen del cielo un par de caramelitos: una sobrina pequeña, y un ayudante de cocina divertido, encantador pero atorrante. Dos personas totalmente distintas, una niña en el medio, y toda una película por desarrollar con ritmo pausado pero envolvente que nos llevará de frente y sin titubeos hacia un final tan previsible como esperado, pues en una comedia romántica el esquema es el que es y no tiene para donde agarrar (ni siquiera en Locos por Mary). Pero claro, lo que uno agradece no es la sorpresa, sino que nos hayan llevado hasta el final del camino con mano inteligente y con mucho respeto. El verdadero cocinero, no le tiene miedo a las papas fritas, y Hicks demostró que sabe prepararlas.

            Comienza junio con lo mejor del cine de las grandes estrellas.

            Sin Reservas, la vida a la carta, el lunes 1ero en la señal oeste, y el lunes 29 en la señal este, dentro del espacio Cinergia. Sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:45 Sab 6/6/2009. Cinemax-O 18:10 Sab 13/6/2009. Cinemax-O 20:30 Mar 16/6/2009.      

            Creo que no es descabellado decir, ni tampoco creo que nadie me lo negara, si digo que David Fincher definió el género del terror con Seven en 1995. Decenas —cuidado sino ya más de cien— imitadores han surgido desde entonces. La misma cinematografía, el mismo tipo de asesinatos, los mismos movimientos de cámara. Ya cansa ver tanto seguidor falto de originalidad. Y así, doce años más tarde, Fincher volvió sobre una historia de asesinatos en serie; esta vez una real: Zodiaco (2007), inspirada en los horrendos crímenes que ocurrieron a finales de los sesenta en San Francisco y que mantuvieron en vilo a toda una nación durante un año —y aún hoy, pues el criminal nunca fue descubierto. Se trata, precisamente, del asesino de Zodiaco, llamado así porque de este modo firmó uno de los criptogramas que mandó a los medios de comunicación en aquel tiempo. Algunos de esos mensajes fueron descifrados, otros quedaron en la oscuridad. El Zodiaco asesinó a varias parejas y a un taxista, y fue fundamentalmente un asesino mediático (a través de esos mensajes a los medios —el diario Chronicle) que jugó muchísimo con la prensa y con sus amenazas de bombas a autobuses escolares. Incluso, mucho después que cesaron los asesinatos, siguió mandando cartas. El caso del Zodiaco fue complejo, enrevesado, sufrió cambio de investigadores y tuvo varios sospechosos (el principal fue Arthur Leigh Allen), pero el asesino nunca llegó a ser descubierto.

Así, y volviendo a Fincher, el director toma esta muy difícil historia y se lanza una película magnífica, totalmente distinta a Seven. Llevado por una honesta conciencia artística, Fincher da un giro absoluto en este film. Seven quedó atrás, es historia. Ya no más movimientos de cámaras agitados, ya no más aires surrealistas ni regodeos en el horror de los asesinatos. Con Zodiaco, Fincher se encamina hacia la sobriedad, hacia el plano sereno, hacia la recreación del momento histórico con toda fidelidad y hacia el seguimiento del caso de un modo magistralmente cercano a lo real, es decir, tal cual como sucedió. El film, de tres horas, nos presenta la primera investigación policial, la intervención de Paul Avery, el periodista estrella interpretado magistralmente por Robert Downey Jr., y la obsesión de Robert Graysmith, un dibujante fanático de los criptogramas (Jake Gyllenhaal) que termina quedándose con la historia (por obsesivo) hacia la parte final —está de más recalcar las magníficas actuaciones de Downey, Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Brian Cox, John Carroll Lynch y Chloë Sevigny. Todo está allí, llevado apenas un hilo, tal cual como ocurrió en la realidad. Por supuesto, esa noción de lo real no es simplemente expositiva; Fincher se queda con una teoría, la de Robert Graysmith, y esa es la que presenta y la que defiende. No obstante, el film sigue paso a paso la investigación, con todo detalle y, a pesar de su extensión y de su amor por el detalle, el suspenso, el interés se mantiene. Con Zodiaco, Fincher hizo otra gran película, una obra maestra que merece ser vista y disfrutada.

            Zodiaco, hoy lunes 20 en la señal este, y el lunes 27 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series. Por Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 00:30 Jue 30/4/2009. Cinemax-E 23:05 Vie 1/5/2009. Cinemax-O 01:00 Lun 4/5/2009. Cinemax-E 22:55 Mar 5/5/2009. Cinemax-O 01:00 Sab 9/5/2009. Cinemax-E 15:20 Lun 11/5/2009. Cinemax-O 17:20 Lun 11/5/2009. Cinemax-O 19:45 Mie 13/5/2009. Cinemax-E 15:05 Sab 16/5/2009. Cinemax-O 16:55 Sab 16/5/2009. Cinemax-O 01:45 Mar 19/5/2009. Cinemax-E 22:15 Mie 20/5/2009. Cinemax-E 17:40 Lun 25/5/2009. Cinemax-E 15:55 Jue 28/5/2009. Cinemax-O 17:50 Jue 28/5/2009.    

            África no es Disneyland; lo que ocurre y ha ocurrido en aquel enorme continente le pone los pelos de punta a cualquiera. Gente que se mata a machetazos, violaciones, hambruna, abusos de poder, contrabando de todo tipo, irrespeto total a la vida humana. Diamante de sangre (2006) es una de esas películas que intenta echar una mirada a esa compleja y atroz realidad, junto con filmes como Hotel Rwanda (2004), The Constant Gardener (2005), Lord of War (2005), The Last King of Scottland (2006), entre otras. Blood Diamond es, de alguna manera, una cumbre en este tipo de películas. Junto con The Last King of Scottland resulta algo así como el atrevimiento final de Hollywood con la temática, tanto que con Blood Diamond nos encontramos ante una gran producción que cuenta con todos los elementos de rigor para ser un éxito de taquilla. Efectos especiales impresionantes, grandes escenarios, acción, romance y Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly y Djimon Hounsou en los roles estelares.

            El film cuenta con unas escenas realmente duras, momentos que arrojan luz sobre la crudeza de la situación vivida en Sierra Leona. Su director, Edward Zwick, tiene reconocida experiencia en filmes de guerra. Recordemos de él Glory, aquel film de guerra tan comentado a finales de los ochenta y que le dio un Oscar a Denzel Washington. También de  Zwick es The Last Samurai (2003), una épica japonesa protagonizada por Tom Cruise.

DiCaprio, cada vez más metido en roles de carácter, funciona muy bien en la actuación y como gancho comercial. La Connelly, con belleza, juventud y también a la búsqueda de papeles retadores (recordemos Requiem for a Dream, por ejemplo), hace su trabajo con mucha solvencia. Y Djimon Hounsou, joven actor originario de Benin, continúa haciendo gala del talento que ha demostrado en filmes tales como GladiatorThe Four Feathers (2002) de Shekhar Kapur, In America (2000) de Ridley Scott, (2002) de Jim Sheridan, entre otros.

El final de la peli, cabe decir, no es complaciente, no es lo que podría esperarse de un film de Hollywood. Quizás Zwick quiso dejar en claro que esta película trata de temas serios, y no se anda con facilismos para el público ni para los ejecutivos; y esto, realmente, merece mis aplausos. Eso sí, se me antojó en algún momento un tanto larga. Se pudo quitar algo de grisalla. No obstante, la balanza se inclina hacia una apreciación equilibrada de la cinta, con excelentes momentos y mejores actuaciones. Ya en otra parte de este blog lo dije, esta película es una muestra de cine a dos aguas, entre el entretenimiento y el cine más serio, más profundo. El equilibrio sólo se consigue al final, en la pantalla, ante el espectador.

Diamante de sangre, el lunes 20 de abril en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series, en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 15:50 Jue 23/4/2009. Cinemax-O 17:50 Jue 23/4/2009. Cinemax-E 18:10 Sab 25/4/2009. Cinemax-E 15:25 Mar 28/4/2009. Cinemax-O 17:25 Mar 28/4/2009.

            Para aquellos que disfrutaron del documental Alive Day Memories: Home Form Iraq (2007), les invito a ver este mes de abril Regreso al Infierno (Home of the brave, 2006), un film de Irwin Winkler (The Net, Life as a House) protagonizado por Samuel L. Jackson, Jessica Biel, Brian Presley, 50 Cents y Christina Ricci. Se trata de un drama profundo que nos pone en el presente de aquellos que estuvieron en Irak y regresaron heridos, maltrechos en su mente. La guerra no se acaba cuando regresas a casa. La guerra sigue en tu cabeza y sigue además, al enfrentarte a una sociedad que no está ni estará preparada para aceptar a aquellos que regresan del huracán, de la locura encendida, incendiaria. El infierno está allá y está en la casa. El infierno está dentro. De allí que la película funcione a través de la retórica de los flashbacks, mostrándonos una y otra vez el horror de lo vivido en otras tierras, ese horror que todavía se experimenta en el alma, como un eterno presente.

            Regreso al Infierno, un excelente film para comenzar el mes de abril en Cinemax. Pueden disfrutarlo el lunes 6 en la señal oeste y el lunes 13 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, más películas, menos series. En Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 22:30 Lun 6/4/2009. Cinemax-E 20:30 Lun 13/4/2009. Cinemax-E 15:35 Sab 18/4/2009. Cinemax-O 17:35 Sab 18/4/2009. Cinemax-E 22:30 Mar 21/4/2009. Cinemax-O 00:15 Vie 24/4/2009. Cinemax-E 18:30 Dom 26/4/2009. Cinemax-O 00:45 Mie 29/4/2009.

            HBO es excelente haciendo adaptaciones biográficas. De eso a nadie le debe caber duda. Así que cada vez que uno ve un filme de HBO que recrea la vida de alguien famoso, no puede menos que prestar atención. En este caso estamos hablando de Bernard y Doris (2007), de  Bob Balaban, un film que se recrea en un determinado momento de la vida de Doris Duke, la multimillonaria heredera del negocio de un imperio del tabaco en Estados Unidos. El instante en cuestión: a partir de la contratación del mayordomo Bernard Lafferty, quien tenía entre sus antiguas empleadoras a Elizabeth Taylor y Peggy Lee.

            Se trata de un filme de actuaciones, casi una obra de teatro, que contrapone a dos grandes actores de Hollywood: Susan Sarandon y Ralph Fiennes. Una historia excéntrica, íntima, de paredes, dormitorios, vicios y secretos revelados. Fiennes está muy bien el papel de un flemático mayordomo que, en la medida que la jefa se va abriendo, él va mostrándose tal cual es en realidad: alcohólico, homosexual y lleno de grandes sentimientos. Sarandon, perfecta en su rol frívolo y al mismo tiempo humano; cazadora y cazada por los círculos concéntricos de su dinero y su poder. Bernard y Doris es un film de amistad, de complejidades del alma y, sobre todo, de soledades. Un amor platónico entre dos almas que trascendieron sus cuerpos, sus preferencias sexuales y sus gigantescos vicios y defectos. Un filme, claro está, absolutamente idealizado y que se libera de las cadenas de la realidad para contar su propia historia y para hablar de lo que interesa. A pesar de haber sido hecha para televisión, esta película no tiene nada que envidiarle a los dramas pensados para la gran pantalla.

            Bernard y Doris, hoy lunes 23 de marzo en la señal este de Cinemax y el lunes 30 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia. Menos series, más cine, en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 16:35 Jue 2/4/2009. Cinemax-O 19:25 Jue 2/4/2009. Cinemax-E 13:00 Dom 5/4/2009. Cinemax-O 15:00 Dom 5/4/2009. Cinemax-E 22:30 Mie 8/4/2009. Cinemax-E 13:45 Sab 11/4/2009. Cinemax-O 15:40 Sab 11/4/2009. Cinemax-O 20:35 Lun 13/4/2009. Cinemax-E 18:35 Jue 16/4/2009. Cinemax-O 20:35 Mie 22/4/2009. Cinemax-E 16:25 Lun 27/4/2009. Cinemax-O 18:20 Lun 27/4/2009.

            Esta mujer tiene una vida normal. Es una chelista talentosa que se dedica a dar clase y que tiene un esposo que la quiere. Claro, como todos, no deja de tener sus pequeños problemas. Sus hijas, por ejemplo. Están creciendo, son rebeldes. Más allá de eso, todo luce bien en la vida de esta mujer. Sí, todo bien. Pero ahora te pido que nos detengamos un instante, te pido que veamos de cerca su muñeca. Su muñeca tiene unas marcas, tres marcas, ¿las ves? Hay allí algo raro, ¿no? ¿Qué hacen esas marcas allí? ¿Qué esconde esta mujer? ¿Qué hay detrás de toda esa normalidad de vida? ¿Qué hay? Quizás los terribles sueños que la atormentan tengan algo que ver con esas marcas. Quizás, también, las alucinaciones que han empezado a perseguirla estén relacionadas. Quizás, la nueva conserje del edificio se conecte con las tres líneas. Quizás, las muertes que comienzan a rodear su vida, no son accidentales. Quizás, ahora que la vida de esta mujer está en peligro, el pasado deba revelarse.

            Cello (Chello hongmijoo ilga salinsagan, 2005) es la primera película escrita y dirigida por el sur coreano Woo-cheol Lee, un film de horror con muchos elementos de thriller que viene a formar parte de esta nueva ola de cinematografía de terror oriental iniciada por los japoneses y que luego ha sido seguida muy de cerca por los chinos y los coreanos. Se trata de un cine con unos rasgos distintivos, donde predomina la sicología (o patología) de los personajes sin darle un apoyo especial (y vacío) a los efectos especiales. La fuerza del drama, unido al horror ha hecho que este cine “oriental” llegue hasta nosotros con una luz nueva y vivificante que quizás en los últimos años se nos vaya volviendo formularia, facilota para quienes vienen siguiendo la tendencia. Aun así, debo confesar, que no me pierdo película de horror china, japonesa o coreana que se me presente por allí. Y Cello es, queridos amigos, una de estas magníficas oportunidades para disfrutar de algo que todavía se nos antoja diferente. Sin duda, la película es una pieza muy recomendable para ver de noche, bien entrada la oscuridad y bajo las sábanas.

            Cello, el próximo martes 24 en la señal este de Cinemax, y el martes 31 en la señal oeste, dentro del espacio Panorama, cine sin fronteras. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 22:15 Dom 29/3/2009. Cinemax-O 01:25 Sab 4/4/2009. Cinemax-E 23:15 Lun6/4/2009. Cinemax-O 00:30 Vie 10/4/2009. Cinemax-E 22:45 Dom 12/4/2009. Cinemax-O 00:35 Jue 16/4/2009. Cinemax-E 00:30 Dom 19/4/2009. Cinemax-O 02:05 Dom 19/4/2009. Cinemax-O 01:20 Mar 21/4/2009. Cinemax-E 02:30 Jue 23/4/2009. Cinemax-O 04:30 Jue 23/4/2009. Cinemax-E 22:35 Vie 24/4/2009. Cinemax-E 23:05 Lun 27/4/2009.

            Clint Eastwood es —para mí— uno de los más importantes directores norteamericanos vivos. Aquel que alguna vez fuera el duro vaquero de los grandes filmes de Sergio Leone, aquel que alguna vez tuvo una magnum entre las manos y se apodaba el Sucio, es hoy un maestro en el arte de hacer películas. Su promedio desde que dirige en los años setenta, es de una cada dos años, y en los últimos tiempos ha lanzado hasta dos en un mismo año. Ahí tenemos Letters from Iwo Jima y Flags of Our Fathers, lanzadas en 2006, y a caballo entre 2008 y 2009 Changeling y Gran Torino. Esto, sin desmerecer la calidad de sus trabajos.

El reconocimiento por su constante y su ardua labor no se ha hecho esperar. Como un vaquero duro, Eastwood no descansa; como justiciero aún más duro, no lo piensa dos veces a la hora de poner la mira (de su cámara) sobre los males sociales. Porque Eastwood es uno de los más grandes retratistas del alma norteamericana; cada uno de sus filmes, entretenidos, bien dirigidos, sobrios, a la par muestra los aspectos que le preocupan de la realidad de su país —y del mundo.

Los filmes Letters from Iwo Jima y Flags of Our Fathers exploran el mundo desde la guerra. Estas películas son el manifiesto de Eastwood contra el armamentismo. Eastwood nos presenta acá dos películas profundamente violentas (tanto en lo físico como en lo espiritual) para darnos a entender precisamente que la guerra es absurda. Letters from Iwo Jima lo hace de un modo más directo, más duro y evidente. Tanta violencia, tanta crudeza, tan honor radical, nos termina resultando, por saturación, absurdo. Letters from Iwo Jima, contada desde el punto de vista japonés (y hablada en japonés), es una clara muestra del genio de Eastwood. Flags of Our Fathers, el film que especialmente nos interesa, no es la misma historia de Letters… contada desde el punto de vista de los americanos, como quizás algunos pudieron creer. Aunque la película viaja hacia algunos momentos de la batalla de Iwo Jima, y nos la presenta desde la mirada norteamericana, el verdadero interés radica en una fotografía que fue tomada supuestamente cuando se izó por primera vez la bandera de los Estados Unidos en la isla. Dicha foto sería utilizada luego por el gobierno de esta nación para recaudar fondos para la guerra. Así, la historia se centra en el drama de los (también supuestos) soldados que izaron la bandera, y que fueron llevados a la categoría de héroes, cuando en realidad eran apenas seres humanos sumidos en las duras y gigantescas circunstancias en que el destino los lanzó. El film resulta así una historia muy humana, pero al mismo tiempo apunta hacia la perversidad con que los poderes manejan a su pueblo. Nada les importa, con tal de alcanzar las metas que sus intereses le dictan. Esto es Flags of Our Fathers, una obra profunda, seria, llena de dolor y personajes que van más allá de la caricatura, y también una mirada certera a los manejos políticos de aquel entonces, tan iguales quizás, como los de ahora.

            Flags of Our Fathers, hoy lunes 16 de marzo en la señal oeste de Cinemax, y el lunes 30 en la señal este dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas. Porque canales de películas, hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 21:25 Dom 22/3/2009. Cinemax-O 21:05 Mie 1/4/2009. Cinemax-E 18:20 Sab 4/4/2009. Cinemax-O 20:20 Mar 7/4/2009. Cinemax-E 17:35 Vie 10/4/2009. Cinemax-O 19:35 Vie 10/4/2009. Cinemax-O 22:30 Dom 12/4/2009. Cinemax-E 18:05 Mie 15/4/2009. Cinemax-E 20:30 Dom 26/4/2009.

            En El nombre de la Rosa de Umberto Eco, el monje Jorge de Burgos esconde en las paredes de su biblioteca-laberinto un libro de Aristóteles que habla sobre la comedia, sobre la risa. En su mente medieval no cabe que el hombre ría, que el hombre conozca la felicidad en un mundo donde Cristo murió en la cruz. La risa temida, no obstante, se escapa de las paredes de la biblioteca, se filtra, y comienza a crear un caos, una crisis que desencadena toda la historia de esta magnífica novela.

            Sé que quizás mi referencia pueda parecer un poco forzada, pero de la risa al chocolate hay tan solo un trecho. El chocolate, sin duda, es asociado con la felicidad, con el placer, con el goce, con el sexo y con la risa. El chocolate en Chocolate (2000) de Lasse Hallström es ese elemento revolucionario que viene a cambiar la vida de los personajes de un pequeño pueblo francés demasiado rígido para aceptar de buenas a primeras los beneficios de su aparición.

            Hallström es un director con cierto prestigio que ha realizado dos películas que hicieron bulla en su momento: What's Eating Gilbert Grape (1993) y The Cider House Rules (1999), esta última obtuvo siete nominaciones al Oscar (entre ellas Mejor Película y Mejor Director), y le dio al Oscar a Mejor Actor al gran Michael Caine.

Ese mismo año de su éxito en el Oscar, Hallström estrenó Chocolate, una pieza que, como sus antecesoras, tiene algo de europeo a pesar de estar hecho en Hollywood. Tanto así, que Chocolate se desarrolla, como ya dijimos, en un pueblo francés. Y además está protagonizada por una actriz francesa de renombre: Juliette Binoche.

El film resulta una fábula, una fantasía muy en la línea de las películas y las novelas que explotaron la cocina, la magia, el amor y el sexo (Como agua para chocolate y Las mujeres arriba, por ejemplo) hacia finales de los noventa. Hallström, no obstante, procura darle cierto toque  personal al formato, aportándole poesía y delicadeza a su pieza, alejándose del aspecto sexual, y centrándose en lo mágico y en lo romántico. La contraparte de la Binoche es Johnny Depp, actor a quien respeto mucho, pero que a mi modo de ver no funcionó bien en esta cinta. Su actuación me resultó demasiado estereotipada y ridícula. No obstante, a pesar de Depp, creo que la película funciona, pues logra llevarnos a su mundo y mantenernos en él por un buen rato. Y es que la dirección, la fotografía, la atmosfera son impecables, y le dan varios puntos al favor del director de Estocolmo.

            Chocolate, el lunes 9 de marzo en la señal oeste dentro del espacio Cinergia, más cine, menos series, en Cinemax. Puedes verla también el domingo 15 en la señal este.

            Retransmisiones: Cinemax-O 21:15 Mar 17/3/2009. Cinemax-E 21:55 Jue 19/3/2009. Cinemax-O 21:20 Sab 21/3/2009. Cinemax-E 22:20 Vie 27/3/2009. Cinemax-O 21:20 Dom 29/3/2009. Cinemax-O 21:20 Sab 4/4/2009. Cinemax-E 18:15 Mar 7/4/2009.     

            Recuerdo haber visto Desafío al tiempo (Frequency, 2000) hace algún tiempo. Recuerdo que me gustó y que me sigue gustando. Es un film que tiene de fondo uno de los temas más emblemáticos de la humanidad: la relación entre el padre y el hijo, y todo lo grandiosa y difícil que puede ser esta relación (a mí me conmueve particularmente pues mi padre fue un gran hombre al que extraño grandemente).

También recuerdo que cuando la empecé a ver me pareció original todo aquel asunto del padre hablando con el hijo desde el “más allá” y a través de la radio. Frequency es una película hermosa, conmovedora, pero al mismo tiempo está contada con una gran carga de suspenso y acción que no la desmerece y que nos hace quedarnos aún más pegados a la pantalla. Su director, Gregory Hoblit, ha trabajado principalmente en televisión, y es muy bueno en lo que ha hecho (fue uno de los directores de aquella gran serie de los ochenta llamada Hill Street Blues). Cuando se pasa al cine, lo hace bien, con sobriedad y talento, aunque quizás no haya superado el formato televisivo y eso lo mantenga alejado de los grandes nombres de cartelera. Aun así, y como digo, Hoblit ha hecho unos cuantos filmes realmente gustosos como Primal Fear, Hart´s War y, sobre todo, Fallen, aquella entretenida pieza de terror “contagioso” y de “a toque” protagonizado por Denzel Washington. Hoblit sabe trabajar con actores, los controla y también les deja buen espacio. Así, Desafío al tiempo cuenta con un excelente respaldo actoral de parte de Dennis Quaid (el padre) y James Caviezel (el hijo, claro).

            Desafío al tiempo, este lunes 2 de marzo en la señal oeste y el lunes 16 en la señal oeste dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de los grandes estudios. Sólo en Cinemax.

            Y bueno, hace unos días estuvimos hablando de policías en tándem protagonistas de comedias de acción; hoy, tenemos otra de esas pelis. Se trata de Malas compañías (2007), una producción de uno de los Midas de Hollywood, Jerry Bruckheimer bajo la dirección de Joel Schumacher (The Number 23, The Phantom of the Opera, Veronica Guerin, Phone Booth, Flawless, 8MM, Batman & Robin, A Time to Kill, Batman Forever, The Client, Falling Down, Flatliners, Cousins, The Lost Boys, St. Elmo's Fire), un cineasta que como pueden ver por el paréntesis ha dado lo mejor y también lo peor del cine norteamericano. Eso sí, Schumacher es taquillero y eso nadie se lo quita. Sabe trabajar con actores de talla, con estrellas del momento, y sabe mover la cámara, crear ritmo y mantener la tensión. En el caso de Malas compañías, Schumacher acompaña al monstruo Anthony Hopkins y al un tanto para mí estridente Chris Rock. Y acá tenemos la fórmula: el policía serio y correcto, y el policía hilarante y desbarajustado. ¿La historia? Chris es agente de la CIA y está junto a su compañero (Hopkins) detrás de un gran complot terrorista que incluye armas nucleares. Pero ocurre que Rock, hombre clave en la operación, es asesinado, lo que trae como consecuencia un gran peligro para la nación. Entonces la CIA acude al hermano del agente muerto, su hermano gemelo (el mismo Rock, claro). Pero este nuevo “agente” no sabe nada de nada y es un desastre total. Qué remedio, Hopkins habrá de lidiar con él hasta que el muchacho se ponga serio. Ese momento de compón, aunque parezca imposible, llega. Pues los terroristas le dan al gemelo Rock donde más le duele. Ahí se los dejo.

            Malas compañías es pues una comedia de acción con dos grandes estrellas, pensada para generar mucha taquilla. Se trata, sin más, de una película para pasar un buen rato, ideal para los lunes de Cinergia. Disfrútenla hoy lunes 16 en la señal este y el lunes 23 de febrero en la señal oeste de Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:20 Jue 26/2/2009. Cinemax-O 21:20 Sab 28/2/2009. Cinemax-E 19:45 Dom 1/3/2009. Cinemax-E 21:35 Mie 4/3/2009. Cinemax-E 17:20 Sab 7/3/2009. Cinemax-E 17:35 Mar 10/3/2009. Cinemax-E 21:30 Vie 13/3/2009. Cinemax-O 23:45 Dom 22/3/2009. Cinemax-O 21:25 Mar 24/3/2009. Cinemax-O 01:15 Vie 27/3/2009. Cinemax-O 21:20 Sab 28/3/2009. Cinemax-O 21:40 Lun 30/3/2009.

            La vida de los otros (2006) es un magnífico film alemán del cineasta Florian Henckel von Donnersmarck, que nos demuestra una vez más, tal como dijimos en un post anterior, que el cine alemán está en un momento espléndido. Se trata de un film que se desarrolla durante los oscuros años del Muro de Berlín y que nos presenta un drama que es al mismo tiempo una denuncia a las compulsiones totalitarias de los poderosos a través de medios de espionaje como la Stasi, como también una gran historia de amor que se mueve en un mundo de luchas por la libertad de expresión y del arte en general. Un film con un argumento excelente, con una dirección impecable y con supremas actuaciones. No podemos imaginar a nadie más en el rol del agente de la Stasi Gerd Wiesler que a Ulrich Mühe, perfecto en cada gesto, en cada pequeña expresión, en cada contención de sus pasiones y en el misterio profundo que se esconde tras su silencio; perfecta Martina Gedeck en el rol de la artista Christa-Maria Sieland. Muy bien Sebastian Kochn en el papel del actor          Georg Dreyman, un tipo seguro de sí mismo, también con cierto toque de misterio y sensualidad. Ellos tres conforman un triángulo amoroso muy particular, pues Weisler, el agente de la Stasi, resulta más un títere de de un ministro gubernamental (Thomas Thieme) que usa su poder para saciar sus pasiones. No digo más, esta película debe ser vista, no contada.

            La vida de los otros, con toda justicia ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera en 2007.

            Te invito a verla, mañana sábado 14 de febrero en la señal este y el sábado 28 en la señal oeste en Cinemax. Porque los fines de semana también son de Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 23:30 Sab 28/2/2009. Cinemax-E 19:30 Dom 8/3/2009. Cinemax-E 17:20 Mie 11/3/2009. Cinemax-O 23:30 Dom15/3/2009. Cinemax-O 21:25 Mie 18/3/2009. Cinemax-E 22:20 Vie 20/3/2009. Cinemax-E 14:50 Dom 22/3/2009. Cinemax-O 17:50 Dom 22/3/2009. Cinemax-O 01:30 Mie 25/3/2009. Cinemax-O 21:20 Jue 26/3/2009. Cinemax-E 15:15 Sab 28/3/2009. Cinemax-O 18:15 Sab 28/3/2009. Cinemax-O 01:40 Mar 31/3/2009. Cinemax-E 18:20 Mar 31/3/2009.

Mikhail Baryshnikov, Hillary Clinton, George Clooney,Robert Downey Jr., Kirsten Dunst, Whoopi Goldberg, Mick Jagger, Keira Knightley, Bette Midler, Demi Moore, Yoko Ono, Keith Richards, Julia Roberts, Chris Rock, Arnold Schwarzenegger, Susan Sontag, Tom Wolfe, todos ellos tienen algo en común: que fueron fotografiados por Annie Leibovitz.

Annie Leibovitz es la fotógrafa norteamericana mejor pagada del mundo. Ha producido algunas de las imágenes más memorables de los últimos 30 años, desde su trabajo en revistas como Vanify Fair, Rolling Stone y Vogue, sus retratos a los artistas de Hollywood, y sus afiches promocionales de grandes series de la televisión (como Los Soporano). Aunque también ha ido más allá de la comodidad y de la elegancia, y ha documentado la guerra de Ruanda y Sarajevo. Tampoco ha dudado en documentar momentos de su vida íntima, reflejados en la serie de fotos que le hizo a su pareja, la desaparecida intelectual Susan Sontang. Y hablando de intelectuales mujeres, recuerdo acá a Ayn Rand, la escritora de origen ruso, quien en uno de sus ensayos argumentaba que la fotografía no es arte, a menos que esté escenificada, a menos que tenga un argumento, lo que nos lleva a la semiótica y a pensar en las clasificaciones que Peirce hizo sobre los signos. Peirce establece el rema, la dicencia y el argumento. El rema es apenas una posibilidad lógica, la dicencia un signo del que podemos afirmar algo y el argumento es el signo constituido desde la semiosis o interpretaciones evolucionadas de los signos, producidas por la representación (Aristóteles) de una realidad, que a su vez es un tamiz del pensamiento, del arte. Un argumento es una novela, una película. Así, para la Rand, la fotografía que no es una representación (un artificio) de la realidad, que no es un montaje, no es arte. Para ella, una simple foto de un atardecer (por muy hermosa que sea) no es arte (porque no es argumento, sino simple dicencia). Por fortuna, Annie Leibovitz entra por el estrecho hueco de la Rand, pues sus trabajos son magníficos montajes (como las fotos para los afiches de Los Sopranos, disculpen que insista) que recrean un mundo.

En fin, no los quiero seguir atormentando y los invito a ver este mes Annie Leibovitz: Life Through a Lens (2006), dirigido por la hermanan de la Leibovitz, Barbara Leibovitz. Annie Leibovitz: Life Through a Lens sigue a la célebre fotógrafa en su día a día, en lo cotidiano y lo laboral con el fin de darnos a conocer sus ideas sobre la vida, la fotografía, el arte en general y sobre cómo se unen la fotografía y el arte. Por cierto, a la pregunta de cómo es la vida de un fotógrafo, Annie Leibovitz responde: “Es sólo una vida viendo a través de unos lentes”. Las personalidades nombradas arriba, queridos amigos, salen en el documental y hablan sobre la fotógrafa.

Annie Leibovitz: Life Through a Lens, el jueves 19 de febrero en la señal oeste y el jueves 26 en la señal este dentro de espacio Real View, en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 15:10 Sab 28/2/2009. Cinemax-O 19:10 Sab 28/2/2009. Cinemax-O 21:55 Mar 3/3/2009. Cinemax-E 13:15 Sab 7/3/2009. Cinemax-O 17:15 Sab 7/3/2009. Cinemax-E 19:00 Lun 16/3/2009. Cinemax-E 17:50 Vie 20/3/2009. Cinemax-O 20:50 Vie 20/3/2009. Cinemax-O 21:55 Lun 23/3/2009. Cinemax-E 18:55 Mie 25/3/2009. Cinemax-E 12:10 Dom 29/3/2009. Cinemax-O 15:10 Dom 29/3/2009.

A Milos Forman le encantan las películas de época y los personajes raros y geniales. Entre sus películas de época, podemos nombrar a la muy conocida y premiada Amadeus de 1984 con 7 premios de la Academia (Mejor Actor, Mejor Dirección de Arte, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Director, Mejor Película, Mejor Sonido, Mejor Guión basado en una material previo); Valmont (1989), film basado en Las amistades peligrosa de Chardelos de Laclos, Ragtime (1981), nominada a ocho Oscars, entre otras. Casi ningún film de este cineasta checo se desarrolla en sus tiempos; es feliz recreando, y recreando encuentra constantes humanas que nos hablan de quienes somos. Ahora, en cuanto a los genios raros, tenemos al mismo Mozart, a Larry Flynt, a Andy Kaufman o al R.P. McMurphy de One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975), que aunque no es genial es un tipo muy raro. No cabe duda de que sus gustos están muy bien demarcados y se dejan ver. Así que, cuando Forman nos viene con Los fantasmas de Goya (2006), entendemos que estamos trabajando sobre una estructura en la que el director es un maestro, y sobre la que sabe moverse, siempre buscando, eso sí, nuevos retos. En este caso, trabajando en la representación de una cultura susceptible de caer en lugares comunes cuando se ve desde afuera, que es la española, y luego, fijándose en la vida del gran Francisco de Goya y Lucientes en dos momentos históricos tan complicados como el mismo Goya. Para no fallar en tan compleja empresa, Forman se buscó a un colaborador del pasado: Jean-Claude Carrière, el guionista célebre que trabajara junto a un español tan delirante y genial como Goya, nada más y nada menos que Luis Buñuel, para quien escribió obras maestras como Bella de día o El Fantasma de la libertad.

El film acontece a partir de 1792, con la Inquisición dándole duro a los pecados del mundo, y sigue con la llegada de los franceses a España, en 1808, año de la imposición del José de Bonaparte, hermano de Napoleón, como rey de los españoles, lo que trajo una sublevación popular contra las tropas napoleónicas en Madrid, que fue seguida en el resto del país, y que llevó a la huida del impuesto monarca. Por supuesto, Goya está allí, por delante de los acontecimientos históricos. Goya (interpretado magistralmente por un actor serio, de talento probado como es el sueco —sí, sueco— Stellan Skarsgård), se involucra con La inquisición a través de su musa, Inés, encarnada por Natalie Portman, la hija de un adinerado mercader que termina entre las garras del fanatismo opresor quizás más por una obsesión pasional de su carcelero que por cualquier otro pecado de herejía. Y acá por fin tenemos al español del equipo, Javier Bardem en el rol del padre Lorenzo. El amor y el horror, y el gran tema de Forman: la libertad. Porque cuando pensamos en esos personajes extraños a los que el cineasta nos tiene acostumbrados, nos damos cuenta de inmediato que más allá de la semejanza “conductual”, los une el tema de la libertad. Todos estos personajes actúan, se mueven, viven por la libertad. Creo ver allí una firme insistencia en el tema de la libertad. Quizás en los filmes donde esto queda más claro son One Flew Over the Cuckoo's Nest y The people vs. Larry Flynt, dos películas en las que el asunto de la libertad juega un rol fundamental. En Los fantasmas de Goya también está: Goya es la libertad, por encima de la Inquisición (enemigo interno), por encima de Napoleón (enemigo externo), por encima de los métodos de opresión en los que ambos enemigos incurren. Es decir, Los fantasmas de Goya, como la mayoría de los trabajos del cineasta, es un gran argumento de ficción contra las tiranías. Pero al mismo tiempo es un retrato excelente, lleno de complejidades, que nos muestra un instante de la vida de uno de los más grandes pintores de la historia universal.

Los fantasmas de Goya, el lunes 16 de febrero en la señal oeste, y el lunes 23 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas. Sólo en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 19:30 Sab 7/3/2009. Cinemax-E 17:20 Lun 9/3/2009. Cinemax-E 21:00 Jue 12/3/2009. Cinemax-O 23:45 Sab 14/3/2009. Cinemax-O 21:25 Lun 16/3/2009. Cinemax-O 01:45 Jue 19/3/2009. Cinemax-O 01:50 Lun 23/3/2009. Cinemax-E 18:25 Mar 24/3/2009. Cinemax-O 01:25 Sab 28/3/2009. Cinemax-E 18:25 Dom 29/3/2009. Cinemax-E 16:15 Mar 31/3/2009. Cinemax-O 19:10 Mar 31/3/2009.

Beastie Boys es sinónimo de trasgresión, creatividad y diversión. Su música, su vestuario, sus espectáculos, sus videos siempre buscan salirse de los lugares comunes. Estos músicos la hacen difícil, cuando pudieran hacerla fácil, pero porque en lo difícil se divierten. Con el documental Awesome, I fuckin’ shot that! (2006), demuestran qué tan iconoclastas pueden llegar a ser.

En 2004, durante un concierto en el Madison Square Garden, los Beastie les dieron cámaras Hi-8 a cincuenta de sus fans y les dijeron: “Vaya, filmen todo lo que pasa en nuestro concierto”.  Y así lo hicieron sus fanáticos, filmaron desde la perspectiva del público todo lo que tenía ver que la presentación de los músicos. MCA, también conocido como Beastie Adam Yauch, también como Nathaniel Hörnblowér (en resumen: uno de los miembros del grupo) fue quien concibió la idea, y quien aparece, de hecho, como director del trabajo. Reunir después todo esto  para editar, debió de haber sido un trabajón gigantesco y agotador. El resultado: algo distinto, algo único que nos muestra lo más directo, lo más sucio en cuanto a texturas, y también lo más cercano a la real, al concierto. Un collage absoluto, como collage son el hip-hop, el rap y todo esa propuesta musical de los Beastie de samplear, remezclar y deconstruir el material con que trabajan. Quizás esta sea la esencia de lo que ellos quisieron presentar con el documental que tendremos el gusto de ver en retransmisión este mes de febrero.

Awesome, I fuckin’ shot that!, hoy 5 de febrero en la señal este y el jueves 12 de mayo en la señal oeste, dentro del espacio Real View, el otro cine. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

Retransmisión:Cinemax-O 04:30 Sab 14/2/2009.

            Dos policías rebeldes (Bad Boys, 1995) de Michael Bay no es una obra maestra. Tampoco es lo mejor que veremos en nuestra vidas. Dentro de las películas de acción está muy lejos de ser la primera Lethal Weapon, pero Dos policías rebeldes es una película muy divertida que unió a dos actores que en su rol de compañeros policiales funcionan a la perfección. Se trata de Martin Lawrence y Will Smith, un dream team (o más bien dream tándem) de acción y comedia como pocos. Ha habido otros, claro. Están Nick Nolte y Eddie Murphy en 48 hrs (1982), y por supuesto, Mel Gibson y Danny Glover en Lethal Weapon, todos, de algún modo, modernas y agitadas versiones de aquellos antiguos Holmes y Watson creados por Sherlock Holmes. Pero no cabe duda que esta unión reciente de dos actores, capaces de la acción y de la comedia al mejor estilo negroide norteamericano, es una de las mejores que se ha dado en lo que respecta a entretenimiento; más todavía si están llevados de la mano de un joven director con las mejores actitudes para este tipo de cine comercial. Michael Bay dio su gran salto con Dos policías rebeldes; de allí en adelante haría su carrera en el género con filmes como Argmageddon, Pearl Harbor, Bad Boys II, The Island y Transformers. Bay no andará pretendiendo por ahí ser Visconti, pero no podemos negar que sabe mantener a la gente pegada del asiento una noche cualquiera de sábado en la sala de un cine, entre cotufas y coca-colas. La historia de Dos policías rebeldes nos presenta a dos policías, uno con problemas matrimoniales y labores (Martin Lawrece) y otro que ha heredado una gran fortuna (Will Smith), pero que aun así sigue en servicio. Ambos, con métodos muy particulares para trabajar, terminarán metidos en un caso complejo, que tendrá su origen en el robo de una dinero producto de la heroína. Una muy sensual “dama de compañía” (Téa Leoni) será el tercer personaje y la testigo vital en esta peli simpática y llena de acción.

            Dos policías rebeldes, una excelente opción para los lunes de Cinergia, el 9 de febrero en la señal oeste, en Cinemax. Porque Cinergia es lo mejor del cine de la grandes estrellas, y porque los lunes, en Cinemax nos preocupas por ponerte más películas, y menos series.

            Retransmisiones: Cinemax-E 19:30 Lun  2/2/2009. Cinemax-O 23:30 Lun 9/2/2009. Cinemax-E 21:50 Mie 11/2/2009. Cinemax-E 14:15 Sab 14/2/2009. Cinemax-O 18:10 Sab 14/2/2009. Cinemax-O 21:35 Mar 17/2/2009. Cinemax-E 21:15 Vie 20/2/2009. Cinemax-O 01:45 Lun 23/2/2009. Cinemax-E 15:30 Mar 24/2/2009. Cinemax-O 19:30 Mar 24/2/2009.      

            Este mes es el Oscar, y en Filmanía nos ha dado por premiar a los perdedores. Pero no de perdedores cualesquiera, ni tampoco exclusivamente de películas o directores que fueron nominadas al Oscar y perdieron, sino que también de películas que tratan sobre perdedores, seres marginales, periféricos, que han luchado, han caído y al final, han triunfado. Son así pues, películas sobre perdedores en toda su extensión.

            Aquí les van:

            —La naranja mecánica (1971): ¿Hay algo que decir acaso? ¿Debemos agregar algo más a este nombre? Se trata nada más y nada menos que una de las grandes películas de Stanley Kubrick. Basada en la novela de Anthony Burgess, la historia nos presenta a Malcom McDowel como Alex, un joven delincuente juvenil (un periférico, un olvidado, un perdedor) que junto a su pandilla lleva a cabo acciones de extrema violencia. No obstante, la película no va sobre abyección gratuita. Se trata en realidad de una muy dura crítica a la descomposición de ciertos estratos sociales, sobre su tontería y su maldad soterrada que pueden terminar siendo más atroces, peores que la de estos jóvenes delincuentes. La naranja mecánica recibió nominaciones a Mejor Director, Mejor película, Mejor Edición y Mejor Guión Adaptado. Por supuesto, perdió en todas las categorías a las que fue nominada. Hoy día, La naranja mecánica ocupa las listas de los mejores filmes de todos los tiempos. Más allá de ser un filme de culto, esta película es, por sí sola, un culto.

            La naranja mecánica, el miércoles 4 de febrero en la señal oeste y el miércoles 25 en la señal este.

            —American Splendor (2003): Una maravillosa producción de HBO que nos relata, entre el documental y la ficción, la vida del escritor de novelas gráficas, Harvey Pekar. En el rol de Pekar tenemos a Paul Giamatti, un actor multifacético quien, por cierto, fue nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto en Cindirella Man… y perdió. No obstante, Giamatti tiene un talento innegable que empieza a ser reconocido. Algún día esperemos que muerda algo grande. La historia de American Splendor muestra una sociedad de perdedores, de seres marginales que viven en un submundo de pequeños y miserables trabajos, en cafetines oscuros y conversaciones llenas de doloroso ácido. Pekar, uno de esos perdedores, logró salir a la superficie y mostrar las miserias de ese mundo a través del arte del cómic. Mucho jazz, mucho humor negro y el retrato duro de un sector marginado de la sociedad. American Splendor fue nominada a Mejor Guión Adaptado. No lo ganó.

            American Splendor, el miércoles 11 de febrero en la señal oeste y el miércoles 4 en la señal este.

            —Taxi Driver (1976): Acá estamos ante una situación parecida a la de La naranja mecánica. Hablamos de un filme de culto dirigido también por un cineasta que ha pasado a formar parte de las filas de los más influyentes en el séptimo arte del siglo XX (y del XXI, esperamos). Hablamos de Martin Scorsese.

Taxi Driver, como ya muchos saben, es la historia de un taxista (Robert De Niro) de Nueva York, solitario y más inocentón que misántropo, que un mal día se enamora y fracasa en el intento. Tal fracaso, su profunda soledad y su incapacidad para vivir en el mundo lo llevan a los bordes de la locura y a la violencia absoluta. Paradójicamente, este gran perdedor, termina siendo un héroe. Como héroe del cine para muchos es Scorsese, valga el paralelismo. Taxi Driver obtuvo nominaciones al Oscar en las categorías de Mejor Actor, Mejor Actriz de Reparto (Jodie Foster), Mejor Música y Mejor Película. No ganó.

            Taxi Driver, el miércoles 18 de febrero en la señal oeste y el miércoles 11 en la señal este.

            —El Ilusionista (2006): Este film de Neil Burger cuenta la historia del mago Eisenheim, (Edward Norton), que se termina reencontrando con el gran amor de su infancia, una joven noble, hija de un gran señor para el que trabajara su padre. En este reencuentro de la condesa Sophie von Teschen (Jessica Biel) y del mago se mueven capas profundas del alma. Pero ella está comprometida con el príncipe Leopoldo y él, es apenas eso, un mago, hijo de un humilde carpintero. ¿Puede ganar un perdedor de esta categoría? Pues la historia ha demostrado que los que pierden, puede que al final ganen. ¿Les dije que Citizen Kane fue nominada a 9 Oscares, entre ellos Mejor Director y Mejor Película, y sólo ganó el Mejor Guión Original (muy merecido por cierto para los grandes Herman J. Mankiewicz y Orson Welles? Muy pocos recuerdan qué peli ganó el Oscar a Mejor Película ese lejano 1942. Total que la pregunta es esa: ¿Puede ganar un perdedor? ¿Puede ganar el mago la partida del amor en este film? Pues bien, ya saben cómo averiguarlo. Una fábula hermosa, llena de mágicas imágenes, suspenso y mucha pasión. Si no la vieron, no se la pierdan. Si la ya la vieron, pues vale la pena verla. Ah, se me olvidaba, El ilusionista fue nominada en la categoría de Mejor Fotografía. ¿Y qué pasó? Perdió.

            El ilusionista, el miércoles 25 en la señal oeste y el miércoles 18 en la señal este, en Cinemax.

            Debo ser sincero: no sé nada, absolutamente nada de fútbol americano. Tampoco mucho del que jugamos en nuestras tierras, agrego. Pero sí les puedo decir lo siguiente de Un día cualquiera (1999): es una película dirigida por Oliver Stone, y como la mayoría de sus películas, el director lo puso todo en el campo (porque el film transcurre casi siempre en un campo de fútbol) para darnos una película bien hecha y verosímil en todos sus detalles (posiblemente Stone sepa de fútbol americano). También puedo decirles que Un día cualquiera cuenta con estos nombres: Al Pacino, Cameron Diaz, Dennis Quaid, James Woods, Jamie Foxx,. LL Cool J, Charlton Heston, Ann-Margret, Aaron Eckhart y Matthew Modine, entre otros. La Diaz es la niña rica que acaba de heredar un equipo en decadencia y que tiene unos muy radicales planes para la nueva temporada; y Al Pacino, el entrenador, es un tipo duro, pero a la antigua que tiene problemas en su vida familiar y que los tendrá también en su trabajo cuando se enfrente a los nuevos planes de la niña rica y sexy. Se trata, como ven, de una batalla, o de una guerra, y acá vienen perfectas las palabras de Stone (que hace que este film se enlace con otros filmes de su carrera): “El futbol americano es como una guerra. Te mueves en una dirección para llegar a una meta, pero en equipo”. Y bueno, yo que no sé nada de futbol, digo que si lo dice Stone ha de ser verdad, y por allí me voy y te digo que las actuaciones están muy bien, que el diseño de sonido es genial, y que la cámara se mueve, se mueve mucho y es expresiva, y que hay tensión, mucha tensión en esa historia que es una guerra, una lucha de poder y, qué paradoja, también un fresco sobre el deporte. El film, por cierto, puso colorado a más de un directivo de la liga de fútbol. Stone, en verdad, no se pone a decir cosas bonitas en sus pelis.

            Un día cualquiera, empezando el mes de febrero dentro del espacio Cinergia, el lunes 2 de febrero en la señal oeste de Cinemax, y el lunes 9 en la señal este. Cinergia, más cine, menos series.

            Retransmisiones: Cinemax-O 23:45 Lun 2/2/2009. Cinemax-O 01:15 Sab 7/2/2009. Cinemax-O 20:55 Mie 11/2/2009. Cinemax-E 21:25 Vie 13/2/2009. Cinemax-O 20:55 Dom 15/2/2009. Cinemax-E 16:40 Dom 22/2/2009. Cinemax-E 16:55 Mie 25/2/2009. Cinemax-E 12:20 Sab 28/2/2009. Cinemax-O 16:20 Sab 28/2/2009.

¿De qué debemos proteger a nuestros niños?, pareciera preguntarse Todd Field en Secretos íntimos (Little Children, 2006). Se trata de una pregunta que a mi modo de ver funciona como motor de arranque para ir más allá, para entrar en otras profundidades. La excusa, ideal, nos lleva a un film inspirado en la mejor vertiente del realismo literario, comentario que no considero descaminado ni al garete, pues es una escena, genial por cierto, tenemos a la protagonista (Kate Winslet) atrapada en el aburrimiento de un club de lectura donde se discute nada más y nada menos que sobre Madame Bovary. Esta escena, claro está, está allí para establecer un paralelismo maravilloso entre la vida del personaje de la Winslet y la Bovary. El realismo de la cinta, funciona así como una dura representación de la realidad (de momentos casi naturalista), cargada de una estética adecuada para un drama que busca atisbar por debajo de la mullida alfombra de los suburbios.

Pero vayamos a la historia: A partir de la salida de prisión de un pervertido sexual, abusador de niños, Field rasga la tela metálica de silencios, frustraciones y falsas morales de un vecindario y nos lleva a un “destape” de todo aquello que está suprimido en la corteza social. Sarah Pierce (el personaje de la Winslet) es una mujer descontenta con su vida y con su matrimonio; Brad Adamson (interpretado por Patrick Wilson) es un fracasado cuyo matrimonio tampoco va bien. La mejor metáfora de su fracaso, son sus constantes reprobaciones a un cierto examen relacionado con la abogacía. Alrededor de estos dos personajes, todo es igual, todo sigue el mismo patrón de la mediana perfección. Pero no nos engañemos, el mundo de adentro, el más íntimo, es un desierto de insatisfacciones y pulsiones vitales cargadas de dinamita (el esposo de Sarah masturbándose frente a la computadora es una imagen terrible). Entonces, en medio de esta vida tensa y cargada de normalidades aparentes, Sarah y Brad se encuentran y comienzan a vivir un romance. En torno a ellos, están los niños, testigos mudos de esa “amistad” de piscina, sol y momentos relajantes. Hay pues un bisturí allí, trabajando en la garganta de la sociedad, un realismo descubriendo mundos y almas. Y de fondo, de fondo esos niños, llenándose, contaminándose de lo que los rodea. Esos niños que, a pesar de ser niños, no son libres. Niños que ya nunca soñarán ni se imaginarán otra cosa que el silencio malsano y cómplice de los suburbios. No obstante, Field parece ir más lejos; lo dicho, los niños son la excusa. En realidad, esos niños son una transposición de los adultos, adultos que ya perdieron toda conexión con la ternura, la inocencia y la esperanza. ¿Quiénes entonces nos hacen daño? ¿Los que señalamos como los malos, o nosotros mismos que no hacemos más que señalar sin mirar hacia adentro?

            Hay que destacar la excelencia de las actuaciones. Winslet, ganadora reciente de dos Globos de Oro, demuestra acá las razones que le dieron estos dos importantes premios.  Wilson, no sé si por casualidad, lo encontramos enredado otra vez en una historia que incluye el delicado problema de la pederastia (en Hard Candy le cayó directamente, acá de un modo tangencial y metafórico, digamos), y saliendo bien parado de esto, pues su actuación es impecable.

            La dirección de Field, quien previamente recibió excelentes comentarios, premios y nominaciones al Oscar por el film In The Bedroom (2001), nos presenta una dirección limpia y nítida que aprovecha sus sanos recursos monetarios para mostrar algunas escenas prodigiosas y no obstante ajustadas a lo que se desea contar. El director conoce su historia, aunque en algún momento la alarga, quizás por la necesidad de crear cierta tensión o por no ceder espacio a los imperativos de un mercado que pide cada vez mayor rapidez a las historias y a las imágenes. Pareciera que el director quiere deleitemos con la imagen o que busca hacernos meditar dentro de la contemplación. Esto a veces resulta, a veces no. Lo dejo de parte de quienes vean la peli. Por cierto, Secretos íntimos obtuvo tres nominaciones al Oscar: Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz y Mejor Guión Adapatado.

            Secretos íntimos, el lunes 26 de enero en la señal oeste de Cinemax, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas.

            Retransmisiones: Cinemax-O 23:30 Dom 1/2/2009. Cinemax-O 02:00 Jue 5/2/2009. Cinemax-E 19:30 Dom 15/2/2009. Cinemax-E 21:35 Mar 17/2/2009. Cinemax-O 21:15 Jue 19/2/2009. Cinemax-O 01:35 Mar 24/2/2009. Cinemax-E 22:15 Mie 25/2/2009. Cinemax-E 17:15 Sab 28/2/2009.                      

El mundo no es lugar agradable, América mucho menos. Eso es lo que parece decirnos Martin Scorsese en cada una de sus películas, quien nos muestra este país del norte como un lugar violento, duro e incluso bizarro (sólo basta recordar al taxista asesino que se convierte en héroe nacional de Taxi Driver). Resulta muy significativo, por cierto, el discurso que diera Steven Spielberg en la más reciente edición de los Golden Globes al recibir el  prestigioso premio Cecil B. DeMile de manos de Scorsese. Spielberg señalaba la importancia de los legados y de las tutorías de los maestros (cada quien en el mundo tiene su maestro Jedi; su misión es encontrarlo). El creador de E.T señaló a Scorsese como su maestro, y a su vez a Corman, a Roger Corman, como el maestro de Scorsese. Desde Corman, maestro del cine B y de historias cargadas de horror y humor negro, yendo hacia Scorsese, no es de extrañar entonces que la visión cinematográfica y existencial del cineasta que nos ocupa sea tan oscura y pesimista. Tampoco hemos de extrañarnos si recordamos que Scorsese estuvo en un seminario, es decir, que estudió para sacerdote (recordemos su muy polémica The Last Temptation of Christ). La visión judeo-cristiana del mundo está llena de pecado y culpa, y su más grande historia lleva a su más grande héroe al suplicio terrible de la corona de espinas, los azotes y la crucifixión.

La carrera de aproximadamente 40 años de Scorsese pasa de las 30 películas, y mucha de ellas son obras fundamentales del cine norteamericano. Nombremos algunas: Gangs of New York (2002), Bringing Out the Dead (1999), Casino (1995), The Age of Innocence (1993), Cape Fear (1991), Goodfellas (1990), The Last Temptation of Christ (1988), After Hours (1985), The King of Comedy (1982), Raging Bull (1980), Taxi Driver (1976), Alice Doesn't Live Here Anymore (1974), Mean Streets (1973), entre otras.  

Durante años, Scorsese fue ignorado por el estatus cinematográfico de su patria., mas no por el público. También resulta paradójico que ya en 1976, con el film Taxi Driver, obtuvo la Pala de Oro en Cannes, y también en 1986, con After Hours. No obstante, su primer Oscar a Mejor Director le llegó finalmente en 2007, con Los infiltrados, film que también obtuvo Oscar a Mejor Guión Adaptado, Mejor Película y Mejor Montaje.

Los infiltrados (The Departed, 2006), versión libre de una película china de nombre Internal Affairs (2002),  hurga en el tema de los límites entre el Bien y el Mal en nuestros tiempos, moviéndose dentro de esa frontera entre lo legal y lo ilegal que es el mundo de los policías infiltrados; ese mundo peligroso, con su propia moral y su propia ética. Ahí tenemos a dos jóvenes infiltrados en dos mundos. Son Matt Damon el rol de Collin Sullivan y Leonardo DiCaprio en el rol de Billy Costigan, dos descendientes de irlandeses, nacidos en el sur de Boston y de origen humilde y muy relacionado con el mundo de la mafia, que funciona acá como un patrono, un beneficiario, un mecenas, en fin, como un recolector de almas perdidas y necesitadas de protección. Cabe destacar que, a diferencia de la mayoría de los filmes de Scorsese, Los infiltrados no se desarrolla en Nueva York, sino en Boston, como ya dijimos. Tampoco es descabellado acotar acá que Gangs of New York, film que buscaba el drama y la violencia de la historia de la inmigración irlandesa de Nueva York, sería así el film madre de Los Infiltrados. La inmigración irlandesa ha contribuido con mucha fuerza a la creación del alma americana y, por lo que deja ver claramente Scorsese, muchos de ellos trajeron la cultura de la violencia (en otros filmes también a retratado esa misma herencia de agresividad entre los italianos).

Pero volvamos a Los Infiltrados. Estos dos jóvenes policías de origen irlandés girarán en torno al mafioso principal, Frank Costello, interpretado por Jack Nicholson. Uno de los ellos, DiCaprio, estará muy cerca del capo, intentando demostrar que es fiel a la organización, siempre al borde de la muerte en ese intento. El otro, Damon, pulcro, educado, vivirá la comodidad y la elegancia del aire acondicionado burocrático, pero espía incondicional de Costello, avisándole siempre de los pasos policiales. El peligro mayor: que en algún momento Damon dé con el infiltrado en la organización criminal. Importante es el rol de otro joven y dinámico actor de Hollywood, Mark Wahlberg. No digo más.

Los infiltrados es un film duro, violento, lleno del suspenso que aporta el acoso de la muerte y de la corrupción. Ya lo dijimos, para Scorsese, el mundo es un lugar violento y corrupto. No obstante, por momentos y viendo toda la carrera de este singular autor, uno no puede dejar de pensar en una cierta fascinación por el mal. Pareciera que hay allí cierto encanto, cierto charm ineludible. No olvidemos también que la violencia vende y, no podemos soslayar que Scorsese se ha vuelto cada vez más hacia la taquilla (aunque no podemos decir que en el pasado le fue mal en este aspecto), lo que quizás le ha restado cierta profundidad a sus películas. Quizás por esta razón, Los infiltrados se vuelve algo confusa hacia el final, e incluso ciertas soluciones se antojan de última hora. No obstante, recordemos que estamos hablando de Scorsese y hay que quitarse el sombrero ante este trabajo que tiene puestos todos los hierros, la fuerza, el horror y el humor del gran maestro Scorsese.

Los infiltrados, el próximo lunes 19 de enero en la señal oeste y el lunes 26 de enero en la señal este, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas, sólo en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 14:30 Sab 31/1/2009. Cinemax-O 18:30 Sab 31/1/2009. Cinemax-E 19:30 Dom 1/2/2009. Cinemax-O 23:30 Dom 8/2/2009. Cinemax-E 17:00 Mie 11/2/2009. Cinemax-E 17:00 Sab 14/2/2009. Cinemax-O 21:00 Lun 16/2/2009. Cinemax-E 21:25 Jue 19/2/2009. Cinemax-O 21:00 Dom 22/2/2009. Cinemax-O 21:00 Jue 26/2/2009.

            Volvemos luego de unas bien disfrutadas vacaciones y empezamos el año en Cinemax desde la butaca que nos ofrece el espacio Cinergia, el mejor cine de las grandes estrellas. Hoy, 5 de enero, podremos disfrutar de Seduciendo a un extraño (2007) de James Foley, un film cargado de sensualidad y misterio en la mejor tradición de aquel primer Basic Instinct (1992), con la diferencia que acá contamos con un elemento muy actual, muy vigoroso a finales del siglo XX y a principios del XXI: Internet, espacio virtual que se presenta como la gran metáfora de la película: el lugar de las posibilidades donde se pueden vivir dobles vidas, con inocencia pero también con gran riesgo y peligro.

En el rol de la mujer que nos hará volar la cabeza saturada de erotismo no tendremos a una rubia como Sharon Stone, sino a una magnífica negra ganadora del Oscar; nada más y nada menos que Halle Berry, una reportera que no lo pensará dos veces para lucir seductora y para calentarle el cuerpo y la mente a un lujurioso magnate de la publicidad sospechoso de asesinato, interpretado por el siempre solvente Bruce Willis.

            Una chica asesinada, un caso para investigar, seducción a través de la red, vidas dobles y mucha sensualidad; todo esto con Halle Berry de fondo. ¿Quién se puede perder una película así?

            Seduciendo a un extraño, este lunes 5 de enero en la señal oeste de Cinemax, y el lunes 19 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas, sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 21:30 Dom 25/1/2009. Cinemax-E 17:45 Sab 31/1/2009. Cinemax-E 19:30 Dom 8/2/2009. Cinemax-E 17:30 Jue 12/2/2009. Cinemax-E 21:55 Lun 16/2/2009. Cinemax-O 23:45 Dom 22/2/2009. Cinemax-O 21:45 Mar 24/2/2009. Cinemax-O 01:20 Sab 28/2/2009.

            Y para no perder la costumbre de hablarles de la película del lunes que viene (y que sirve también para hoy en la señal este), te invito a ver el día 12 en la señal oeste la comedia Amigos con dinero (2006), un film protagonizado por una de las más famosas amigas de la televisión, Jennifer Aniston (que de la única que no debe ser amiga es de Angelina Jolie). Amigos con dinero cuenta con el aval de Nicole Holofcener, una directora y escritora muy confiable que ya está acostumbrada a trabajar con puestas en escenas corales. Allí tenemos Lovely & Amazing (2001), otra comedia que nos muestra las relaciones entre una madre y tres hijas, y los capítulos de Six Feet Under, la serie original de HBO que nos cuenta los aconteceres de una familia dueña de una funeraria. En el caso de Amigos con dinero, más allá de la Aniston, tenemos a tres actrices muy respetables: Frances McDormand, Catherine Keener y Joan Cusack, éstas tres las millonarias que ven que su amiga (la Aniston), no ha logrado alcanzar los niveles de prosperidad que las otras alcanzaron, pues la Aniston, acá Olivia, trabaja limpiando casas y no tiene pareja estable. Así, en este ámbito de preocupaciones, las amigas comienzan a intervenir en la vida de Olivia y a pensar en las de ellas también, produciéndose todo un movimiento dramático y cómico interesante y que va más allá de la simple recreación y de la risa fácil, y que busca más bien poner en el ojo y mostrar la otra cara de una sociedad demasiado acostumbrada a tapar sus verdaderos problemas bajo montañas de lujos y gastos exagerados e innecesarios.

            Recuerda, Amigos con dinero, el lunes 12 de enero en la señal oeste de Cinemax, y hoy, lunes 5, en la señal este, dentro del espacio Cinergia, en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:00 Dom 25/1/2009. Cinemax-O  22:00 Jue 29/1/2009. Cinemax-O 23:45 Dom 15/2/2009. Cinemax-O 01:15 Vie 20/2/2009. Cinemax-E 19:30 Dom 22/2/2009. Cinemax-E 21:15 Mar 24/2/2009.

            Todos los hombres del Rey (2006) es un drama político, inspirado en la novela de Robert Warren ganadora del premio Pulitzer en 1946. La novela, por cierto, se basa (se inspira) en la historia verídica de Huey Long, el célebre y controversial gobernador populista de Louisiana.  Si bien ya existe una película  homónima de 1949 sobre la novela, Steven Zaillian, el director de la versión actual, nos cuenta que no se inspiró en el film (ganador de tres premios de la Academia, entre ellos, el de Mejor Película), sino que se fue hasta al original literario y de allí sacó sus ideas. Valiente considero a Zaillian, que no le tuvo miedo a la exitosa versión cinematográfica, ni tampoco a la novela, todo un clásico de la literatura norteamericana. Valiente también fue al buscar un reparto que sin duda le daría miedo al director mejor pintando: Acá tenemos a Sean Penn (que es buen actor, pero también parece ser muy temperamental), Jude Law, Kate Winslet y Anthony Hopkins. Todo un reparto estelar para toda una historia americana: Willie Stark, un abogado de origen humilde, con grandes ideales y con una capacidad tremenda para la oratoria llegará a la gobernación del estado de Luisiana. Una vez allí, el poder y las mujeres lo llevarán hacia la corrupción y el chantaje. Se trata así de una compleja trama política que explora el tema del conocimiento de uno mismo, la pérdida de los ideales y la corrupción del poder. Zaillian con este film apunta alto —ya lo dije, es un valiente— y acierta en muchos sentidos. Sale bien parado, pues. Su narrativa intrincada no nos pierde gracias a un foco temático que se mantiene firme y sin distracciones. Esto, junto a una dirección siempre clásica y comedida le dan seriedad y profundidad a un film que corre todos los riesgos de ser comparado con dos obras maestras, una del cine, la otra de la literatura. Valiente, casi temerario el director, ¿no?

            Todos los hombres del presidente, disfrútala hoy en la señal Oeste de Cinemax y dentro de su espacio Cinergia. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:15 Jue 18/12/2008. Cinemax-O 21:30 Dom 21/12/2008. Cinemax-E 21:30 Mie 24/12/2008. Cinemax-O 21:30 Sab 27/12/2008. Cinemax-O 01:30 Vie 2/1/2009. Cinemax-E 17:30 Dom 4/1/2009. Cinemax-E 15:45 Jue 8/1/2008. Cinemax-O 01:15 Mar 13/1/2009.                   

            Hay películas con las que no se puede ser objetivo, simplemente porque te gustaron, y mucho. Debo decir que esto me pasa con El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007), un film que me dejó muy complacido, de arriba abajo, y que cuenta con gran cantidad de elementos de calidad.

La dirección de fotografía es magnífica; para muestra el asalto del tren justo al inicio. El ambiente frío y decadente y los colores opacos nos hablan de un mundo salvaje, yermo donde impera la violencia y el caos.

El tratamiento a profundidad de los personajes viene desde el guión y se apoya en unas actuaciones resaltantes. Brad Pitt le aporta un silencio hosco, físico y misterioso al personaje de Jesse James, elemento muy acorde con un criminal taimado y siempre acecho; pero al mismo tiempo, lo despoja del lugar común a través de una muy medida humanidad que nos lo vuelve absolutamente empático. Cassey Affleck, cien veces mejor actor que su triste hermano, funciona con rigor desde las imitaciones medidas a los gestos y maneras de James; merece mis respetos, sobre todo cuando consideramos que quizás de esa imitación admirada no hay sino una máscara.

El ritmo también se me antoja ideal. Se trata de un western, pero de un western moderno. Su director, Andrew Dominik (Chopper, 2000) se centra en el drama y se aleja de las pistolas. Así, el cineasta se da su tiempo y nos habla desde los silencios, los paisajes, las imágenes que hablan tanto como los diálogos. Algunos han dicho que la película es lenta, larga y que cansa. Lenta es, pero yo no me cansé nunca, y sentí que duró lo que tenía durar.

Jesse James, como de seguro sabrás, fue un criminal legendario del viejo oeste norteamericano, que en muchos casos llegó a pasar como hombre elegante y respetuoso. Fue asesinado por un supuesto admirador que se ganó su confianza. Acá lo de confianza es fundamental, pues James era un hombre difícil, naturalmente escaldado. Así que el film busca de manera especial hacernos ver cómo Ford se las ingenió para que este criminal de armas tomar, llegara a tenerlo tan cerca y sin suspicacias. Dominik y sus guionistas se preguntan la razón, y van a buscarla en una ficción justamente acomodada en el drama. El resultado: una película bien pensada, seria, que nos lleva a la humanidad de sus personajes. Desde Unforgiven del gran Clint Eastwood, creí que no volvería a ver un western que me gustara. No ha sido así.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, el lunes 15 en la señal este de Cinemax, y el lunes 22 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas, sólo en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 16:45 Jue 25/12/2008. Cinemax-O 21:00 Dom 28/12/2008. Cinemax-E 16:30 Mar 30/12/2008. Cinemax-O 01:30 Sab 3/1/2009. Cinemax-E 21:00 Mar 6/1/2009. Cinemax-E 16:45 Sab 10/1/2009. Cinemax-O 21:00 Lun 12/1/2009. Cinemax-E 21:15 Jue 15/1/2009. Cinemax-O 20:45 Dom 18/1/2009. Cinemax-E 15:00 Mie 21/1/2009. Cinemax-O 18:45 Mie 21/1/2009. Cinemax-E 21:45 Dom 25/1/2009. Cinemax-O 01:00 Vie 30/1/2009.                             

Hijo de gato caza ratón, y Sofía Coppola es una gata que se las trae a la hora de cazar en el coto cinematográfico. Sofía tiene talento, no se deja arrastrar por la corriente y, a través de las pocas películas que lleva en su haber, se nota que está creando su propio mundo sin hacerle caso a las presiones externas. Es difícil, para una joven que ha vivido rodeada del lujo de Hollywood, centrarse en sí misma. Es difícil, siendo la hija de Francis Ford Coppola, no vivir aplastada por la sombra de su padre. Si lo vemos con detalle, si lo pensamos, quizás sea ésta la temática constante de la joven directora: Ser una niña que crece en un mundo encerrado y extraño. Con Las vírgenes suicidas (1999) esa puerta se abre y nos invita a entrar en la vida de unas extrañas adolescentes en un mundo no menos extraño. Luego, con Lost in Traslation (2003), esa idea de la chica perdida en un lugar que no comprende —y que no la comprende— se vuelve a repetir. En María Antonieta: La reina adolescente (Marie Antoinette, 2006), tenemos una vez más los elementos del tema. Una chica: la reina María Antonieta, intenta crecer, comprenderse y vivir en un universo ajeno, cerrado y, en este caso, poderoso, suntuoso y decadente. De hecho, durante toda la película no salimos del espacio versallesco. Poco sabemos de lo que ocurre afuera. A la Coppola pareciera no interesarle la historia universal, sino el personaje, comprenderlo y cabría incluso decir proyectarse. Para la Coppola, María Antonieta (Kirsten Dunst) es víctima de sus circunstancias, de las cuatro paredes de oro que la llevaron a ser reina de Francia (sin ser francesa) en plena adolescencia. La Coppola nos presenta una muchacha frívola que no conocía y no conocería otra cosa que la frivolidad, una muchacha con los ojos cerrados a la calle, débil para comprender la política y la sociedad. Esto es lo que le interesa a la directora, mostrar a la reina en su encierro y, hasta cierto punto, ser empática con ella, quizás, aventuro, por ese detalle biográfico o existencial que le toca, y que la lleva a comprenderla y identificarse. Más de doscientos años después, hay alguien que cree comprenderla, porque quizás ha vivido lo mismo que la reina, pero a menor escala. No es casual así que la música del filme sea un compendio de música rock y pop de nuestro tiempo, y que haya guiños con la actualidad a todo lo largo de la cinta (zapatillas Converse, por ejemplo), en una especie de transmutación temporal, de anacronismos intencionales que, como significantes, nos hablan de la Coppola y de muchas jóvenes de familias adineradas de nuestro tiempo que se funden con el alma y la tragedia de la reina decapitada.

María Antonieta: La reina adolescente, excelente estreno para el lunes 8 de diciembre en la señal oeste, y para el lunes 29 en la señal este dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de la grandes estrellas en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-O 21:30 Jue 1/1/2009. Cinemax-E 17:15 Mar 6/1/2009. Cinemax-E 15:00 Dom 11/1/2009. Cinemax-O 19:00 Dom 11/1/2009.        

¿Un súper héroe puede morir? Pues no, ya lo sabemos. No puede morir, ni siquiera cuando lo matan en cómics. Superman hace poco volvió a la vida en el cine (y en los cómics también), y ahí seguirá, surcando los cielos, actualizado y menos tonto para gusto de sus fanáticos. Pero quienes los encarnan, sí puede fallecer. Christopher Reeve murió. Ya todos sabemos qué le pasó. Se cayó de un caballo, quedó cuadrapléjico y falleció nueve años más tarde, a los 52 años. Pero sí crees que Reeve fue el más famoso de los Superman con destino trágico, debo decirte que no fue así. Hubo otro, quizás más famoso que Reeve, y que también tuvo un final feo. Se trata de George Reeves (sí, se parecen mucho los apellidos, pero esto es la purita realidad), uno de los supermanes más famosos de la historia de la televisión. Reeve era un actor de cine con futuro prometedor, pero su carrera se vio truncada con la Segunda Guerra Mundial. De regreso, en plena crisis nacional, se vio en la necesidad de aceptar un rol que no estaba entre sus expectativas: el de Superman. Filmó una película de bajo presupuesto y una serie de 13 capítulos. Eso sí, firmó un contrato por sueldos y horarios miserables. Un contrato que llaman leonino. Para su sorpresa, un año después, Reeves era famosísimo. Pero había firmado contrato, y no podía deshacerse de él, ni de las cuatro temporadas de 26 capítulos cada una por el mismo sueldo miserable y las férreas condiciones de trabajo. Digamos que, a partir de este momento, la fama y el trabajo no le hicieron fácil la vida. Esta fama y esta vida fueron tan accidentadas, que lo llevaron a morir de muy mala manera. Nunca sabremos si se suicidó o si lo mataron.

La muerte de Reeves resulta así otra historia trágica de los héroes de la gran pantalla, historia por demás apetitosa que Hollywood se devora para contarse a sí misma, para mostrar sus entretelones, su Babel oscura. Hollywoodland (2006), del director de televisión Allen Coulter (The Sopranos, Law and Order, Six Feet Under, etc), es una muestra de ese interés caníbal de los grandes estudios por contarse a sí mismos. La película gira en torno al asesinato de Reeves, a la investigación, sus oscuridades, ocultamientos y peligros. En el rol de Reeves tenemos a un muy adecuado Ben Affleck haciendo de tipo galante, bien parecido y muy tonto con tan poco talento como enormemente iluso es —le quedó tan anillo al dedo el papelito a Affleck. Como el detective del caso, tenemos a Adrien Brody, dándole su toque especial y mucho arte al lugar común del “nariz” obsesionado. La dirección de Coulter resulta muy cuidada y deja actuar a sus protagonistas; a veces, se antoja demasiado televisiva, quizás por inexperiencia o inseguridad. No obstante, el filme es muy efectivo, dinámico e interesante. No termina de ser un thriller policial ni un drama; es más bien un biopic montado sobre una estructura policial que se adentra en el mundo de fracasos, opulencias y sueños de este hombre que llegó a ser muy famoso, pero no precisamente dentro del papel que hubiera querido para él.

Hollywoodland, misterio y muerte detrás de cámaras, abre el mes, el lunes 1ero en la señal oeste, y luego el lunes 8 en la señal este dentro del espacio Cinergia, más películas, menos series y más de lo mejor del cine de las grandes estrellas (a pesar de Ben Affleck).

Retransmisiones: Cinemax-O 23:30 Lun 1/12/2008. Cinemax-E 19:30 Lun 8/12/2008. Cinemax-O 21:15 Jue 11/12/2008. Cinemax-E 21:30 Dom 14/12/2008. Cinemax-E 15:00 Sab 20/12/2008. Cinemax-O 19:00 Sab 20/12/2008. Cinemax-O 20:45 Mar 23/12/2008.

            Steven Soderbergh es un estudioso de los códigos del cine de otros tiempos. Comparte con Tarantino la constante referencia y la actualización de los códigos. No duda a la hora de tomar los objetos dinámicos del pasado y convertirlos en sus objetos inmediatos, en su presente, en la esencia de su obra. El homenaje post-moderno está allí claro, evidente. Así lo hizo en Solaris (2002), su reinterpretación de la obra magna (1972) de Andrei Tarkovsky, y así también lo ha hecho con sus varias versiones de los filmes sobre ladrones caballeros y sus robos imposibles. Con Íntriga en Berlín (The Good German, 2006), Soderbergh revisita los clásicos ambientados en la Segunda Guerra Mundial y, en este caso, intenta un todo. Allí está la música de Thomas Newman aportándole sonoridades de época, el blanco y negro, los movimientos de cámara, el juego de luces y de sombra, incluso los créditos. No obstante, a pesar de que todos estos elementos nos remiten a una adaptación de los patrones clásicos, Soderbergh se aleja, por ejemplo, de la historia tipo Casablanca y nos muestra otros momentos de aquel pasado que aún no han sido contados. El creciente odio entre los rusos y los americanos, el lejano comienzo de la Guerra Fría, la rebatiña de los aliados y las miserias de los hombres, donde la dama principal (Cate Blanchett) debe oficiar de prostituta, el galán (George Clooney) es más un ser patético y triste que un romántico valiente, y donde se mueve el pillaje y la socarronería (Tobey Maguire y compañía). La historia se actualiza de este modo y le habla al hombre de nuestros tiempos. En este sentido, Soderbergh resulta muy actual, y su Íntriga en Berlín un film entretenido y al mismo tiempo serio, artístico y calado a profundidad.

            Íntriga en Berlín, hoy 17 de noviembre en la señal oeste, y el lunes 24 en la señal este dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas. Sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 21:45 Jue 27/11/2008. Cinemax-E 21:45 Dom 30/11/2008. Cinemax-E 17:30 Mie 3/12/2008. Cinemax-O 21:45 Sab 6/12/2008. Cinemax-E 17:00 Mar 9/12/2008. Cinemax-E 17:00 Vie 12/12/2008. Cinemax-O 21:00 Vie 12/12/2008. Cinemax-O 21:30 Lun 15/12/2008. Cinemax-E 20:45 Jue 18/12/2008. Cinemax-O 01:30 Lun 22/12/2008. Cinemax-O 00:45 Vie 26/12/2008.Cinemax-E 13:15 Sab 27/12/2008. Cinemax-O 17:00 Sab 27/12/2008. Cinemax-E 21:15 Mar 30/12/2008.

            Déjà Vu (2006) es un thriller de acción que te mantiene pegado a la pantalla y no te saca un solo bostezo. Tiene todos los elementos para mantenerte con la adrenalina a millón: un agente lleno de determinación y valentia (y actor famoso, como Denzel Washington), un misterio para resolver, un romance —sui generis— en ciernes, muchas explosiones y muchas balas y, además, un laboratorio satelital tan poderoso que termina convertido en la mismísima máquina del tiempo. De allí el título de Déjà Vu, que hace referencia a esa flash de memoria que nos hace creer que ya habíamos vivido un determinado momento de nuestra vida, quizás en otro tiempo y en otro lugar. Acá, la sensación de déjà vu la aporta esa máquina del tiempo ya referida. Porque esta vez el director Tony Scott (hermano de Ridley) deja a un lado sus epilepsias cinematográficas (mucho barrido, mucha cámara loca), y se dedica a contarnos una historia llena de emoción, un policial de acción con su toque de ciencia ficción. Porque Déjà Vu es eso, el viaje de un hombre hacia el pasado para evitar un evento trágico y, sobre todo, para ir tras la mujer, ya muerta, de la que se ha enamorado, en un intento quizás de salvarla, o simplemente para estar con ella en sus últimos instantes. Notables las actuaciones de Val Kilmer, Paula Patton y Jim Caviezel.

            Bajo la producción ejecutiva de un icono de Hollywood, el midas Jerry Bruckheimer, Déjà Vu resulta un film perfecto para un lunes de grandes películas taquilleras. Puedes verla el lunes 17 de noviembre en la señal este y el lunes 10 en la señal oeste dentro del espacio Cinergia. Sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:30 Sab 22/11/2008. Cinemax-O 21:15 Mar 25/11/2008. Cinemax-E 15:45 Dom 30/11/2008. Cinemax-O 19:45 Dom 30/11/2008.    

            Para este fin de semana te tengo dos recomendaciones excelentes:

            —Mon meilleur ami (2006): Una comedia de redención dirigida por Patrice Leconte (Ridicule, La viuda de Saint Pierre, Tango, Monsieur Hire). Un hombre con una vida material en más que perfecto estado (el excelente y veterano actor Daniel Auteuil), acepta un reto… No debe darle la vuelta al mundo en 80 días, pero sí debe salir a buscar a su mejor amigo en un plazo determinado. Si no lo consigue, perderá la apuesta y un lujoso jarrón griego. Ahí entonces aparecerá un taxista (Dany Boon) que quizás pueda ser su salvación… Una comedia muy humana, llena de ternura y de personajes entrañables. Sin pretensiones y con una factura impecable, Leconte se atreve en algo que los franceses se les hace difícil como proyección internacional: la comedia. Debo decir, no obstante, que Leconte sale muy bien parado. El resultado es totalmente eficaz.

            Mon meilleur ami, el sábado 8 de noviembre en la señal este y el sábado 22 en la señal este. Sólo en Cinemax.

            —Infame (2006): Una biografía del escritor Truman Capote, con Toby Jones en el rol protagónico y con un reparto realmente estelar: Sandra Bullock, Daniel Craig, Sigourney Weaver, Gwyneth Paltrow, Isabella Rossellini, Jeff Daniels y Peter Bogdanovich. Y aunque usted no le crea, esta peli costó apenas 13 millones de dólares (muy poco para Hollywood). Infame cuenta con la mala suerte de haber salido después de Capote (2005), film que puso en la estratosfera —muy merecidamente— a Philip Seymour Hoffman en su papel de Capote. Según tengo entendido, los dos filmes estaban trabajándose en paralelo, pero Capote se adelantó, y además contó con Hoffman, que hasta el Oscar se llevó. Por todo esto, debo decir que no nos dejemos llevar por la superficie y nos demos la oportunidad de ver Infame. Es, amigos, una muy buena película que no tuvo éxito, aplastada, claro está, por la avalancha de la previa y el Oscar de Hoffman. Infame se base en todo el proceso humano que le acarreó a Truman Capote la escritura de la novela de no-ficción A sangre fría, el mismo punto trata Capote, pero se aleja de la famosa en un aspecto fundamental: el tratamiento del escritor. En este caso, el film de Douglas McGrath (Emma) se centra en la figura del escritor de éxito social (el film muestra mucho de su vida en Nueva York) que era capaz de hacer que la gente se sintiera cautivada por su trato suave e íntimo, pero que quizás utilizaba ese don para manipular y alcanzar sus ambiciones. Esa confianza que inspiraba, parece entonces preguntarse el director, ¿era una trampa? Esa capacidad para crear empatía, ¿era su arma? ¿Fue acaso la que utilizó para engatusar al asesino, para obtener su amistad y sus confesiones? ¿Era Capote un monstruo sin moral o un ser humano que cometió el peor error de su vida? En este sentido, Infame se vuelve un film más directo, más revelador y me atrevo a decir que hasta más profundo. De algún modo, con Infame nos sentimos más cercanos a este personaje absolutamente empático, pero al mismo tiempo misterioso y distante.

            Infame, el domingo 9 de noviembre en la señal este y el domingo 30 en la señal oeste, por Cinemax.

            Fur: un retrato imaginario de Diane Arbus (2006) es una de esas pocas películas de hoy día que podemos disfrutar como una pieza de entretenimiento —con su toque marcado de cine independiente— y que al mismo tiempo nos aporta una compleja madurez temática. Porque este film dirigido por el relativamente joven director Steven Shainberg (su film anterior, Secretary es una obra maestra del amor sumiso y sadomasoquista), nos presenta distintos planos de la realidad y nos acerca a temas como la belleza, la fealdad, la esencia creativa del artista, la autodestrucción, el esnobismo y el amor; todo esto en su justa medida y sin complicarnos nuestra existencia de humildes espectadores a través de peroratas filosófico-existenciales (ese tipo de cine creo que ya se acabó hace tiempo). Fur: un retrato imaginario de Diane Arbus, es precisamente eso, la vida imaginaria de la fotógrafa Diane Arbus, y cuando dice el título “imagnario” y cuando yo digo  “vida imaginaria” de verdad estamos hablando de una recreación libre, totalmente libre que permite ahondar mucho más en los personajes y los temas. Es decir, Shainberg, un director que está dando y seguirá dando un cine de altísima calidad, no se conforma y no comete el error de hacer típico recorrido por lo que fue la vida real de un personaje. Para decirlo desde la semiótica de Pierce, el objeto dinámico (el referente original) que a Shainberg le interesa no es la persona de Diana Arbus, sino la realidad compleja del alma artística. Esto, queridos amigos, hace que el film sea aún más valioso, porque, al basarse lejanamente en la vida de Arbus, se concentra en la historia y sus últimos significados. Una película que falló, por ejemplo, en ese asunto del biopic duro —y mal entendido— fue la más reciente biografía de Edith Piaf. Demasiado empeñado su director en contar cada momento “importante” de la vida de la Piaf, se olvidó de contar a la artista y de lo que yacía en el fondo de un alma profundamente atormentada por el destino y por su propio arte. Esa sucesión estéril de momentos de vida, echó a la basura —a mi modo de ver— una excelente biografía. En ese film (estamos hablando de La Môme, 2007) lo realmente grande es la actuación de Marion Cotillard, quien pudo haber dado más —y eso que dio— sino hubiera sido por el fallo de guión. Por el contrario, Fur… no fracasa en este intento, sino que se centra en contar una historia, una historia imaginada sobre Diana Arbus; la historia de la esposa de un fotógrafo de modas que un día se pone a tomar fotos y descubre su vocación artística, o más bien su profundo talento de artista. Porque Diane Arbus no se quedó en la simple fotografía; Diane tenía una piel (fur) sensible que la llevó a ir más allá, a buscar dentro de ella, y a expresarse a través de un arte cuyos objetivos eran considerados (y aún son considerados) como estéticamente feos, es decir, personas con determinadas anormalidades físicas. Todo un contraste: mientras su esposo retrataba desfiles donde proliferaba los “bello”, ella buscaba la belleza del plano, de la luz y del alma en la fealdad de sus retratados. Cabe destacar el excelente rol protagónico de Nicole Kidman. La Kidman, amigos, no sólo es una mujer bellísima, sino que en varias ocasiones ha demostrado un muy firme talento actoral. Gus Van Sant fue uno de los primeros en oler la actriz que esperaba detrás de esa piel (de esa fur) blanca y de esos labios inasibles. Ahora, Shainberg retoma aquello que descubrió Van Sant y nos presenta a una Kidman transformada en esta fotógrafa a la búsqueda de su arte, que es como decir, de sus demonios y sus delicias internas. No debemos nunca olvidar a Robert Downey Jr. Grande, siempre grande.

            Fur: un retrato imaginario de Diane Arbus, un film sin desperdicio. Los invito a verlo el lunes 3 de noviembre en la señal oeste, y el lunes 10 de noviembre en la señal este, dentro de espacio Cinergia, lo mejor del cine de las grandes estrellas. Sólo en Cinemax, porque canales de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 21:30 Jue 13/11/2008. Cinemax-O 21:30 Dom 16/11/2008. Cinemax-E 14:15 Mie 19/11/2008. Cinemax-O 18:15 Mie 19/11/2008. Cinemax-E 17:15 Dom 23/11/2008. Cinemax-O 21:15 Mie 26/11/2008. Cinemax-E 22:00 Lun 1/12/2008. Cinemax-O 21:15 Jue 4/12/2008. Cinemax-E 22:00 Dom 7/12/2008. Cinemax-E 21:30 Mie 10/12/2008. Cinemax-O 21:30 Sab 13/12/2008.Cinemax-E 17:15 Lun 15/12/2008. Cinemax-O 01:45 Jue 18/12/2008. Cinemax-O 01:30 Mie 24/12/2008.

            ¿Cómo entender la cinematografía de M. Night Shyamalan? No es fácil, no se deja encasillar. El cine de Shyamalan tiene algo muy extraño: Parece cine comercial, cine para todo en el mundo, pero en el fondo, cuando uno sale de una de sus películas, lo hace con la sensación de que no es un cine para cualquiera. Quizás allí radica su incomprensión, y quizás el mismísimo problema de Shyamalan. Está metido en ese mundo donde las películas son un negocio, donde la taquilla es lo que cuenta, y él quizás intenta agregarle algo más al negocio, su toque personal, su toque de autor. Por otro lado, hay un elemento que Shyamalan maneja que en nuestros tiempos —no sé si antes tampoco— es bien comprendido, y esto es el elemento de lo fantástico. Lo fantástico como debe ser, en su verdadera dimensión, es difícil de asimilar. Lo fantástico visto como una irrupción de lo extraño, de lo sobrenatural en lo cotidiano no es muy asimilable hoy, y sus soluciones mucho menos. Así, Shyamalan se enfrenta con estos dos factores de peso al público y a las casas productoras. No podemos decir que le ha ido mal, en todo el orbe se le conoce y sus películas, sobre todo la primera (Sexto sentido) han obtenido éxito en el mercado. La gente va a ver sus películas con expectativa (“vamos a ver qué nos trae el loquito ahora”), pagan por llenarse de la maravilla de lo fantástico, pero por alguna razón, muchos salen descontentos. Hay algo en sus películas que no termina de calzar para ellos. Quizás Shyamalan ande en una búsqueda, quizás el momento del equilibrio le llegue, o quizás no le interese buscarlo y se termine dando cuenta que su camino es otro y que el verdadero cine que él quiere hacer está en lo auténtico y no en la ruta comercial; lo que a algunos se le antojará un desmejoramiento en su arte. No sé. A lo mejor se termina yendo por lo absolutamente comercial, y así, en algún momento logre su magistral Quijote.

La dama en el agua (2006) parece decirnos que Shyamalan se inclina cada vez más por un cine personal. El cineasta le aplica sus ritmos a la historia (esa dirección pausada, reflexiva), se aleja del efectismo y se centra en contar una historia que más parece de “hadas” (su subtítulo nos lo aclara: es una “bed time storie”). La dama en el agua impone la fantasía dentro de un mundo gris, triste y aplastante, pero aun así no juega a los efectos especiales ni a las grandes escenas. A pesar de su costo, a pesar de ser una gran producción, el film se centra en la historia, en los personajes y en el efecto de lo fantástico sobre el devenir del hombre. El resultado: un film extraño, inquietante, un cuento infantil para adultos. 

            La dama en el agua, el lunes 3 de noviembre en la señal este, y el lunes 24 en la señal oeste, dentro del espacio Cinergia.

            Retransmisión:  Cinemax-E 17:45 Jue 27/11/2008.

            Guión y actuación. Podemos decir que estos son los elementos principales de En busca de la felicidad (2006), una historia basada en hecho reales dirigida por el cineasta de origen italiano Gabrielle Muccino, quien se dio a conocer al público norteamiercano en el festival de Sundance, donde obtuvo un premio de la Audiencia en 2002 gracias a su filme L´ Ultimo bacio (2001). Bien sabemos que los directores italianos tienen el prestigio de manejar historias dramáticas y muy reales que a todos conmueven pero sin caer en sentimentalismos baratos; supongo así que, a ojos de sus productores, Muccino resultó ideal para encargarse de un film como En busca de la felicidad, un drama que nos cuenta la lucha de un hombre (Will Smith) cuya mujer (Thandie Newton) lo ha abandonado y que debe cargar con la responsabilidad de cuidar a su hijo (Jaden Christopher Syre Smith, el propio hijo de Will Smith). Este hombre, un vendedor que ha gastado todo su dinero en una mala inversión (por eso su mujer lo abandona, egoísta la muchacha), no sólo se queda sin esposa, sino que además se queda sin casa cuando debe dejarla por falta de pago. Así, con su hijo a cuestas y en la peor crisis de su vida, este hombre deberá hacer uso de todas sus habilidades para sobrevivir.

            Muccino, a pesar de que realiza una película hecha en Hollywood con una gran estrella de Hollywood, no se deja apabullar y le coloca una mínima carga hollywoodense al film, lo que hace que estemos ante un trabajo que no se entretiene en lugares comunes ni en facilismos (en algún momento debe hacer concesiones, pero en general es un logro que no se deje llevar por ellas), sino que se centra principalmente en los personajes y en darles su debida profundidad y dinámica, para así regalarnos una historia conmovedora que sale del alma y de sus procesos internos y no de las fórmulas ya manidas. Un film realmente recomendable. Vale la pena gran ver a una gran estrella de la taquilla como Smith, poniendo todo de su parte para hacer una película pequeña pero con exigencias dramáticas y un desarrollo de tema que no se conforma con lugares comunes. Una excelente opción para los lunes de Cinergia.

            En busca de la felicidad, hoy lunes 20 en la señal oeste y el lunes 27 de octubre en la señal este, como ya señalé, dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine hecho por los grandes estudios. Sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 22:45 Lun 20/10/2008. Cinemax-E 20:30 Lun 27/10/2008. Cinemax-E 18:30 Dom 2/11/2008. Cinemax-O 21:30 Mie 5/11/2008. Cinemax-E 18:45 Sab 8/11/2008. Cinemax-O 21:00 Mar 11/11/2008.

            Proof es originalmente una obra teatral de Broadway que tuvo muchísimo éxito por allá por el año 2000. Ahora, Proof (La prueba) es una película de 2005, dirigida por John Madden, un director de cine que también ha hecho teatro, o más bien, un director de teatro que se puso a hacer cine, y que terminó ganando el Oscar en 1998 por Shakespeare in love. Así, La prueba es una película basada en una obra de teatro, dirigida por alguien que tiene experiencia teatral, pero que, a pesar de los pocos escenarios y de los pocos actores (cuatro en total), logra superar la atmósfera teatral y se me antoja una obra cinematográfica en toda su extensión. Algo ha aprendido Madden, podríamos decir. 

            La prueba nos presenta a cuatro personajes que giran en torno al genio, la locura y las matemáticas. Aunque quizás siga los pasos del éxito de A Beautiful Mind, su aproximación al tema es distinto y tiene que ver más con las relaciones familiares, con la relación padre-hija, y con la herencia de la locura y del genio. En el rol paterno, tenemos acá a Anthony Hopkins, que aunque aparece poco, como siempre nos deja satisfechos. Gwyneth Paltrow lo hace bien y nos regala momentos interesantes y fuertes. Jake Gyllenhaal, en el rol de joven estudiante y admirador del genio fallecido (Hopkins) nos trasmite el entusiasmo del admirador que busca un destello de genialidad en los cuadernos del matemático enloquecido y muerto. Hope Davis, en el rol de la hermana de la Paltrow, también trabaja en su correcta medida, como generadora de conflictos. Todos, bien puestos en su debido lugar, nos aportan una película inteligente, comedida, sin aspavientos hollywoodenses, que trabaja desde el drama y con un toque de suspenso el extraño mundo del genio y de la locura, manteniéndose allí, en esa línea imprecisa, jugando a las preguntas y no las respuestas, dándonos además una mirada certera al alma de los hijos de aquellos genios que terminan sumidos en las laberintos de la mente humana.

            La prueba, el lunes 20 de octubre en la señal este, en Cinemax. Porque canales de cine, sólo Cinemax, dentro de su espacio Cinergia.

           Retransmisiones: Cinemax-O 21:00 Jue 23/10/2008. Cinemax-E 18:45 Dom 26/10/2008. Cinemax-O 21:45 Mie 29/10/2008. Cinemax-E 19:00 Sab 1/11/2008. Cinemax-O 21:15 Mar 4/11/2008. Cinemax-E 22:45 Vie 7/11/2008. Cinemax-O 21:45 Lun 10/11/2008. Cinemax-E 19:00 Jue 13/11/2008.    

          El ejemplar de La Enciclopedia del Cómics Americano que tengo (Promise Land Productions, 1990), dice que Superman es “The very first comic book hero”, y el más influyente también. Nos dice que debutó en 1938 en el primer número de la revista de DC, Action Comics, y que fue creado por el escritor Jerry Siegel y el artista Joe Shuster. Aquel primer Superman, nos sigue contando la enciclopedia, no podía volar (todo un detalle, ¿no?). 

Superman surgió durante la Gran Depresión, y significó muchísimo para sus lectores. Era el héroe que muchos jóvenes necesitaban, alguien poderoso que estaba por encima de la crisis.

Desde sus primeros meses fue todo un éxito. Para 1940, la revista Superman (ya aparte de la revista donde salió originalmente) vendía 1.250.000 ejemplares al mes.  En 1941 se le hizo la primera película animada. La produjo Paramaount Pictures y del proyecto estuvieron encargados Max Fleischer y su hermano Dave, ambos los maestros de dos grandes iconos: Betty Boop y Popeye. En 1953 George Reeves lo encarnó en televisión (hay un film —que desafortunadamente está protagonizado por Ben Affleck— que nos cuenta el misterioso y trágico final de George Reeves y se llama Hollywoodland). En 1970, bajo la tutela de Richard Donner, Christopher Reeve encarna en el cine al Superman más popular de todos; casi podríamos decir que Reeve fue el Superman por antonomasia.

            68 años después de su creación y a 36 de la película de Reeve, Superman regresa a al cine en una película dirigida por Bryan Singer, un director que tiene en su carrera un film ya clásico de la década de los noventa, The Usual Suspects; una muy buena adaptación de una novela de Stephen King (por lo general las novelas de King son muy mal adaptadas, a excepción de Carrie, The Shining, y una par de filmes de Darabont), Apt Pupil o Alumno Aventajado; y las dos muy exitosas adaptaciones de los X-Men. Muy posiblemente por estos dos últimos filmes, Singer fue considerado para llevar a cabo este proyecto que al parecer estuvo en el fondo del cajón de Hollywood por mucho tiempo (con fuertes discusiones que incluyen a Tim Burton). La peli se llama Superman Returns o Superman regresa (2006)

            Este nuevo Superman viene, por supuesto, recargado, y protagonizada por un actor muy joven y desconocido que, sin embargo, queda como anillo al dedo en lo que respecta a la fisionomía del personaje; se trata de Brandon Routh, un muchacho que había trabajado sobre todo en televisión. En el papel de Lex Luthor, el clásico villano de la saga, está Kevin Spacey, quien vuelve a encontrarse con Singer, luego de haber sido aquel exitoso Keyser Söze.

             Superman regresa nos pone donde se detuvo Superman 2. El mundo tiene cinco años sin saber de Superman, y Lex Luthor acaba de salir de la cárcel, quien por supuesto tiene todas las intenciones lucrarse (y hacer el mayor mal posible) en ausencia del súper héroe. Entonces, vemos que el héroe regresa, pero a los campos, a la vieja granja. Allá, la madre lo convence de que rehaga su vida, y éste se va para Metrópolis. Como vemos y veremos, los guionistas y el director humanizan bastante al súper héroe, y eso está muy bien, porque, precisamente, lo que hizo que Superman dejara de ser un personaje interesante fue su falta de humanidad, su “superioridad”. Los héroes que siguieron a Superman, aquellos creados por el gran Stan Lee, fueron personajes más humanos, con problemas psicológicos, con dramas profundos (recordemos el dolor cósmico de Silver Surfer). Superman, no obstante, se mantuvo poderoso e inocentón; poderoso y demasiado bueno, demasiado buen muchacho. Así, el público lo fue olvidando, como todos vamos hartándonos de aquel amigo demasiado buena gente y sonriente que nunca dice groserías. Concientes de esto, Singer y su gente le metieron drama a la vuelta de Superman, que es también Clark Kent (espero no haberle echado a perder el misterio a nadie. Je…). Su difícil relación con la figura de Lois Lane (Kate Bosworth), profundiza en esta humanización del héroe. Lois ahora tiene novio, un hijo, una nueva vida alejada totalmente del amor de su héroe desaparecido. De este modo, el film corre sobre dos líneas paralelas que al final se encuentran: por un lado, la confrontación con Luthor, y por otro, el romance con Lois Lane.

            Superman regresa es un film inteligente, que busca darle profundidad al personaje. Sus recursos cinematográficos convencen y los efectos son sólidos (aunque en ocasiones se dejan ver demasiado artificiosos). Pero no debe caber duda de que entretiene, y mucho, y nos resulta una gran película de taquilla para otros de los lunes de Cinergia de este mes de octubre. Te invito a verlam el 13 en la señal este y el lunes 27 en la señal oeste. Superman regresa, este mes de octubre, en Cinemax.

Retransmisiones: Cinemax-E 17:45   Jue 30/10/2008. Cinemax-O 21:00 Dom 2/11/2008. Cinemax-E 18:00 Mie      5/11/2008. Cinemax-O 21:00 Sab 8/11/2008. Cinemax-E 17:45 Mar 11/11/2008. Cinemax-E 18:00 Sab             15/11/2008. Cinemax-O 20:45 Jue 20/11/2008.       

P.D. Por cierto, y si no me equivoco, Max Prime pasará Superman y Superman II en noviembre. Estén pendientes los que tienen Max Prime. Salud.

            Motorhome, trailer, autocaravana, casa rodante, en distintas parte de América se le llama de diferente modos, y en Estados Unidos es, simplemente, RV, Recreational Vehicle, automotor que me atrevo a decir fue durante los años sesenta (gasolina, revolución, Vietnam, Guerra fría, viajes espaciales, el asesinato de Kennedy, amor libre, amor por el país, amor por viajar, el beatnik, On The Road de Kerouac publicada en el 57, la aparición del Mustang) uno de los símbolos de la vida norteamericana (hoy día también lo es, pero de otra clase de vida, más baja ahora, empobrecida). El RV era un lujo y un derecho de toda la clase media norteamericana. Hoy día también lo es, a pesar de los grandes estacionamientos de la clase media baja donde pululan los viejos RV. Es decir, aún existen unos costosísimos, y uno de ese tipo es precisamente el que alquila Bob Munro (Robin Williams), un ejecutivo desesperado que piensa que así pasará la mejor vacación de su vida con su familia. Pero claro, las cosas no salen como él pensaba. ¿Si no, para qué existen las leyes de Murphy y Robin Williams?

            Locas vacaciones sobre ruedas (2006) de Barry Sonnenfeld (Hombres de Negro, La familia Adams) echa mano del recurso del RV para llevarnos a un viaje al absurdo, al enredo, al humor y a la ternura. Y es que la sola presencia del RV sirve para llevarnos a un bueno número de interpretaciones de la cultura norteamericana, y nos permite, sobre el camino, ir encontrando atascos, personajes singulares y momentos de solidaridad. Desde las comedias aquellas protagonizadas por Chevy Chase, pasando por el cine de David Lynch, Jurassic Park, Spaceballs, Terminator 3, hasta About Schmidt con Jack Nicholson, el RV ha sido utilizado para contar historias. Así, Sonnenfeld, junto al Williams comediante, se agarran de esa tradición y nos traen una comedia que todos podrán disfrutar a principios del mes de octubre en Cinemax, una película ideal para los lunes de Cinergia, lo mejor del cine taquillero con las mejores estrellas.

            Ya lo sabes, Locas vacaciones sobre ruedas, el lunes 8 de octubre en la señal este y el lunes 13 en la señal oeste, por Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E  20:30 Lun  6/10/2008.  Cinemax-O 22:45 Lun 13/10/2008. Cinemax-E 22:15 Vie 17/10/2008. Cinemax-O 00:00 Mie 22/10/2008. Cinemax-E 14:30 Sab 25/10/2008. Cinemax-O 16:30 Sab 25/10/2008.    

            El laberinto del fauno (2006), de Guillermo del Toro, no es una cinta para niños. Así como me atrevo a decir que no son para niños El mago de Oz de Frank L. Baum o Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol. Y es que el arte, cuando es verdadero, no distingue entre adultos y niños. El laberinto de fauno toma elementos de la literatura fantástica, sobre todo de aquellos lados que atañen a la literatura protagonizada por niñas (Baum, Carrol, Neil Gaiman) y, amasándolos, construye un film lleno de fantasía y tinieblas. Como ocurre en la literatura de estos autores, el mundo al que huye Ofelia (Ivana Baquero), no es un mundo hermoso, agradable. Es más bien un lugar alucinado, problemático, muy tétrico, peligroso, oscuro. Todo lo que acontece en el mundo real, tiene su equivalente en el mundo de Ofelia (esta Ofelia, como la de Shakespeare, se ve afectada por la locura de otros, de los detentadores del poder). Su huida no implica el refugio y la seguridad, sino más bien la prolongación de la pesadilla. No es para menos. El director de Cronos, Hellboy, El espinazo del diablo (film muy cercano al que nos toca), Mimic y Blade II, nos presenta tres historias saturadas de sangre, tristeza, muerte y enfermedad, que transcurren a finales de la Guerra Civil española, con Franco ya a la cabeza del gobierno. Guillermo del Toro nos dice en una entrevista que para él, el fascismo es el horror máximo, una perversión que corrompe toda inocencia. Sin duda, los paralelismos están allí. El horror de la mente humana, el horror de los monstruos de la razón destruyendo todo lo bueno del hombre, su inocencia, su “infancia”.

Pero volamos a las tres historias. Por un lado, tenemos a Vidal (Sergi López), cruel capitán franquista, y su lucha contra los rebeldes del bosque. Allí debemos incluir la trama que corresponde Maribel Verdú y a su hermano, uno de los rebeldes. Por otro lado, tenemos a Ofelia y su madre Carmen (Ariadna Gil), recién casada con Vidal. Carmen está embarazada y muy delicada de salud. Su llegada al destacamento obedece precisamente a razones de salud; se supone que el campo le hará bien. Y en tercer lugar, está el mundo de fantasía de Ofelia, precedido por el fauno (Doug Jones) que a todas luces no es un ser empático, aunque al principio eso nos parezca. Misterioso y sutilmente amenazante, el fauno comienza a someter a Ofelia a unas pruebas nada fáciles ni mucho menos inocentes. Estos tres mundos se acoplan a la perfección, y tal como señalé, lo que acontece en la realidad tiene su paralelo en la fantasía (en especial el asunto de la llave).

            El laberinto del fauno es pues una mirada oscura, casi pesimista sobre cierto momento histórico y del mundo en general. No obstante, una vez más y como ya es característico en su cine, Del Toro echa mano de lo fantástico. La estética de artistas como Dave McKean se siente, se disfruta y se agradece. Algo de Kubrick se deja ver también en la idea del laberinto, sobre todo hacia el final. El director mexicano bebe de las mejores fuentes, es un artista con gustos refinados que sabe filtrar y aprovechar los referentes y el juego semiótico. Así que la oscuridad del film se cubre sin embargo de cierto halo de luz que siempre propicia la imaginación y la fantasía. El final nos aporta igualmente cierto tono esperanzador.

            El laberinto del fauno, el lunes 29 de septiembre en la señal oeste de Cinemax, dentro del espacio Cinergia.

            Razones para ver El gran truco (The Prestige, 2006):

1)      Es de Christopher Nolan. Y como ya sabes, Nolan dirigió Batman Begins y The Dark Knight, filmes fascinantes que rescatan al héroe del ridículo en que se vio sumido y lo vuelven a poner en primer plano. The Dark Knight ha recaudado hasta el momento más de 950 millones de dólares en todo el mundo, y está a punto de bajar al Titanic del primer lugar de taquilla estadounidense. Nada más por hacer naufragar al Titanic, Nolan merece que veamos sus películas.

2)      Porque Christopher Nolan también dirigió Memento.

3)      Porque El gran truco trata sobre magos. Y toda película que trate sobre magos debe ser vista. El Ilusionista, que pasamos en junio en Cinemax, es tan maravillosa Como El gran truco, y, aunque trata sobre un mago, su trama es diferente. Así que ambas pelis no deben ser consideradas competencia. Más bien se complementan. En esta película dos magos son protagonistas. Al principio son amigos y luego se odian y se vuelven feroces competidores.

4)      Porque va detrás de los bastidores y nos muestra algunos trucos de magos.

5)      Porque David Bowie hace de Tesla. El gran Bowie siempre hace papeles raros, y éste es uno más, porque interpreta al croata Nikola Tesla. Tesla fue físico, matemático, ingeniero eléctrico, inventor y loco. Propuso, entre sus geniales alucinaciones, iluminar totalmente el desierto del Sahara para que los marcianos se dieran cuenta que la Tierra estaba habitada por seres inteligentes. Pero más allá de esto, Tesla inventó la corriente alterna, la que usamos mayormente hoy en día. Y fue enemigo de Edison, inventor de la corriente continua. Por cierto, Edison inventó la silla eléctrica con corriente alterna para desacreditar este tipo de corriente y quedarse él con todo el negocio de la electricidad, con su corriente continua. Tesla también fue el inventor de la radio, y no Marconi, como dicen por ahí.

6)      Aunque Tesla aparece brevemente en el film, su rol en fundamental para esta historia, pues inventa un aparato que hará que uno de los dos magos alcance cumbres insospechadas.

7)      Porque la película está basada en un libro de Christopher Priest, tocayo inglés de Nolan, autor de excelentes libros de ciencia ficción. Y no digo más, porque les hecho a perder la película si no la han visto.

8)      Porque Christian Bale, nuestro actual Batman, es uno de los magos. Bale es un actor  de origen galés muy serio, dedicado a su trabajo y que, a parte de ser Batman, ha hecho roles excepcionales como el del asesino Patrick Bateman en American Psycho, film basado en la novela de Bret Easton Ellis, un clásico ya de la literatura  norteamericana. Y no podemos olvidar a Bale en El Maquinista, donde hizo el rol de un hombre sin memoria que se consume lentamente por causa del insomnio (ojo, no es un film de Nolan, aunque usted no lo crea)

9)      Porque trabaja Hugh Jackman. Y bueno, aunque esto plazca más a las niñas, podemos decir que Jackman es Wolverine y Van Helsing.

10)  Porque trabaja —y ésta sí la dejo completita a los muchachos— la diosa Scarlett. ¿Necesito decir el apellido?

11)   Porque trabaja Michael Caine, un actorazo con toda su Oscar a Mejor Actor muy bien otorgado. Y un gran Alfred.

12)   Porque la podrás ver el próximo lunes 15 de septiembre en la señal oeste de Cinemax, y el lunes 29 en la señal este, dentro del espacio Cinergia, por Cinemax.

Qué lindo que es soñar 

soñar no cuesta nada 

soñar y nada más 

con los ojos abiertos 

qué  lindo que es soñar 

y no te cuesta nada más que tiempo

Kevin Johanssen, “Anoche soñé contigo”

            Algunos recordarán que en 2003, 147 soldados colombianos se encontraron dos barriles en la selva llenos de dólares. 46 millones de dólares en total. Estos soldados, oficiales incluido, acordaron no reportar el dinero. Más o menos la lógica era ésta: “Este dinero es de unos narcos, pero en el fondo no es de nadie. Si lo entregamos, ¿qué va a pasar? Seguro lo queman, o se lo agarran unos corruptos. La mayoría acá es gente que nunca ha visto tanta plata junta, ni siquiera el 1 por ciento. Así que mejor no le decimos a nadie y nos agarramos esa platica”. Cabe destacar que 46 millones entre 147, me da más o menos 313 dólares por soldado, una cantidad nada despreciable para irse de fiesta, buscar mujeres y comprarse ropas y automóviles, todo lo cual hicieron estos señores. Claro, los descubrieron, y algunos fueron apresados (la mayor parte se dio a la fuga), juzgados, condenados y encarcelados. ¿Les parece un hecho fantástico? Pues ocurrió de verdad, ya lo dijimos, y tuvo lugar en Colombia, la tierra del Macondo de Gabriel García Márquez.

            Inspirado por esta historia, el director (colombiano), Rodrigo Triana (Como el gato y el ratón) hizo una película y la estrenó en 2006 bajo el nombre de Soñar no cuesta nada, una comedia con muchos tintes negros que nos cuenta la historia de cuatro de esos soldados que se reparten el dinero. Los sueños, la esperanza, el absurdo de la vida, la película nos muestra situaciones maravillosas que son claras imágenes de la existencia. En cierto momento, por ejemplo, los soldados se ven atrapados en el medio de la selva pues la guerrilla ha volado todos los puntos de conexión. Así, ellos se encuentran sin comida, sin salida, en las peores condiciones, pero con los bolsos llenos de dinero. También los escuchamos hablar del futuro, de lo que harán con el dinero, y luego lo vemos dilapidarlo en mujeres y alcohol. Todas estas situaciones no hablan de tanto, de mucho de lo que tiene que ver con la concisión humana y el valor del dinero.

            Soñar no cuesta nada es hasta el momento la película más taquillera del cine colombiano. Fue ganadora del premio a mejor actor de reparto en el Festival de Cine de Cartagena (Marlon Moreno) y del premio del público en el Chicago Latino Film Festival. También fue nominada al Goya a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana.

            Soñar no cuesta nada, mi recomendación para este fin de semana. Puedes verla el sábado 8 en la señal oeste, y el sábado 20 en la señal este, por Cinemax. Canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 20:30 Sab 20/9/2008. Cinemax-E 18:30 Mar 23/9/2008. Cinemax-O 00:45 Sab 27/9/2008. Cinemax-O 00:30 Jue 2/10/2008. Cinemax-E 16:15 Sab 4/10/2008. Cinemax-O 18:15 Sab 4/10/2008. Cinemax-O 01:00 Mie 8/10/2008. Cinemax-E 22:15 Vie 10/10/2008. Cinemax-E 19:00 Lun 13/10/2008. Cinemax-O 00:15 Vie 17/10/2008. Cinemax-E 18:45 Dom 19/10/2008. Cinemax-O 20:45 Mie 22/10/2008. Cinemax-E 16:15 Sab 25/10/2008. Cinemax-O 18:15 Sab  25/10/2008. Cinemax-E 16:00 Jue 30/10/2008. Cinemax-O 19:00 Jue 30/10/2008.                  

            El nuevo mundo (2005) no es otra película de conquistadores contra indios. Es más, El nuevo mundo no es ni siquiera otra película de Colin Farrell donde siempre se le presenta como un guerrero sexy que arrasa con todo. El nuevo mundo es un film dirigido por el extraño director Terrence Malick, quien apenas cuenta con cinco películas en su haber en 30 años de carrera cinematográfica. Creador de cintas como Badlands y The Thin Red Line, Malick es una especie de ermitaño del cine. Un Salinger, un Cormac McCarthy del séptimo arte, según el sentir de algunos. Un tipo que no se deja ver y que produce poco, pero lo que produce siempre deja comentarios, huellas. El nuevo mundo, su quinto film, aunque pudiera tener todos los elementos de un cine comercial y fácil, no se permite esas concesiones y explora los terrenos que siempre le han interesado al director, y que nos llevan a una visión antibelicista del mundo (que podemos ver en The Thin Red Line), y a la exploración de la condición del amor dentro de contextos extremos y encontrados (Badlands y Days of Heaven).

            El nuevo mundo toca estos dos temas fundamentales en la cinematografía de Malick. Trata sobre la llegada de los conquistadores a las tierras de Virginia en el siglo XVII, las luchas que hubo entonces, y sobre una historia de amor ficticia basada en el encuentro real entre John Smith y una mujer indígena que le salvó la vida. Colin Farrell en el papel de Smith, es un condenado a muerte que conoce una vez más la libertad y se llena de ansias de conquista en el nuevo mundo. La joven india, hija preferida de Powhatan, jefe de la confederación algonquina, y cuyo nombre es nada más y nada menos que Pocahontas es interpretada por la actriz alemana Q'orianka Kilcher, hija de peruano con una mujer suiza que vivía en Alaska, toda una mezcla de lugares y sangre que en la actriz forma un ejemplo perfecto y paralelo de mestizaje.

            Como ves, la historia tendría mucha carne para una gran película estilo Hollywood, pero Malick, quien además de dirigir la cinta la escribe, no se va por estos terrenos. Por un lado, le interesa la fotografía, la estética, contar con silencios y contemplaciones; por otro, vemos que Malick se centra, como en The Thin Red Line, en los pensamientos de los personajes, pensamientos que dan paso a preguntas e ideas que nos llevan a reflexionar en torno a los temas de los encuentros o choques de culturas, la guerra y el amor mismo. El nuevo mundo resulta así una obra que se escapa de los convencionalismos y nos lleva hacia los predios del arte y de la existencia humana. Así que los que estaban asustados con Farrell, no se preocupen, Malick lo puso en cintura. También actúan Christopher Plummer y Christian Bale. La actuación de Q'orianka Kilcher, suprema.

            El nuevo mundo, hoy lunes 1ero de septiembre en la señal este y el lunes 8 de septiembre en la señal oeste.

            Retransmisiones: Cinemax-E 12:15   Sab 13/9/2008. Cinemax-O 14:15 Sab 13/9/2008. Cinemax-O 00:45 Mie 17/9/2008. Cinemax-E 10:15 Dom 21/9/2008. Cinemax-O 12:00 Dom      21/9/2008. Cinemax-E 18:00 Mie 24/9/2008. Cinemax-E 18:00 Mie 1/10/2008. Cinemax-O 20:00 Mar 7/10/2008.

            Dicen que en el mar la vida es más sabrosa, pero parece que el director Wolfgang Petersen no está de acuerdo con tal sentencia. Para él, el mar parece ser un sitio de retos, de luchas, un lugar donde poner a prueba a los hombres. Es un director de acción, y para él, el mar y la acción se conjugan perfectamente. De allí que haya dirigido por lo menos tres filmes que están relacionados con el mar y con la lucha del hombre por sobrevivir. Das Boot (1981), The Perfect Strom (2000) y Poseidón (2006) pueden dar fe de estas afirmaciones. El director de Troya también ha sido muy recordado en Hollywood por Das Boot, film que le valió dos nominaciones al Oscar. Es decir, la acción y el mar siempre han estado presentes (incluso en Troya). Es allí, en el mar, donde más parece disfrutar, donde más muestra sus habilidades para narrar y donde mejor se luce. Ahora, de aquel film de 1981 a Poseidón en 2006, mucho agua (literalmente) ha corrido por los escenarios de Hollywood, y Petersen, que no la deja pasar en vano, se propuso hacer la adaptación de aquel viejo film de 1972 titulado The Poseidon Adventure, dirigido por Ronald Neame y protagonizado por Gene Hackman y Ernest Borgnine. “Hoy podemos hacer muchas cosas que hace cinco años era imposible”, llegó a decir Petersen. Y es así, verás muchas escenas creadas por computadora, pero también mucho de eso que Petersen saber hacer mojando a todo el mundo. Y es que nadie como él para meter agua, electricidad y actores en una misma tina sin que nadie salga muerto. Piénsalo, no debe ser fácil meter en agua tanta gente y tantos equipos, y menos trabajar en enormes escenarios construidos de cabeza o inclinados. Por cierto, el trabajo de los decorados fue continúo y se llevó a cabo durante la filmación. Por la naturaleza misma del film, los escenarios eran perecederos y había que estar construyéndolos constantemente, veinticuatro horas al día.

            Poseidón parte de una sencilla premisa: ¿Qué harías se te quedas atrapado en un barco? Es eso lo que hace el film, pone a prueba sus personajes, y es, sobre todo, una excusa perfecta para mostrarnos todo lo que Petersen ha aprendido de ese arte tan complejo de filmar rodeado de agua. Así, el film resulta todo un prodigio técnico lleno de mucha acción. De hecho, fue nominado al Oscar por Efectos Especiales.

            Así que ya lo sabes, aunque seas rico, aunque hayas pagado todos los dólares del mundo para ir en un enorme bote, aunque creas que tienes el mundo en tus manos, Wolfgang Petersen te agarrará y te pondrá cabeza abajo, como el loco del Tarot, y te pondrá a sufrir y a ver cómo te las arreglas. Si no, pregúntale a Josh Lucas, Kurt Russel y Richard Dreyfuss, tres de los principales protagonistas de esta cinta llena de acción y tensión. Ideal para empezar el septiembre de Cinemax en los lunes de Cinergia.

            Poseidón, el lunes 1ero de septiembre en la señal oeste y el lunes 15 en la señal este dentro del espacio Cinergia, más y mejor cine de estrellas.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:45 Mie 17/9/2008. Cinemax-E 18:45 Sab 20/9/2008. Cinemax-O 20:30 Mar 23/9/2008. Cinemax-E 18:45 Dom 28/9/2008.

            “Quien se resiste a los deseos nunca ha de sentirse humillado por haberlos satisfecho.”

            “El hombre sólo razona correctamente cuando tiene la bolsa repleta.”

            “El mismo principio que me impide mentir, me impide decir la verdad.”

            “En toda lengua lo último que se aprende es el humor.”

            “En el amor los favores fáciles de obtener pierden su encanto, mientras que un poco de resistencia incita el apetito.”

            “Algunas feas suelen compensar su fealdad con excesos de libertinaje.”

            “El despecho impide el éxito.”

            Todas estas frases, pertenecen nada más y nada menos que Giacomo Girolamo Casanova. Y este mes, en Cinemax, podremos disfrutar de una recreación de la vida de uno de los personajes más interesantes que llenaron de maravillas del mundo durante el siglo XVIII. No sólo un gran conquistador, sino un tipo de cuidado, un feliz pícaro y un interesante filósofo que escribió sus memorias y nos dejó fantásticas reflexiones sobre su tiempo y, mejor aún, muchos detalles sobre el acontecer de sus días. Casanova, dirigida por de Lasse Halström (Chocolat, Sider House Rules) intenta atrapar, fabular varios momentos de vida de este legendario aventurero, protagonizado por el fallecido Heath Ledger, tan de moda en estos días por su rol de Guasón en el más reciente film de Batman y por su muerte prematura. Una comedia con su toque de romance, donde vemos a Casanova, el seductor sin alma, finalmente perdido en el caos del amor por causa de una bella mujer que le desprecia (Sienna Miller). Actuaciones magistrales de Jeremy Irons, Oliver Platt y Lena Olin. Mucho humor, mucha ligereza que permite a Ledger lucir su talento (esa capacidad para ser detestable y fascinante al mismo tiempo). Excelente dirección de arte, vestuarios maravillosos, una producción en grande con un guión que a ratos se pierde. No obstante, no puede dejarse de ver, sobre todo si te has vuelto fan de Ledger hasta en el Facebook.

            Casanova, el lunes 25 de agosto en la señal este de Cinemax dentro del espacio Cinergia, lo mejor del cine de grandes presupuestos. Porque canales de películas hay muchos, de cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 18:30 jue 28/8/2008. Cinemax-O 20:15 Mar 2/9/2008. Cinemax-E 18:30 Sab 6/9/2008. Cinemax-O 20:30 Mie 10/9/2008.Cinemax-E 18:45 Dom 14/9/2008. Cinemax-O 20:45 Sab 20/9/2008. Cinemax-O 00:30 Vie 26/9/2008. Cinemax-E 22:45 Dom 28/9/2008.                           

            Manuel Lucena, en su libro Piratas, bucaneros, filibusteros y corsario en América, escribe lo siguiente:

            “La Cofradía de los Hermanos de la Costa fue una asociación de filibusteros, pero su finalidad no era organizar la piratería, sino garantizar a sus asociados el libre ejercicio independiente de tal profesión. Se gobernó por medio de una especie de consejo de ancianos, integrado por los más viejos filibusteros, cuya misión era conservar la pureza del espíritu libertario y decidir la admisión de nuevos hermanos. Más tarde se eligió un jefe que fue llamado gobernador, a quien se le dio el título de uso entonces, pero sin que realmente tuviera nunca los poderes de un verdadero gobernador colonial. Incluso se nombró un almirante, que se rodeaba de una especie de estado mayor. Las grandes decisiones se tomaban, sin embargo, mediante junta de capitanes, y algunas veces se convocaba esta en la isla Vaca, que distaba por igual de la Tortuga y Jamaica”.

            Nos dice Lucena que esta particular Cofradía apareció en algún momento después de 1620 y que tenía su base en la isla la Tortuga, situada entre Cuba y Haití.

            Cuando los turistas van a Disney World se encuentran con una distracción que se llama “The Pirates of the Caribbean”. Allí, en un montaje de audio-animatronics, podemos darle un vistazo a lo que es un poblado pirata libre de todo el horror del crimen, digamos que se trata de una versión esterilizada del mismo, donde podemos disfrutar de maleantes felices tomando ron y cantando. Bichos malos que caen bien. Bichos malos y simpáticos. Muchos años después, los ejecutivos de Disney conectaron. “Si esta es una de nuestras atracciones más exitosas, ¿por qué no la convertimos en una película?”. Eso hicieron y hubo algo en lo que no se equivocaron: En continuar dándole ese carácter empático a los piratas, cosa que no es un invento de Disney, pues desde siempre la imagen del malechos de los mares ha sido muy atractiva para las personas. Quizás haya ahí como un signo superior que está relacionado con la libertad y la resistencia a las normas establecidas y a los poderes. Conciente de esto, Disney no regaló la figura de un rufián con quien comulgar: Jack Sparrow, el gran logro de la trilogía de los piratas del Caribe, personaje encarnado por Johnny Depp, uno de los pocos actores que hoy en día puede aportarle a sus roles esa mezcla fascinante de sensaciones, donde se unen el mal, la simpatía, el absurdo, la elegancia e incluso cierto toque de homosexualidad. Un clown oscuro, un malo iluminado, un pirata con maneras, eso resulta Jack Sparrow. Luego, no debemos dejar a un lado el despliegue de aventuras producidas a lo grande, con los mejores efectos especiales del momento, todo bajo la producción ejecutiva de Jerry Buckheimer y la dirección de Gore Verinski, director que venía de dos cintas que le valieron cierto reconocimiento. Con The Mexican (2001), una roadmovie romántica protagonizada por Brad Pitt y Julia Roberts, Verinski demostraba su capacidad para la acción; y con The Ring, dejaba en claro su talento para trabajar con lo sobrenatural y los efectos especiales. Así, con este cuarteto de habilidades (acción-romance-fantasía-efectos especiales), Verinski se convertiría en un buen candidato para dar inicio a las aventuras de los piratas caribeños a los ojos de Disney y del productor ejecutivo. Así que así comenzó así esta divertida saga. La primera, Pirates of the Caribbean: The curse of the Black Pearl (2003) resultó todo un éxito que dejó las puertas abiertas para más. La segunda y la tercera, filmadas de una vez dejaron en claro que habría aventura para rato. Y este mes, en Cinemax, tenemos la segunda parte: Piratas del Caribe, el cofre de la muerte (2006).

Contarte de qué va, no vale la pena. Mejor te invito a verla. Allí están otra vez Orlando Bloom, Keira Knightley y Johnny Depp, acompañados además de Stellan Skarsgård, Bill Nighy y Naomie Harris. Todo el elenco y más de lo que tuvimos en la primera parte. Aventura, acción, fantasía, humor y mucho Jack Sparoww.

            Piratas del Caribe, el cofre de la muerte, el lunes 18 de agosto en la señal oeste y el lunes 25 en la señal este, dentro del espacio Cinergia. Porque lo mejor del cine de grandes taquillas también está en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 20:00     Mie 27/8/2008. Cinemax-E 18:00 Sab 30/8/2008. Cinemax-E 15:30 Sab 20/9/2008. Cinemax-O 17:30 Sab 20/9/2008.

Lo primero que uno piensa cuando ve Happy Feet (2006) es: “Este tipo se vio La Marcha del Emperador”, el documental que causó sensación en el mundo entero y que ganó Oscar a Mejor Documental. Es obvio, Happy Feet trata sobre pingüinos emperadores, y muchos momentos de la película se nos antojan idénticos (cuando reflejan las costumbres de los pingüinos). El australiano George Miller (director de la trilogía de Mad Max, Lorenzo’s Oil y Babe en la ciudad) dice que su película se estaba haciendo desde antes de que saliera el documental, que se le ocurrió esa idea diez años antes al ver un documental de la BBC. No me extraña. Las ideas están en el aire, y son de quien primero las atrape. Lo cierto es que Happy Feet nos cuenta la historia de un pingüinito emperador de nombre Mumble (palabra que quiere decir algo así “mascullar” en español) que no sabe cantar. Lo de él es bailar. Bailar con un estilo muy parecido al tap. Y por supuesto, entre los pingüinos emperadores es importantísimo el canto, ese canto que, cuando ya sean grandes, los identificará en la inmensidad de la Antártica. Como Mumble (Elijah Wood en la voz) no logra cantar como los demás, se convierte en una rareza y es rechazado. La anécdota de fondo se entiende claramente. Es muy sencilla, de hecho. Por su parte, el filme está muy bien hecho. Los colores, los detalles, la delineación de las figuras, las ambientaciones, los movimientos de cámara. Los pingüinos pequeños son realmente hermosos. Realmente el trabajo técnico es perfecto. La historia, basada en esta sencilla anécdota, es ideal para niños. No logra llegar a las alturas de películas como Toy Story, historia que fue disfrutada también por adultos. No obstante, Happy Feet resulta una fábula maravillosa, encantadora, que te dejará entretenido por un buen rato.

Otras voces son las de Nicole Kidman (Norma Jean), Hugh Jackman (Memphis), Robin Williams (Lovelace) y Hugo Weaving (Noah el viejo).

El cantante Prince permitó que su canción “Kiss” formara parte del film, y escribió una extra. Tan encantado quedó cuando vio las primeras tomas de la película. El tema, titulado “La canción del corazón” ganó el Globo de Oro a Mejor Canción en 2007. Y la película se llevó el Oscar a Mejor Película Animada ese mismo año.

Happy Feet, no te la pierdas el lunes 4 de agosto (hoy) en la señal este y el lunes 11 en la señal oeste en Cinemax dentro del espacio Cinergia.

Retransmisiones: Cinemax-E 16:15   Sab 16/8/2008. Cinemax-E 14:45 Dom 24/8/2008. Cinemax-O 16:45 Dom 24/8/2008.                                

            Es tanto lo que se ha escrito sobre El código Da Vinci, tanto del libro (2003) como la película (2006), que uno no sabe por donde empezar. Digamos algunas cosas:

            —Dan Brown, el autor del libro, ya había escrito otro libro con el mismo protagonista de El código Da Vinci. Ese personaje es Robert Langdon, y el libro es Ángeles y demonios. El tercer libro que Brown está trabajando con la presencia de Langdon es The Solomon Key (hasta ahora este es el título).

            —En la película, el profesor Robert Langdon, experto en simbología, es interpretado por Tom Hanks, quien recibió 18 millones de dólares por el papel más un porcentaje en taquilla.

            —Horrenda la melena de Tom Hanks en la película.

            —Brown recibió varias demandas de plagio por el libro. Una del escritor Lewis Perdue, quien publicó en 1983 El Legado de Da Vinci (1983). La historia es más o menos así: El professor Vance Erikson descubre que algunos textos del Codex Da Vinci son falsos o eso parece. La búsqueda de los originales lo lleva a descubrir terribles secretos y revelaciones que tienen que ver con una conspiración relacionada con el cristianismo. Sin duda, nos suena un poco a lo de Dan Brown. No obstante, esta teoría de una conspiración de la iglesia para tapar una terrible realidad que tumbaría la imagen que hasta ahora conocemos de Jesucristo no es nada nueva.

            —Otra de las demandas que recibió Brown tiene que ver con Michael Baigent y Richard Leigh, dos “historiadores” que escribieron un libro (Sangre Santa, Santo Grial) sobre Jesús, su casamiento, el grial y los reyes de Francia (los Merovingios) como descendientes de Cristo.

            —Ninguna de las dos demandas fueron aceptadas en los tribunales.

            —El Opus Dei se quejó.

            —La melena de Tom Hanks sigue siendo horrible.

            —La película costó 128 millones de dólares.

            —La dirige Ron Howard.

            —Audrey Tautou es la chica de la peli.

            —Ian McKellen, Jean Reno, Paul Bettany y Alfred Molina también trabajan en el film. Las actuaciones de Bettany y de McKellen son especialmente destacables.

            —La película es bastante fiel al libro, lo que termina siendo igual a un thriller a lo Hollywood que te hará pasar un buen rato. La idea es no ponerse exigente y disfrutar el vértigo de la acción y del suspenso. Aunque a veces uno siente que la película se va dando por la fuerza de la inercia.

            —Las escenas en el Louvre… son el Louvre.

            —Nunca he entendido a qué tanto escándalo con el libro: La literatura es ficción, ficción y nada más que ficción. No pretende ser historia, no pretende ser verdad. Vuelvo y lo repito: La literatura es ficción.

            —La melena de Tom Hanks… Ya saben.

—El código Da Vinci, excelente película para empezar el mes de agosto en Cinemax. No te la pierdas el lunes 4 en la señal oeste y el lunes 18 en la señal este, dentro del espacio Cinergia.

—Retransmisiones: Cinemax-O 20:15 Mie 20/8/2008. Cinemax-E 18:00 Sab 23/8/2008. Cinemax-E 17:30 Mar 26/8/2008. Cinemax-E 22:30 Vie 29/8/2008. Cinemax-O 20:00 Dom 31/8/2008. Cinemax-O 19:45 Sab 13/9/2008. Cinemax-E 15:15 Dom 21/9/2008. Cinemax-O 17:15 Dom 21/9/2008.        

            —Y acuérdate de mí cuando veas la melena de Tom Hanks.

            Las Crónicas de Narnia: El León, la bruja y el armario (2005) es una épica fantástica con profundas connotaciones humanas, incluso, para quien quiera verlas, religiosas. Una película que va por el camino señalado por Peter Jackson y El Señor de los Anillos de J.R. Tolkien. De hecho, el autor del libro en que se basa la película, el catedrático C.S. Lewis fue amigo de Tolkien. Con él se reunía en tertulias intelectuales en Oxford, sacaban sus textos y los leían. Las comparaciones, resultan así, inevitables. Tanto para las películas como para las obras originales. No obstante, aunque ambas sagas tienen puntos es común, hay también grandes diferencias. Aquí algunas:

— Tolkien, siempre católico, creó un mundo fantástico con sus reminiscencias a la historia cristiana muy solapadas; Lewis, originalmente ateo y luego convertido, dejaba ver más sus referencias.

— Narnia, tal cual como la Tierra Media, es un mundo totalmente ajeno al nuestro. Si la Tierra Media a veces se nos antoja una especie de Edad Media, Narnia, por su parte, no tiene un muy claro referente con una época histórica. En Narnia, los animales hablan y tienen un papel fundamental. En la Tierra Media, el papel de los animales es menor.

—En Tolkien, el protagonista es pequeño y joven, pero Hobbit (digo protagonista como centro argumental, pues El Señor de los Anillos resulta más una historia de múltiples protagonistas), es decir, alguien que no es un ser humano, mientras que en C.S. Lewis, los principales sí son niños, y llegan además de un mundo real, del nuestro, a través de un viejo armario mágico. Mientras que Tolkien jamás hace referencia a este plano.

—La obra de C.S. Lewis se me antoja mucho más para niños y por eso mismo más clara en la identificación del bien y del mal. Mientras que en Tolkien, el mal y el bien puede encontrarse en una misma persona, como es el caso del mismo Frodo, poseído por el poder del anillo.

Así, Las crónicas de Narnia, resulta un cuerpo original, completo e independiente de la obra de Tolkien. Es decir, NO debe ser considerada como un refrito de.

En cuanto al film, Las crónicas de Narnia en su primera parte, resulta una adaptación muy imaginativa, entretenida, aunque un poco larga para mi gusto. Se me antoja un intento, una prueba de Disney por meterse en el campo de lo fantasiosos tomado por el director Peter Jackson con artes y habilidades supremas. Quizás la gente de Disney, que toda la vida ha explotado la fantasía, sintió que había llegado tarde a Tolkien o que se le quitaba un lugar que se merecían por abolengo, y por eso se fueron tras la huella de C.S. Lewis, la otra opción más cercana para las grandes épicas de la fantasía.

Eso sí, insensatos no fueron los de Disney. Con esa monstruosidad todopoderosa que hizo el neozelandés Jackson —por cierto, el director de Narnia, Andrew Adamson es también neozelandés—, era demasiado pretender la competencia. Así que quizás por tal motivo, decidieron lanzar primero este globo de ensayo, una obra un poco más pequeña (comparada con la trilogía de Jackson), aunque nada descuidada. Porque eso sí que tiene Narnia: un virtuosismo de efectos en computadora que lo hace sentir un film a la altura (de la obra de Jackson). El León es una cosa realmente impresionante. Y si hablamos de carne y hueso de verdad, los jóvenes actores, desconocidos todos, cumplen con su papel y nos llegan bien. Aunque en la fase crucial sentí que les hizo falta un poco de fuerza.

Por cierto, este “globo” de ensayo, que no lo es tanto, funcionó muy bien. ¿Por qué  no es tan globo de ensayo y por qué funcionó muy bien? Pues porque costó 180 millones de dólares y generó más de 774 millones en todo el mundo. Estos números finales llevaron a Disney a producir su segunda parte, El príncipe Caspian, con 200 millones de dólares en presupuesto. Las ganancias finales, aún están por determinarse.

            En resumen, Las crónicas de Narnia: El León, la bruja y el armario es un film entretenido, para verlo en familia y que de pronto puede resultar un poco largo, pero si te gusta la fantasía, no tendrás problema. Disfrútalo este lunes 21 en la señal este de Cinemax, dentro del espacio Cinergia. Será sólo este día, así que no te lo pierdas.

            Diamante de sangre (2006) es una película que intenta combinar el atractivo del cine hecho en Hollywood —aventura, acción, entretenimiento— con un tema más profundo, fuerte, de corte social, político, moral o humano. Su director, Edward Zwick gusta andar por el medio de estas dos aguas, y de allí que nos haya aportado filmes como The Last Samurai (2003) o Glory (1989). En The Last Samurai está presente el tema de la ética, la moral y la transformación del hombre a través del honor, y en Glory nos ocupa  la discriminación racial. Así, Zwick se me antoja como un director de los años setenta y principio de los ochenta transportado a estos tiempos. Lo digo, porque en aquellos años que nombro tuvieron vital relevancia directores como Scorsese, Coppola, Lumet, Polanski, Lucas, Cimino, Pakula, Scott (Ridley), Forman y hasta el mismo Kubrick; preocupados todos por hacer un cine con mayor contenido social. Algo más político, aunque no panfletario. No obstante, Zwick, nacido en el 52, más joven que estos que he nombrado, comenzó a hacerse nombre a finales de los ochenta, cuando ese momento de realizar películas mejor estructuradas y más pensadas en torno en temas humanos empezaba a quedar atrás. Y es que los ochenta trajeron esa frivolidad dada cierto cansancio existencial, algo como un mal de década, y la apertura de nuevas posibilidades tecnológicas que plantearon cantidad de oportunidades de ofrecer otros mundos, otras miradas. De hecho, directores como Lucas, Spielberg o Scott están entre estos dos mundos, y pasaron de hacer filmes “sociales” a filmes puramente de entretenimiento, lleno de efectos especiales. Esa década de los ochenta encontró a Edward Zwick dirigiendo About Last Night (1986), un film que representaba el espíritu frívolo de los tiempos, pero que al mismo tiempo trata de mantener la preocupación por los temas del pasado. Desde entonces, el director parece andar a la búsqueda de recuperar algo de aquello que se perdió. Es decir, de hacer cine de Hollywood con cierta conciencia humana. En cierta medida, Zwick sigue en lo mismo. Los grandes estudios le dan dinero para hacer su súper producción, pero parece que él siempre busca meter lo que le interesa. Por esto, Diamante de sangre resulta un producto de esta cruzada de Zwick. Es una gran película (en lo que respecta a la inversión), con una súper estrella (Leonardo DiCaprio) que intenta decir algo más por encima de la acción. Zwick se contextualiza en los difíciles años de la guerra civil de Sierra Leona. Allí coloca a Danny Archer (Leonardo DiCaprio), un traficante de diamantes, un mercenario a tiempo completo, y a Solomon Vandy (Djimon Hounsou), un sencillo pescador que vive los infortunios de la guerra cuando un grupo rebelde toma su pueblo. A través de estos dos personajes, Zwick nos muestra una cantidad de cosas realmente interesantes y hasta formativas (es decir, que nos interesan, que nos informan). A saber: el conflicto en Sierra Leona, el negocio ilegal de la extracción de diamantes, los campos de refugiados, el modus operandi de los mercenarios, el reclutamiento de niños soldados y algunos asuntos más. Si bien, Zwick no se concentra sobre estos asuntos, nos los presenta y los usa habilmente. Por encima, claro está, privilegia la acción y la aventura. Pero no deja de ser interesante lo otro, que no se convierte totalmente en un telón de fondo, sino que siempre tiene su lugar y su preponderancia, así como la evolución espiritual del personaje central interpretado por DiCaprio. No es una película para sentarse a reflexionar pero tampoco que cede terrenos al interés comercial. De hecho, el personaje de DiCaprio sufre lo suyo y no termina en la cima de una montaña, sin camisa, musculoso, sudado y harapiento viendo cómo el mal muere a sus pies. No, su final es otro. Quizás, no obstante, en ciertos momentos esa búsqueda de complacer sus necesidades humanas pero también de cumplir con el estudio (con Dios y con el Diablo), hizo que Zwick nos presentara un filme que a ratos nos parece largo, excesivo, y éste quizás sea su principal defecto. No obstante, te puedo asegurar que tal como me pasó a mí, muchas de sus imágenes se te quedarán grabadas para siempre, porque a través de ellas llegaremos a comprender qué tan bestia puede llegar a ser el hombre. Acá, esa capacidad para hacer daño y para concebir los peores infiernos, queda magistralmente retratada.

            Mención especial merece Djimon Hounsou, un gran actor nominado al Oscar a Mejor Actor de Reparto en esta película y que llega a opacar a DiCaprio, estrella con mucho talento y quien, con insistencia, busca hacerse un lugar en el Olimpo de los grandes, aunque a ratos uno sienta que todavía le falta algo (un no sé qué) para llegar.

            Diamante de sangre, el lunes 21 de julio en la señal oeste y el lunes 28 en la señal este dentro del espacio Cinergia, sólo en Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-O 22:45 Lun 21/7/2008. Cinemax-E 20:30 Lun 28/7/2008. Cinemax-E 18:15 Jue 31/7/2008. Cinemax-E 18:00 Dom 3/8/2008. Cinemax-O 20:00     Jue 7/8/2008. Cinemax-O 20:15 Sab 16/8/2008.            

           Voces en la noche (2006) no es una película fácil. Trata un tema muy escabroso que a muchos puede repelar, y además cuenta con un actor que no deja a nadie indiferente y que, por lo general, o lo amas o lo odias. Porque Robin Williams puede resultar un interprete escandaloso y delirante en ocasiones (y gustarte o no) o un muy solvente conductor de emociones dramáticas (y acá ya el odio o el amor viene desde la comedia). Algo parecido le pasa a Jim Carrey, aunque Carrey sabe ser extremadamente delirante y se desespera escandalosamente porque lo respeten como actor de “altura”… No sé, este pareciera ser el talón de Aquiles de los comediantes. Es decir, que ni ellos mismos se toman en serio. El asunto es que en Voces en la noche Robin Williams se pone el cinturón de actor que busca respeto y se mete en el papel de un homosexual serio. ¿Ven?, la palabra “serio” nos tiene rodeados. Este homosexual que goza de cierta fama gracias a un programa de radio, acaba de romper con su pareja y se encuentra así en una situación emocional susceptible. Quizás por ello se deja arrastrar por historia atroz de un libro que le envió un editor donde un niño cuenta las degradaciones sexuales que sufrió en manos de… sus propios padres. Entonces, enganchado con el libro, y con el pasado del niño, nuestro protagonista se mete en un mundo extraño donde se alza la oscura sombra de una mujer ciega y enigmática, trabajadora social a cargo del niño, interpretada por la siempre solvente Toni Collette. Les digo, la película no es fácil. Hay momentos del film en que vemos —visualizamos— algunos de esos supuestos abusos sexuales, y no podemos más que sentir cómo se nos derrumba el pecho sobre el corazón y deja allí un agujero inmenso que nos duele. No obstante, a pesar de que el tema ya de por sí tiene suficiente fuerza, sus guionistas, Ferry Anderson y Armistead Maupin (paradójicamente el film está basado en un libro de Maupin que cuenta supuestos hechos reales) metieron la historia dentro del formato del thriller y le agregaron así algo más que nos mantiene en constante suspenso y que nos separa por momentos de las implicaciones éticas y morales de la cinta. Para algunos, esto puede resultar un defecto, para otros, su punto fuerte y a favor. Lo que sí resulta cierto es que su director, Patrick Stettner, intenta mantener un equilibrio muy complicado —muy difícil— entre la delicadeza —o atrocidad— del tema y la intriga aportada por el formato thriller. 

Así que ahí se los dejo. No se trata de un caramelito dulce. No obstante, la intriga a lo Hollywood atenúa la oscuridad de lo contado. Se disfruta, sin duda, y Robin Williams y Toni Collette nos regalan un excelente duelo o contrapunteo de personalidades complejas.

            Voces en la noche, el 14 de julio en la señal este y el 28 en la señal oeste dentro de  Cinergia, espacio de los lunes, en Cinemax. Porque canales de películas hay muchos. De cine, sólo Cinemax.

            Retransmisiones: Cinemax-E 17:00 Jue 31/7/2008. Cinemax-O 19:15 Jue 31/7/2008. Cinemax-E 16:15 Dom 3/8/2008. Cinemax-O 18:00 Dom 3/8/2008. Cinemax-O 21:15 Mie 6/8/2008. Cinemax-E 17:15 Sab      9/8/2008. Cinemax-O 19:30 Sab 9/8/2008. Cinemax-E 18:45 Mar 12/8/2008. Cinemax-E 18:45 Vie 15/8/2008. Cinemax-O             20:45 Vie 15/8/2008. Cinemax-O 01:45 Mar 19/8/2008. Cinemax-E          22:45 Jue 21/8/2008. Cinemax-E 16:30 Mie 27/8/2008. Cinemax-O 18:15 Mie 27/8/2008.

            Estamos en el futuro, y el gobierno, como siempre, anda haciendo experimentos con la gente. En este caso, intenta crear súper soldados. Obviamente el experimento es súper secreto y también falla y termina saliéndose de las cuatro paredes del búnker y empieza a contagiar a la gente de una enfermedad que se llama “hemofagia” (léase vampiros de laboratorio) que hace que la gente tenga súper fuerza, que cambie el color de su cabello y que necesite sangre para vivir. Ésta es más o menos la historia que nos cuenta Ultravioleta (2006), dirigida por Kurt Wimmer (el mismo de Equilibrium) y protagonizada por Milla Jovovich, delgada, atlética, con su abdomen plano y su ombligo al aire.

Ultravioleta resulta una fascinante historia de ciencia ficción que bebe de distintas fuentes. Allí tenemos, por ejemplo, referencias a Resident Evil (sin duda, Milla es inspiradora) y a cientos de historias mundo del cómic. De hecho, la película parece un cómic que no tiene cómic. Es decir, está inspirado en un cómic inexistente, porque es un cómic que son muchos cómics y muchas películas. Un film totalmente postmodernista, visualmente magnífico, lleno de acción y muy entretenido; perfecto para comenzar el mes de julio dentro del espacio de Cinergia.

Ultravioleta, el lunes 7 de julio en la señal este y el lunes 14 en la señal oeste.

            Retransmisiones: Cinemax-E  19:30     Jue 17/7/2008. Cinemax-E  19:30 Dom 20/7/2008. Cinemax-O 21:30 Jue 24/7/2008. Cinemax-O  21:30 Mie 30/7/2008.